PINTURAS NEGRAS 7 de 15 (La Romería de San Isidro)

Hoy, de nuevo, nos adentramos en la quinta del Sordo. Nos quedaremos en la planta baja y hablaremos y analizaremos otra de las pinturas de gran tamaño, concretamente la que se encontraba frente al Aquelarre; La Romería de San Isidro. Con este, son 6 las obras que hemos abarcado de esta colección. Una serie de pinturas enigmáticas, una época clara de transformación de su autor, que aunque no fue de golpe, es en este momento cuando podemos ver el cambio radical de su estilo pictórico, no sé si decir, de pinceladas más libres, o más rabiosas, desde luego y aunque lo parezca, para nada caprichosas… y que como hemos ido comentando en, prácticamente, todos los textos anteriores, hablamos de las pinturas que, posiblemente, abrieran las puertas a las pinturas modernas (Impresionismo y expresionismo).

Entramos en esa planta baja y a la izquierda, ocupando, prácticamente, toda la pared, vemos el cuadro Aquelarre. A la derecha, justo enfrente y entre las dos ventanas; La Romería de San Isidro.

Comparación cuadros «La Pradera de San Isidro» y «La Romería de San Isidro»

Esta obra, nos muestra una visión de esta romería hacia la ermita de San Isidro de Madrid. Lo que me parece curioso y que claramente nos cuenta la transformación de su autor con el tiempo… dicen que por la enfermedad que sufrió, la sordera permanente, pero quizá, también por una cuestión socio política, pues Goya veía como después del “2 de mayo” y la Guerra de la Independencia, sus valores e ideales, se evaporaban.

Lo que quiero decir, es que 20 años atrás, 20 años antes de la ejecución de esta pintura, Goya había pintado ya “La Pradera de San Isidro”. Y si trataba de reflejar las costumbres de un día festivo de los habitantes de Madrid y proporcionar una vista bastante fiel de la ciudad, ahora la escena refleja un grupo de personajes en la noche, al parecer ebrios y cantando con rostros desencajados…

La Pradera de San Isidro es un cuadro pintado en 1788, destinado a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo. En un inicio pretendía que midiera 7 metros de longitud, pero a la muerte de Carlos III, el proyecto de tapices, quedó inacabado, con lo que solo tenemos un minucioso apunte que mide 42 cm por 94 cm de longitud.

Claramente, aquí podemos ver a aquello a lo que Francisco de Goya quería pertenecer, ese mismo entorno burgués que describe. Con el paso del tiempo y el régimen absolutista de Fernando VII, la visión que muestra sobre este día festivo es bastante más desoladora.

Detalle de La Romería de San Isidro

¿Existe deshumanización o teatralización? Bueno, desde mi punto de vista, ambas cuestiones son acertadas. Creo que Goya en este cuadro juega con las clases sociales, que las entremezcla en la pintura. Aparecen, en primer término, un grupo de clase social humilde; más al fondo, sin embargo, se ven sombreros de copa y tocados de monja. Pero en primera instancia, nos muestra un ciego tocando la guitarra. Es como si nos viniera a decir que la sociedad del momento seguía a alguien que no ve.

Carlos Foradada, autor del libro Goya al descubierto en las Pinturas Negras y el Coloso, en este apartado, nos cuenta que esa escena tiene paralelismo con el cuadro “Parábola de los Ciegos” de Pieter Brueghel “como confirmación de lo incierto y del azar, cuyo destino es definitivamente ajeno al dominio de la razón”.

Y continua “España seguía poniendo de manifiesto su minoría de edad que la afirmación ilustrada pretendía superar, tal y como rebelan con especial crudeza las Pinturas de La Romería de San Isidro y el Aquelarre. España era un país atrasado cuya población vivía fundamentalmente de la agricultura y subyugada a los grandes propietarios y al clero, de manera que este contexto propició el advenimiento del absolutismo más extremo tras la Guerra de la Independencia, y presidido por Fernando VII. Finalmente, Goya, vivió un pequeño respiro a partir de 1820, cuando los Liberales dieron fin al primer periodo absolutista, tal y como se representa en Judith y Holofernes, para llevar a cabo el proyecto elaborado en la Constitución de Cádiz de 1812”.

Esto, como ya os he comentado en otros audios dedicados a las Pinturas Negras, parece ser que estas pinturas tienen un orden correlativo. Creo que igualmente complejo pero cronológico al fin y al cabo. Por eso nos habla de la consecución de Judith y Holofernes y también cita a Saturno Devorando a su Hijo. Todas estas pinturas pertenecientes a la planta baja de la Quinta del Sordo.

Un cuadro de tonalidades oscuras y terrosas, como siempre en esta serie de pinturas. Esa deshumanización de los individuos protagonistas. La textura y la forma de las pinceladas… todo ello, nos lleva a lo enigmático de esta serie, preludio de la ausencia de mímesis del arte contemporáneo.

Negativo Fotografía de La Romería de San Isidro (James Laurent)

Bien, como, prácticamente, todas las Pinturas Negras, éstas están realizadas sobre otras pinturas, que aún se debate si, igualmente pertenecieron a Goya o no.

Todas sufrieron una restauración, por su paso de revoco a lienzo, realizada por Martínez Cubels. Y por suerte, de todas ellas tenemos unos negativos de las fotografías que realizó en 1874 James Laurent cuando aún se encontraban en las paredes de La Quinta del Sordo.

Por ello, ahora podemos observar, sutiles y no tan sutiles cambios que sufrieron las pinturas en su restauración. En este cuadro en concreto una de las cuestiones que vemos más evidente, era la técnica que Goya usaba, que también la usaba Velázquez, la cual llamamos perspectiva aérea. Y es que entre medio de los protagonistas y el observador, Goya usaba una especie de veladura, como si pintara el aire que pudiéramos ver entre medio. Y, lógicamente, Martinez Cubells, parece ser que no lo tuvo muy en cuenta, a la hora de restaurar el cuadro, con lo que pierde técnica, expresividad…

En otros cuadros, ya hemos visto elementos que han desaparecido, o que por la forma de pintarlos, incluso cambia el sentido de lo observado. En este caso, y en primer plano, vemos el ciego tocando la guitarra, el trabajo casi detectivesco de Carlos Foradada, nos habla del cambio sufrido en esta figura, concretamente en su mantilla blanca.

En el cuadro, tal cual está ahora mismo, esa mantilla, realmente parece la camisa del personaje que tiene justo detrás, pero en los negativos, podemos observar que se crean una serie de juego de luz y sombra que finalmente nos hacen pensar que es una mantilla. Siendo así, y teniendo bastante sentido, pues los cómicos y buhoneros de la época parodiaban con este tipo de vestuario, nos da que pensar con el tema de la teatralización de la escena. Y la historia va un poco más allá; sobre el hombro derecho del ciego con guitarra, parece asomar la cabeza de lo que podría ser una marioneta o un títere, afirmando así esta cuestión y es coherente con la representación de actores cómicos que Goya ha puesto en escena en esta obra.

Detalle Pintura «La Romería de San Isidro»

La representación de estas celebraciones, que algunos autores han asociado con las Saturnalias romanas donde se subvertían las clases sociales, pasaban justo por delante de la Quinta del Sordo, muy cercana a la iglesia de San Isidoro. Por ello, se cree que Goya tuvo sus modelos cercanos, a los que pudo estudiar con serenidad.

Esta obra, limitaba en la casa de Goya con dos obras, ciertamente dramáticas; Judith y Holofernes y Saturno Devorando a su Hijo.

Ninguna de estas dos piezas las hemos analizado aún, pero vendrán ya en la segunda temporada.

Lo que sí tenemos son los programas siguientes (En Audio y texto):

Programa 1×3 Pinturas Negras de Francisco de Goya (Donde hablo de estas pinturas de una forma más genérica, pero creo que es interesante porque hablo de la etapa, del contexto socio político, de la propia vida de Goya… en fin, siempre recomiendo, si no lo habéis hecho, escuchar los programas anteriores, para una mayor comprensión del tema).

También tenéis el 1×8, el Perro Semihundido, 1×15 el Aquelarre, 1×19 Duelo a Garrotazos, 1×23 Leocadia y 1×30 Asmodea.

Jorge Barroso «Bifu»

FORMATO AUDIO: 1×43 PINTURAS NEGRAS 7 La Romería de San Isidro en La Habitación Semihundida en mp3(21/06 a las 19:33:00) 19:32 71713903 – iVoox

1×42 HISTORIA DEL ARTE 8 El Arte Islámico en el Al Andalus

En este texto vamos a seguir con la historia del arte; Dos grandes imperios, de esta época de la que vamos a hablar (Bizancio y Persia), aunque ya en este momento muy debilitados, por la corrupción  y sobre todo porque sus bases ideológicas estaban obsoletas.

La religión islámica daba fuerzas y unidad a los distintos pueblos que la practicaban. Los musulmanes sostenían que luchaban contra el mal, ordenaban hacer el bien y creían en Dios, estas tres premisas les dotaron de valor y fuerzas casi milagrosas.

Por otra parte administración de los califas musulmanes era muy tolerante con los cristianos y los judíos y daban apoyo a la ciencia y las artes, lo cual hizo que obtuvieran el apoyo popular de los nuevos territorios del califato islámico.

Como habéis podido deducir, hoy vamos a hablar del Arte Islámico en el Al Andalus.

La rápida expansión islámica puede ser resumida de la siguiente manera:

1. El Medio Oriente: durante el gobierno de Omar (634-44) se sometió Siria, Egipto y Persia. Luego se extendieron por todo el norte de África.

2. Europa: en el año 711 los musulmanes atravesaron el estrecho de Gibraltar e invadieron la península Ibérica. En menos de 20 años se encontraban ya en Francia y dominaban toda la península ibérica. En el siglo IX los musulmanes entran en el sur de Italia y Sicilia.

Dueños de España, a la cual denominaron “Al Andalus”, los musulmanes cruzaron los Pirineos en dirección al territorio de los francos, pero fueron detenidos por Carlos Martel en la batalla de Poitiers (732)

3.- Imperio Bizantino: Los musulmanes, después de expulsar a los bizantinos del Medio Oriente y África, construyeron una flota con el propósito de romper el poderío del imperio Bizantino en el Mediterráneo.

Sin embargo, no consiguieron su propósito hasta el siglo IX cuando conquistan todas las islas del Mediterráneo.

4. Lejano Oriente: El mismo año de la conquista de España (711), los árabes llegaron hasta el valle del Indo en lo que hoy es India y Pakistán. Intentaron la conquista de China, pero acabaron firmando un acuerdo de protección.

El mundo musulmán

En los primeros tiempos el califato islámico estuvo unificado. La Ley islámica (la sharia) sentó las bases de un estado. Además la paz lograda por los musulmanes permitió al comercio y la tecnología desarrollarse y alcanzar límites nunca antes vistos. Hasta el año 750 su capital estaba en Damasco, pero por motivos políticos, el Califato se trasladó a Bagdad. En el siglo X el poderío del Islam empezó a decrecer. Tanto el Califato de Bagdad como el estado omeya de Córdoba entraron decadencia, hecho que llevó a la cristiandad a iniciar la reconquista.

Esto es, a grandes rasgos, su historia y ahora vamos a adentrarnos en lo que nos compete, EL ARTE ISLÁMICO EN AL ANDALUS.

Mezquita de Córdoba

El arte árabe recoge formas y elementos de los pueblos conquistados. Es decir, que va cogiendo de aquí y de allí. Pero la pintura y la escultura no tuvieron desarrollo, porque el islamismo prohíbe las representaciones humanas. Aunque la decoración con motivos vegetales y geométricos (arabescos) fue muy significativa, tanto en azulejos en paredes y suelos como los trabajos en escayola y madera en los artesonados.

Con respecto a la Arquitectura, los musulmanes, en su expansión, irán adoptando las formas artísticas romanas, cristianas, bizantinas, persas, visigodas… creando un arte plenamente oriental. Los edificios suelen tener poca altura pero de elementos decorativos son muy elaborados y que combinan y cuidan la armonía con el paisaje.

Los principales edificios en las ciudades islámicas son:

a) La mezquita: es un edificio de planta rectangular con varias naves paralelas cubiertas, un patio rodeado de pórticos con una fuente al centro y torres. Las más notables son las de Damasco, El Cairo y Córdoba.

b) La madrasa: está destinada a la enseñanza. Se construye alrededor del patio central de las mezquitas y fueron los embriones de las primeras universidades.

c) Los Palacios: son edificios civiles que también se desarrollan alrededor de un patio, destaca la Alhambra en Granada.

d) El zoco: mercados ordenados según los distintos gremios.

Elementos de construcción ( y esto es importante, porque sí que impregnan una huella que, al menos en mi región, Andalucía, perdura hoy día)

– Las columnas y pilares, al principio aprovechados de edificios anteriores y luego ya originales, son delgados, ya que soportan techos ligeros. Destaca el empleo de cúpulas y bóvedas, siendo abundantes las bóvedas de crucería, pero sin que los nervios se crucen por el centro.

Utilizan una variada tipología de arcos: por herencia del arte visigodo adoptan el arco de herradura, pero a partir del siglo X se generalizan los arcos lobulados y polilobulados; y desde el siglo XIV los de medio punto peraltados y angrelados. También usan los arcos con macárabes.

– La decoración se sitúa casi exclusivamente en el interior, donde es extraordinariamente rica, con temas vegetales, geométricos y epigráficos. En el exterior sólo se cuidan las portadas y las cúpulas.

Mezquita de Córdoba
  1. La Mezquita

– La mezquita es el lugar de reunión de la comunidad musulmana y su estructura deriva de la casa de Mahoma en Medina, aunque también observamos ecos de las basílicas paleocristianas. Sus partes fundamentales son:

* El patio («sahn»), rodeado de arquerías.

* La torre («alminar» o «minarete»), junto a la puerta de acceso al patio.

* La fuente para abluciones («sabil»), generalmente bajo un templete.

* La gran sala de oración («haram»), dividida en numerosas naves.

* El muro orientado hacia La Meca («qibla»).

* El nicho o lugar santo en el centro de la qibla («mihrab»).

* El recinto cercado para el califa o imán («maxura»).

* El púlpito («minbar»).

Claro, voy a aprovechar este tema para hablar de la mezquita quizá más monumental que queda en España, La Mezquita de Córdoba:

Es uno de los monumentos religiosos más importantes de toda la Historia del Arte Islámico y, junto con La Alhambra, la máxima representación de este arte en la península ibérica. Fue ideada por Abderramán I, el último heredero de la dinastía omeya.

El edificio tiene un carácter plenamente islámico; eso implica que tiene muy pocas cosas propias de los árabes, y muchas heredadas y recuperadas de los lugares que va conquistando, como iremos viendo. (Pero ya os digo que en su conjunto, finalmente es un estilo propio)

1ª Etapa: El edificio primigenio fue ideado por Abderramán I allá por el año 784, con el objetivo de satisfacer las necesidades de la ciudad. No orientó la mezquita hacia La Meca, como era de esperar, sino hacia Siria, lugar de donde provenía la dinastía omeya, en lo que parece un acto de rebeldía frente a la recién impuesta hegemonía abbasí, con capital en Irak.

Centrándonos únicamente en el aspecto artístico, de esta primera construcción destacan los arcos de herradura, heredados de la tradición visigoda, pero reinterpretados de una manera muy característica: alternando dovelas rojas con blancas, cumpliendo una función no sólo estética, sino funcional, pues al parecer así se evitaba, por la propia naturaleza del material, que los arcos reventaran. Estos arcos se apoyaban sobre columnas recuperadas de edificios anteriores, ya fueran romanos o visigóticos.

2ª Etapa: Unos años más tarde, en torno al 833, será Abderramán II el que intervenga en la mezquita, añadiendo a las once naves del Haram (sala de oraciones) ocho tramos más y eliminando el antiguo muro de qibla (muro hacia donde se orientan las oraciones).

3ª Etapa: Muhammad I será el responsable de restaurar, en la primera mitad del siglo IX, la Puerta de San Esteban, original de la época de Abderramán I. La tipología de esta puerta quedará como el “canon”, y será fruto de copias y reinterpretaciones a lo largo de los años: arco de herradura peraltado, creando un espacio cegado de 3/4 de circunferencia, rodeado por dovelas intercaladas, con eje en la línea de imposta. El trasdós está moldurado y, lo más característico e innovador (aunque se dice que es derivado de la arquitectura romana), todo el arco está rodeado por un alfiz.

4ª Etapa: Quizá la ampliación más importante fuera la de Abderramán III, (945-961). En el momento en que se convertía en Califa proclamando el Califato Independiente de Córdoba, Abderramán ordenaba la construcción de un alminar, hoy tapado por la torre cristiana (como siempre), pero que en su momento sirvió de modelo para todas las mezquitas de la época. También se centró en ampliar el shan (patio), al que dotó de pórticos.

5ª Etapa: Al Hakem II (961-971) amplió el haram y estableció el muro de qibla definitivo, el que ha llegado hasta hoy. El Mihrab fue decorado por profesionales del mosaico traídos del mismo Bizancio.

La ampliación de Abderramán III se marcó con el lucernario, de evidente sentido decorativo, pero con una función clara: aportar luz a una mezquita que se estaba haciendo demasiado grande, y a la que no llegaba luz suficiente.

6ª Etapa: A fines del siglo X Abu Amir Al-Mansur, el Almanzor de las fuentes cristianas, quiere realzar su poder aumentando la mezquita con ocho nuevas naves, llegando a un total de diecinueve, pero en esta ocasión hacia el este, por lo que el mihrab de Al-Hakam II quedará descentrado, y añadiendo también la parte del patio correspondiente.

Junto con la mezquita, el palacio es el edificio más típico de la arquitectura islámica, siendo, lógicamente, La Alhambra de Granada el palacio árabe medieval que mejor se conserva, al no haber sufrido transformaciones posteriores.

Alhambra de Granada

– La Alhambra, construida en una de las colinas de la ciudad, constituye una auténtica ciudad-palacio formada por:

La ciudadela o alcazaba, con función defensiva militar.

* El palacio propiamente dicho.

* Un vasto recinto amurallado que circunscribe todo el conjunto.

– La tendencia islámica a resaltar ante todo los aspectos decorativos, alcanza en la Alhambra un nivel mucho mayor que en Córdoba. No tiene la simple función de resaltar algunas zonas del edificio, sino que se extiende por todos lados hasta transformar totalmente su aspecto original.

– La Alhambra tiene una estructura muy simple, pequeños recintos cubiertos por techos planos y realizados con materiales pobres, lo que ha favorecido la exaltación de lo decorativo frente a lo estructural.

– Los principales materiales utilizados en la decoración de La Alambra son los siguientes:

* La Madera: El trabajo realizado sobre ella produce la ilusión de no ser un elemento constructivo, sino paneles superpuestos a las superficies. Los artesonados reproducían complejos dibujos geométricos policromados.

* El Azulejo: Cubre, en forma de zócalo, las partes inferiores de los muros, representando dibujos geométricos, mediante una técnica especial que produce efectos metálicos.

* El Yeso: Es el material más usado en la Alhambra, al ser ideal para crear una «segunda» arquitectura por su extraordinaria blandura. Se trabaja de distintas formas, combinándose con el azulejo y la madera, y cubre las paredes envolviendo materialmente el edificio original. El estuco, originalmente coloreado, se aplica en forma de paneles que reproducen una decoración epigráfica, geométrica o floral.

Es el yeso, en definitiva, lo que proporciona a la Alhambra la sensación de sorpresa permanente, puesto que forma falsos elementos constructivos (paredes, bóvedas, arcos) que dada su inutilidad constructiva pueden adquirir las formas más fantásticas y caprichosas.

* Y una cosa curiosa; Junto a yeso, azulejo y madera, el agua y la vegetación juegan un papel decorativo de primer orden, formando una perfecta unidad con la arquitectura. Fuentes a la altura del pavimento en los patios interiores, alimentadas por pequeños canales, que dejan correr el agua lo suficiente para que no se estanque, pero no tanto como para impedir que las construcciones se reflejen en ellas. Este efecto de reflejo no es casual, sino premeditado, a lo que hay que añadir el murmullo del agua al correr, etc.

Estás cuestiones son muy características hoy día en Andalucía y en prácticamente todos los antiguos patios de vecinos, casas y parques o jardines, podemos ver esta herencia estructural y decorativa. Aunque, por desgracia, cada vez menos, porque todo se está globalizando y se van perdiendo estos métodos.

El conjunto del palacio tiene una planta compleja, articulada alrededor de tres unidades prácticamente independientes entre sí, el mexuar, el diwan y el harem, que forman un conjunto de unidades independientes ordenadas alrededor de patios, sin un centro arquitectónico bien delimitado y reconocible, lo que hace posible que no se abandonen las dimensiones humanas, predominando lo horizontal frente a lo vertical.

Si nos pusiéramos a describir todos las salas y patios de la Alhambra el texto nos daría para dos o tres días; El Patio de los leones, la Sala de la Barca, los jardines del Generalife… Claro, no lo voy a hacer, pero sí os recomiendo que si os gusta este tipo de cuestiones que busquéis un poco más de información sobre la Alhambra de Granada y lo vais a disfrutar.

El Patio de los Leones (Alhambra)

Pero bueno, sí os diré que La Alhambra es una obra producto de un arte maduro y cuyos rasgos están ya perfectamente definidos, capaz de crear una arquitectura eminentemente pictórica, donde el ilusionismo y lo aparente ocultan la estructura real del edificio mediante una decoración exuberante. El agua, el jardín, la luz… Es una arquitectura donde el edificio está integrado en el mundo exterior gracias al jardín, que penetra en el interior con los patios y al mismo tiempo envuelve a la totalidad del edificio. Una maravilla del Arte Islámico.

Por último, me gustaría nombraros una torre muy conocida de mi ciudad, La Giralda: En un inicio, torre correspondiente al Alminar de la antigua mezquita de la ciudad, a finales de siglo XII en la época de Almohade. Finalmente en el siglo XVI, ya en época cristiana, se le añade una parte superior para albergar las campanas. (Lo que siempre ha hecho la cristiandad).

En fin, la Giralda, no deja de ser por esto un edificio bello que se ha estandarizado como símbolo de la ciudad de Sevilla. (Y que hoy día ya es patrimonio de la Humanidad)

Giralda de Sevilla

Durante el periodo de dominación Almohade, la ciudad de Sevilla se convirtió en la capital de Al-Ándalus, lo que trajo a la ciudad una actualización de sus infraestructuras procediéndose a la construcción de algunas grandes edificaciones. En este ámbito se comenzó el levantamiento de una nueva mezquita mayor en el solar que actualmente ocupa la catedral. La construcción de esta nueva mezquita, que reemplazaba a la existente en la plaza del Salvador, (donde ahora hay otra iglesia) se inició el año 1172 y en 1182 se pronunció el primer Jutba (sermón de viernes) en la mezquita. El alzado exterior de la mezquita tenía influencias de la Mezquita de Córdoba, mientras que la estructura de su planta procedía del modelo de las mezquitas marroquíes de Marrakech y de Tinmal.

Bueno, igualmente, como he dicho de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada o esta misma catedral de Sevilla, sus diseños arquitectónicos y sus historias, son muy curiosas de leer. A lo mejor, más adelante, quizá dediquemos programas completos a estas increíbles arquitecturas. Pero a grandes rasgos, en esto consiste el Arte Islámico y su clara influencia en el tiempo posterior en Andalucía.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: 1×42 HISTORIA DEL ARTE 8 Arte Islámico en el Al Andalus en La Habitación Semihundida en mp3(14/06 a las 08:49:12) 32:25 71373470 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 7 Arte Paleocristiano y Bizantino

Para situarnos en la historia, como ya sabemos, estos textos de la historia del arte van de una forma, digamos cronológica, así que de lo que nos toca hablar hoy, podríamos situarlo justo después de la caída del imperio romano.

Quizá un arte que surge de la necesidad, en un principio de la clase pagana, por luchar contra las religiones impuestas por el imperio romano y también por la carencia de sitios para enterrar a sus muertos. Estas personas se reunían de forma clandestina en lugares subterráneos, que esto lo pude ver en Roma; unas catacumbas de túneles kilométricos excavados bajo tierra. Y que a partir del año 313, cuando Constantino le concede la paz a la iglesia, oficializando la religión con el «Edicto de Milán», comienzan a construirse los primeros templos, tomando como ejemplo la basílica romana.

Por ello, estos dos estilos de los que vamos a hablar hoy, digamos que no tienen una estética o una forma característica, sino que cogen modelos de la arquitectura y de la pintura que ya existían… si hay algo que les caracteriza sería la temática que fue eminentemente religiosa, cristiana, claro.

Hoy vamos a hablar del arte paleocristiano y bizantino.

Mosaico de Emperador Justiniano y séquito

El Arte Paleocristiano se desarrolla inicialmente a partir del siglo II y a lo largo del Bajo Imperio (s. IV y V) y el bizantino en el Imperio romano de Oriente desde el s. VI al XV.

Las bases artísticas hay que buscarlas en la simbología y teología cristianas como ya he comentado. En un principio en la clandestinidad y posteriormente, a partir del Edicto de Milán en el 313 d. C. de forma libre.

El Imperio bizantino fue la parte oriental del Imperio romano que sobrevivió a la caída del Imperio de Occidente en el siglo V, su capital fue Constantinopla (la actual Estambul, en Turquía) y su duración se prolongó hasta la toma de ésta por los otomanos en 1453.

Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio romano de Oriente en el 330, después de que Constantino I el Grande, el primer emperador cristiano, la fundara en el lugar de la antigua ciudad de Bizancio, dándole su propio nombre, que de forma gradual se desarrolló hasta convertirse en una verdadera capital de las provincias romanas orientales, es decir, sureste de Europa, suroeste de Asia.

A la muerte del emperador Teodosio I, en el 395, el Imperio se dividió definitivamente en dos: Honorio, su hijo menor, heredó Occidente, con capital en Roma, mientras que a su hijo mayor, Arcadio, le correspondió Oriente, con capital en Constantinopla.

El emperador Justiniano y su esposa Teodora, a mediados del s. VI, sentaron las bases del desarrollo político, religioso, cultural y comercial del Imperio Bizantino. Una de las razones que explican la larga duración del imperio bizantino fue su sólida organización. El emperador o basileus era la cabeza. Concentraba todos los poderes: dirigía el ejército y la administración, y era el jefe religioso. Una extensa red de funcionarios ejecutaba sus órdenes. Estos funcionarios estaban especializados y contaban con una gran formación intelectual. Los diplomáticos eran los encargados de las relaciones con otros territorios y pueblos. Las mismas leyes estaban vigentes en todo el imperio y un poderoso ejército tenía como misión la defensa de las fronteras.

Sabiendo más o menos en qué momento de la historia nos encontramos, vamos a comenzar a hablar del arte de esta época, propiamente dicho. Vamos a comenzar con el Arte Paleocristiano.

Paleocristiano, etimológicamente significa “cristiano viejo”, por tanto, será el arte de las primeras comunidades cristianas que se desarrollaron dentro del Imperio Romano.

Este título se aplica a las manifestaciones artísticas que se desarrollan dentro de las primeras comunidades cristianas que surgieron a finales del s. I d.c. Las personas que practican esta nueva religión son ciudadanos romanos del imperio.

El carácter oriental de esta religión, que en un primer momento sólo se extiende por las provincias orientales del imperio, provocará un cambio dentro de la plástica romana (y esto es importante): la sustitución del realismo clásico por el expresionismo, el arte paleocristiano se convierte en puente entre el mundo clásico y el cristianismo medieval.

La necesidad del artista paleocristiano de representar una “realidad espiritual”, (bueno, necesidad u obligación ¿no? Porque lo que se pretendía era que este arte, estas manifestaciones artísticas, sean el vehículo para que la comunidad (mayoritariamente inculta) pueda asimilar y entender el mensaje cristiano).

Por ello es un arte simbólico y expresivo. Utiliza un lenguaje más sencillo que los fieles puedan entender.

Claro, lo primero que tiene que hacer esta religión es darse a conocer por medio de una forma didáctica, por medio de símbolos y signos de identificación de la fe como el Crismón (anagrama de Cristo), los panes y peces (la eucaristía) y el divino pastor…

El arte paleocristiano podemos distinguir dos etapas: la que se desarrolla en los Siglos I, II y III, cuando los cristianos son perseguidos por el emperador y deben celebrar sus manifestaciones rituales de manera clandestina (en catacumbas que hablábamos antes).

Y la de los Siglos IV y V: después del Edicto de Milán 313 d. C. cuando el emperador Constantino permite la libertad de cultos religiosos en todo el Imperio. El segundo paso será la conversión del Imperio en un Imperio cristiano, que creo recordar que llegó con Teodosio I (Y esto enlaza bien con uno de los programas que haremos más adelante donde nos meteremos en la Edad media Europea y que nos llevará al arte románico y el gótico. Aunque entre medio, está el arte islámico y, lógicamente la influencia que tuvo en el arte, sobre todo en el sur, en Andalucía).

Catacumbas Priscila

Vamos a ver como fue la arquitectura antes del edicto de Milán:

Existían una pequeñas iglesias en el exterior muy austeras, para no despertar sospechas de rituales cristianos que llamaban “Tívolis”. Por otra parte, las Catacumbas: lugares de enterramiento que después hemos podído descubrir que se encontraban por todo el territorio del imperio. Éstas, consisten en una red de galerías en las que se excavan los lugares de enterramiento (nichos o sarcófagos) y en las que también encontramos “criptas” como espacios cubiertos con arcos de medio punto bajo del cual se sitúa un altar que permite desarrollar la liturgia cristiana.

Por nombrar algunos de estos lugares, quizá los más importantes son los que se encuentran en  Roma, (San Sebastián, San Calixto, y Santa Domitila).

Después del Edicto de Milán los emperadores regalan a los cristianos edificios paganos que serán reutilizados como templos (por eso os decía, que no es que tengan una característica de estilo concreto, más que la temática, y que podemos distinguirlas por las decoraciones interiores).

Las “basílicas romanas” son las que mejor se adaptan a las necesidades de los rituales cristianos. A lo largo de esta segunda etapa del arte paleocristiano se utilizan dos modalidades de plantas que continuarán siendo los modelos a lo largo de la edad media:

Plantas longitudinales: las basílicas tenían un valor simbólico ya que reproducían la cruz. Las obras más importantes son: San Pablo Extramuros, Santa Sabina, Santa María la Mayor…

Plantas centralizadas: aquellas que además de un espacio-camino, un foco central, pueden tener diferentes formas: circular, poligonal, o en forma de cruz griega. Normalmente estos espacios estaban destinados a dar el bautismo. La obra más importante es el Baptisterio de San Juan de Letrán. En Roma.

En esta etapa usan también el mosaico, pero lo dejo para más adelante porque tiene más representación en el Arte Bizantino. Y vamos con ello, vamos a pasar a ver cuáles son las características del arte bizantino.

El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI fuertemente enraizada en el mundo helenístico y es un claro continuador del arte paleocristiano oriental.

Igualmente, como digo, no hay cosas demasiado características, más que la decoración de los capiteles… aunque sí que los expertos y expertas, destacan la nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido espacial. Nos hablan de que quizá su aportación más importante, es el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula.

Iglesia de Santa Sofía

La obra cumbre de la arquitectura bizantina es la Iglesia de Santa Sofía, iglesia de la divina sabiduría, dedicada a la Segunda Persona de la Santísima Trinidad, construida por los arquitectos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto, entre los años 532 y 537, siguiendo las órdenes directas del emperador Justiniano I.

Ahora sí, vamos a hablar del mosaico bizantino, que tuvo más relevancia que su anterior, el paleocristiano. De hecho, es una de las manifestaciones más conocidas del arte bizantino.

Se usaba para la decoración de paredes y techo, y no de suelos como era habitual en el mundo romano. El mosaico, bizantino fue el vehículo idóneo para transmitir el mensaje religioso de esta cultura y, a la vez un instrumento de propaganda del poder imperial, con lo que refleja fielmente el espíritu cesaropapista que caracteriza el arte bizantino.

La tendencia al horror vacui (horror al vacío) encontró en esta técnica decorativa un filón que la llevo a una de sus más altas cotas artísticas.

Como sabemos, del audio de Historia del Arte, Arte Romano, el mosaico se construye usando pequeñas piezas de mármol, cristal, esmalte, de diferentes colores y que van a dar forma a la imagen representada. Estas pequeñas piezas, como dijimos, reciben el nombre de teselas y pueden tener unas dimensiones inferiores a un centímetro.

En la iglesia de San Vital de Rávena, en el ábside nos encontramos con los mosaicos más destacados del estilo bizantino, en los que aparecen, a la derecha, el retrato de la emperatriz Teodora con su séquito y a la izquierda el del emperador Justiniano con el suyo. La propia localización de los mosaicos, en el ábside, justo debajo de la bóveda en la que se representa a Cristo sobre la bóveda celeste, es un claro indicativo de la jerarquización del espacio del mundo bizantino, en el que se pretende dejar claro en todo momento el poder religioso y político de los mandatarios.

Vamos a ver las características de esta disciplina en el arte bizantino:

a.- isocefalia: repetición de las mismas cabezas en todos los personajes.

b.- frontalidad: las figuras aparecen de frente al espectador.

 c.- pies en «V».

d.- horror vacui: se pretende cubrir de ornamentos todo el espacio representativo.

e.- movimientos reiterativos en todos los personajes.

f.- hieratismo: inexpresión y rostros indefinidos en el séquito.

g.- colores planos.

h.- perspectiva «Ptoloméica»: de líneas divergentes; impenetrabilidad de los rostros.

i.- mayor canon de Teodora y Justiniano, como símbolos de autoridad y de importancia personal en la corte.

j.- ausencia de movimiento, como si se hubieran petrificado las figuras.

Y por último, y para terminar este texto vamos a hablar brevemente de la pintura bizantina:

Se decoraban las iglesias con pinturas o bien de Cristo o de la Virgen. Estas son muy repetitivas y normalmente se exponen de la misma manera.  Después esta forma será muy utilizada en el gótico.

Los tipos iconográficos se adaptan simbólicamente a las diferentes partes del templo: el Pantocrátor (Cristo en Majestad bendiciendo) en la cúpula, el Tetramorfos (cuatro evangelistas) en las pechinas, la Virgen en el ábside, los santos y temas evangélicos en los muros de las naves… En fin, siempre usaran esta misma forma y estos mismos espacios.

Espero que este texto haya sido de tu interés.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio: 1×39 HISTORIA DEL ARTE 7 (Arte Paleocristiano y Bizantino) en La Habitación Semihundida en mp3(17/05 a las 17:31:49) 24:00 70121406 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 6: ARTE CLÁSICO 2 (Roma)

Hoy nos vamos a adentrar en esta segunda etapa dedicada al arte clásico. Si ya hablamos en el texto 1×33 Arte Clásico 1 (Grecia), ahora nos vamos a centrar en su otro gran imperio. Uno que construyó su arte en base a la utilidad y que por ello sus mayores logros y exponentes se encuentran sobre todo en la arquitectura civil, a la que denominan “Edilicia” por venir de la palabra Edil, que quiere decir; municipal. Aunque, lógicamente, su escultura también es digna de nombrar. Y el mosaico, algo que englobamos en la pintura, pero que casi tiene que ver con la artesanía, con la manualidad.

Como en su coetáneo, el arte griego, existe una pretenciosidad de lo colosal, del arte perdurable y que podemos contemplar en sus muchos restos hallados por toda Europa, oriente medio, y toda la costa mediterránea, África… No hablamos de otro que el Imperio Romano.

Quizá, para ponernos en contexto, lo primero que debemos saber, como normalmente ocurre cuando queremos entender la historia del arte, es que también debemos saber su historia propiamente dicha; la sociedad, las órdenes de gobernanza, religión… Así que vamos a empezar por dividir el periodo de la civilización romana en tres. Puesto que fueron tres sus sistemas de gobiernos; Monarquía, república e imperio.

La monarquía comienza desde su inicio, en el año 753 a.C. e irá hasta el 510 a.C. Cuenta la leyenda, que fue una ciudad fundada por Rómulo y Remo. (Estos dos personajes característicos, representados amamantando de una loba. Que esto también lo cuenta la leyenda). Posiblemente todo este periodo, del que poco se sabe, esté envuelto en un velo ambiguo, entre la realidad y la ficción.

Rómulo y Remo Amamantados por una Loba

Cuentan que en el mismo acto de la fundación de Roma, Rómulo, mató a su hermano Remo. Y esto será una constante en la historia de Roma; los asesinatos de magistrados y emperadores, por las luchas de poderes.

Sea como fuere, la ciudad va creciendo y cogiendo influencias de las civilizaciones etruscas y griegas.

El Sistema Republicano, o sea, la República (que en latín significa literalmente Cosa Pública), comienza en el año 510 a.C. Cuando fue expulsado el último rey etrusco Tarquinio el Soberbio.

Las instituciones básicas que formaban parte de este tipo de gobierno, eran las asambleas, los magistrados y el senado.

Las asambleas estaban integradas por el pueblo romano y tenían como función, nombrar los magistrados y aprobar las leyes.

Los magistrados, eran nombrados por el pueblo y en cada cargo ponían a dos personas para evitar la tiranía. De los cargos más importantes, encontramos los cónsules, que eran magistrados que dirigían el ejército y el poder ejecutivo.

Por último, nos encontramos con el senado, que estaba formado por exmagistrados y que, normalmente, eran personas de cierta edad.

Mapa República Romana

En todo este tiempo que duró la república, Roma se expande exponencialmente por toda la península Itálica y el mar mediterráneo (lo conocían como Mare Nostrum y  mediterráneo significa mitad de la tierra). Por su gran organización política y las legiones romanas, consiguen dominar todo el resto de la península, pero llega un momento en el que, queriendo seguir con las conquistas, se encuentran en el norte de África con el pueblo Cartaginense y éste hace que entren en tres guerras consecutivas, llamadas las Guerras Púnicas. Finalmente, el ejército romano vence al cartaginés y, podríamos decir, que es aquí donde comienza el periodo del Imperio, propiamente dicho.

El Imperio abarca desde el año 27 a.C. al 476 d.C. Todo esto nace de un intento de Julio Cesar por reconvertir Roma en un estado monárquico. Cesar es asesinado y esto hace que estalle una guerra civil en el año 44 a.C. Su sobrino nieto, Cayo Octavio (más tarde Augusto) coge el poder absoluto, vence en la guerra civil y lleva a cabo la idea de su tío abuelo, no sin antes asegurarse plenamente de que él sería el rey del principado. (Bueno, nosotros lo denominamos como emperador).

En toda esta etapa del imperio, las instituciones siguen existiendo pero carentes de poder. Se crea una monarquía hereditaria, así, se van sucediendo una y otra vez las dinastías y emperadores.

Roma se comienza a cristianizar, y continúan con sus construcciones arquitectónicas y obras artísticas de enorme calidad.

En el año 476, Odoacro, un caudillo bárbaro, destituyó al joven emperador Rómulo Augusto y asumió el gobierno de Italia. Los visigodos saquean todo lo que pueden de Roma y crean una conmoción general al pueblo. Quizá, sea aquí, donde podemos dar por finalizada la etapa del Imperio Romano.

Vamos a pasar al arte Romano, que en realidad, hay mucho que contar y muy interesante.

El Arte Romano se inicia en íntima conexión con el Arte Etrusco (Que era un pueblo de la Antigüedad, asentado en la toscana italiana) y las colonias griegas de la Magna Grecia (Que estuvieron al sur de Italia). Podríamos decir que el Arte Romano es un claro heredero de estas dos expresiones artísticas y es el resultado de la mezcla de diferentes órdenes griegos, la utilidad del arco y la bóveda etrusca, la estética de la belleza… Cogen lo más interesante de cada cultura y la hacen suya. Este periodo abarca desde el Siglo III a.C. hasta el Siglo V d.C.

Una cosa fundamental en el Arte Romano, es su arquitectura. Y vamos a comenzar por aquí. El espíritu práctico del pueblo romano le hace entrar en un concepto de obras arquitectónicas útiles. Además, debían tener grandiosidad, orden y permanencia, que eran cuestiones que regían la política romana. A esta arquitectura, se la conoce como “Edilicia” que viene de la palabra Edil, que significa municipal.

Foro Romano

Vamos a ver los elementos y construcciones más características de la arquitectura romana:

El Foro. Un elemento característico de esta cultura eran los foros. Roma tenía dos grandes avenidas principales y el foro se situaba donde confluían éstas. Era donde se realizaban los edificios importantes, como la Curia, los principales templos, las basílicas, las termas, los arcos del triunfo… Era donde se realizaban las reuniones políticas, administrativas… y como cada emperador quería uno, en Roma, podemos ver hasta cuatro foros en un mismo complejo; el foro de César, el de Augusto, el de Nerva y el de Trajano.

Como edificios públicos tenemos hasta siete elementos importantes:

  • La Curia: era el lugar donde se reunía el senado.
  • El Templo Romano. En él, cogen el modelo etrusco, sin embargo utilizan los órdenes griegos. Como templos importantes están el Templo de la Fortuna Viril, la Casa Cuadrada… pero nos vamos a detener un instante para hablar del templo, desde mi punto de vista, más singular e impresionante; El Panteón de Agripa.

Es singular por su planta redonda y su gran cúpula que crea un nuevo concepto de espacio diáfano. En este caso, no se uso como lugar funerario, sino que era un templo dedicado a todos los dioses. (Aunque ahora sí que están enterrados antiguos reyes de Roma e incluso, el pintor renacentista Rafael).

Se realizó en el año 27 a.C. por Agripa. Sufrió un incendio en el año 80 d.C. y éste fue restaurado por Adriano, manteniendo en su entrada la inscripción de Agripa.

Está realizado en hormigón y ladrillo y cubierto su interior por placas de mármol. Sobre el entablamento se sitúa la cúpula de media naranja de 43 metros de diámetro y en su zona más alta tiene un hueco de 9 metros de diámetro que deja pasar la luz. Este hueco está bordeado en bronce.

Este magnífico edificio, está precedido por un pórtico octástilo (que como vimos en el programa anterior, quiere decir que tiene ocho columnas), estas son de orden corintio y las acompañan otra fila de columnas detrás.

  • Otro elemento público importante son las Basílicas. Este lugar se usaba para transacciones mercantiles, o sea, comercio y también los litigios, las disputas… Pues allí se arreglaban, en las Basílicas. Normalmente eran como tres naves cubiertas por bóvedas y es de donde cogen el modelo los cristianos para sus templos en el futuro. Una basílica  importante, podría ser, por ejemplo, la Basílica de Majencio.
  • Llegamos a las termas. Elemento igualmente importante para el pueblo romano. Las termas o los baños, desempeñaron una función especial en la vida social romana, no solo como balnearios, sino además, como lugares de reunión y recreo, con lo que, a veces, cogieron unas dimensiones enormes. Tenían lugar para cambiarse de ropa, baños fríos, templados, calientes y muchas otras dependencias, como gimnasio, zonas de masajes, biblioteca y espacios abiertos de paseo.

Una de las más conocidas era las Termas de Caracalla, que tenían capacidad para más de mil personas. Todo lujosamente decorado con mosaicos en el suelo, mármoles, esculturas… (Aunque Caracalla, por lo visto, fue un emperador bastante ruin).

Panteón de Agripa

Vamos a seguir recorriendo Roma y nos vamos a encontrar con los edificios destinados al espectáculo; el Teatro, el Anfiteatro y el Circo.

El teatro romano, deriva directamente del griego, aunque con algunas diferencias. Por ejemplo, no aprovechan el declive del terreno, se construye sobre una estructura completamente abovedada de arcos y bóvedas de ladrillo y hormigón. Ahí estaba el graderío, con espacio escénico monumental y “Orchestra” semicircular. Al ser un espacio de eventos también decoraban el exterior y coge mucha importancia el arco y la columna, ya que en sus huecos intermedios, normalmente colocaban estatuas. Ya en interior había una serie de pasillos que nos llevaban al acceso y vomitorios, que eran pasillos bajo las gradas y estos pasillos llevaban a la cavea. La Cavea era como llamaban a las gradas. Lógicamente, tenían ima cavea, media cavea y summa cavea, que como habéis podido deducir, tiene que ver con los espacios de las gradas que se disponían por clases sociales. Como teatro importante en Roma está el Teatro Marcelo. (En España tenemos dos muy importantes, el teatro de Mérida y el de Segóbriga).

Los anfiteatros, realmente eran dos teatros unidos, con lo que hacían una planta ovalada. Y el ejemplo más monumental es el Coliseo de Roma.

Su construcción se inició con Vespasiano en el 69, lo continuó Tito y parece que fue terminado por Domiciano; es llamado coliseo, por sus proporciones, pero también porque se cree que había una colosal estatua de Nerón en sus proximidades.

Su fachada tiene cuatro alturas, con superposición de órdenes, la primera orden toscano, la segunda en jónico, la tercera corintio y en la parte superior cerrada, hay pilastras de orden compuesto.

Bueno, no sé si lo he dicho, creo que no; los romanos cogieron los órdenes griegos pero sustituyeron el dórico por el toscano e inventaron el orden compuesto.

El anfiteatro fue el más grande construido por el Imperio Romano, con 80 filas de gradas y cabida para 65.000 espectadores. Se tardaron unos 10 años en construirlo y su inauguración fue de 100 días.

Panteón de Agripa

Para terminar con estos edificios públicos, vamos a hablar del circo. Fue un lugar destinado a las carreras de cuadrigas principalmente, pero excepcionalmente, se realizaron otros eventos. Estos lugares alargados de enorme cabida de público igualmente, en sus extremos, colocaban alguna estatua, columnas o monumentos conmemorativos y eran los lugares donde los caballos tenían que girar en las carreras. El más conocido, y que en Roma, aún se puede ver cómo era más o menos todo este compendio, es el Circo Máximo.

Otro apartado importante, los monumentos conmemorativos.Que podríamos destacar dos; los Arcos del Triunfo y Las Columnas Conmemorativas.

Y por último, aparte de los edificios privados, que igualmente son importantes, por el desarrollo de la polis, me gustaría destacar las obras de ingeniería; como son los pantanos y acueductos, los puentes y las calzadas. Aquí, es lógico, subrayar el acueducto de Segovia, como obra magnánima. De los puentes, podríamos nombrar el puente de Mérida, por su extensa longitud. Y bueno, las calzadas, es porque es un invento que facilita el camino de todas las ciudades que enlazarían con Roma. Y por eso mismo se dice que todos los caminos llegan a Roma. Se construyeron más de 400 vías, unos 85.000 km para comunicar la capital con las provincias más alejadas, y todas terminaban en Roma. Uno podía empezar el viaje en un camino romano en el noroeste de África y llegar a roma por una de sus calzadas.

Escultura Ecuestre Marco Aurelio

Las esculturas, disciplina artística, igualmente importante. Ésta derivó de la griega, incluso, como ya sabemos, copiaron literalmente esculturas de Mirón, Policleto, Praxíteles, etc. Pero no debemos pensar que los romanos eran unos meros copistas, hay que reconocer su capacidad de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, fueron innovadores y especialmente originales en el retrato, parece que no buscaban la idealización de la belleza (como los griegos) y entran en un contexto más real, más dramático y incluso muestran los fallos.

Sólo voy a nombrar una escultura, porque creo que el texto se está alargando mucho. Y nombro ésta porque me parece que tiene una importancia que hasta ahora no se la habíamos dado. Es la escultura ecuestre del emperador Marco Aurelio.

Esta imagen tenía como finalidad mostrar al emperador como un señor de la tierra siempre victorioso y conquistador. Sin embargo, al no llevar armas o armadura, Marco Aurelio parece transmitir más una imagen de paz que de héroe militar, tal y como él se percibía a sí mismo y a su reino.

Y digo que es una escultura importante, porque es la única escultura ecuestre en bronce que nos ha quedado de ese tiempo. Otras civilizaciones, incluso los romanos lo hicieron con los griegos, fundían otras esculturas de bronce, de otras civilizaciones o de otros emperadores, pera hacer otras esculturas o armamento. Así que pocas quedaron.

Villa romana de La Olmeda

Y así vamos a pasar a otra disciplina muy característica del imperio romano; los mosaicos.

Los romanos construían los mosaicos con pequeñas piezas llamadas teselas. Éstas eran, normalmente, de roca calcárea, vidrio o cerámica. El artista las disponía sobre la superficie componiendo un dibujo que después armaba, o las fijaba con cemento.

Fueron muy importantes y muy usados para decorar los espacios arquitectónicos, llegando a decretarse un precio, según los grados de calificación previa. Esto lo hizo el emperador Diocleciano.

En un inicio, lo usaron para decorar paredes y techos y más tarde, cuando se dieron cuenta que las obras no se dañaban, comenzó una moda de utilizarlos en las decoraciones de los suelos. (Esto era algo muy lujoso en la época).

Como obras podemos citar el mosaico figurativo en la Villa romana de La Olmeda. O el de la Villa del Camino de Albalate (Éste se encuentra ahora en el Museo Provincial de Teruel)

Bueno y con esto, vamos a dar fin al texto de hoy. Espero que haya despertado vuestro interés.

Jorge Barroso “Bifu”

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Gordon Matta-Clark (El Arquitecto que «destruía» edificios»

La arquitectura es el arte por excelencia útil, con una finalidad muy concreta. Creo que durante un tiempo, por eso ha sido tan poderoso este arte; porque por muy extraño, estéticamente, que haya sido su diseño o que se hayan usado unos materiales u otros en su construcción, la finalidad concreta es que ese edificio construido no se caiga. Es el principal objetivo.

Podemos ver el Museo Guggenhein de Bilbao, que estéticamente es una locura y sobre el diseño, durante un tiempo, hubo mucho debate en Bilbao; si iba a romper con la armonía del casco antiguo, que ¿eso qué era? Otras personas pensaban que le daría carácter al entorno… De hecho, con el tiempo, hemos visto que esto último es lo que ha ocurrido. Ese edificio, ya emblemático, colocó a Bilbao en el mapa mundial.  Te podrá gustar más o menos la estética del edificio, entenderás mejor o peor el concepto tecnológico utilizado en su diseño y construcción, pero lo que todas las personas comprendemos es que el edificio ha cumplido su principal objetivo, y es; que se mantiene en pie.

Por eso pienso que han ganado otros oficios cuando han comenzado a introducir elementos estéticos, conceptuales, en definitiva, valores artísticos, a su fin. Por ejemplo la cocina; otro ejemplo evidente de evolución y de crecimiento al usar valores artísticos en sus elaboraciones o presentaciones, pero con un fin claro; su principal objetivo es que el plato esté bueno, bueno de sabor y que, lógicamente, no sea insalubre. Pero al introducirles estos valores artísticos, la cocina, desde hace ya un tiempo, ha entrado en otra categoría. Hace unos años hubiera sido impensable que un cocinero estuviera en la portada del Times. (No lo digo por nada, simplemente, no tenían relevancia. (Y eso, ahora, ha cambiado de una forma rotunda).

El arte por el arte, es más complicado de entender para otras personas, ya que su fin, durante un tiempo fue la belleza o la estética, cosa que no todo el mundo la entiende por igual. O el entretenimiento, cuestión que, desde mi punto de vista, se ha deteriorado, se ha banalizado, y en consecuencia, hoy día confundimos el acto lúdico mediocre con el arte. Quizá por esto, desde hace ya bastante tiempo, hubo otra vertiente de un arte más intelectual, en muchos casos, más conceptual y al igual que ocurría con la belleza o la estética, esto, no es entendible para todo el mundo. Igualmente, hay que sumar la especulación, el terrible mercado de lo absurdo.

Por ello pienso que ahora nos encontramos con diferentes tipos de artes (si eso puede existir). No todo es arte por igual, hay personas que están más interesadas en un arte más político o controvertido, este que sirve para cuestionar o visibilizar problemas sociales. Más reflexivo, aquel que nos hace pensar sobre diferentes cuestiones, por ejemplo, existencialistas. Hay personas que siguen admirando la estética, o que sólo les interesa el arte clásico. Otras que admiran la depuración de la técnica… pero finalmente todo es arte ¿no? (No lo sé, sólo lo digo porque son las preguntas que yo me hago).

Cada vez estoy más convencido de esta teoría que tengo; el arte lo encontramos en los valores con los que hagamos el trabajo más que en la disciplina. (incluso más que el fin).

Digo esto, porque hoy os voy a hablar del Arquitecto que «destruía» edificios. Y claro, os preguntaréis; ¿pero es esto arquitectura? si el fin de la arquitectura es lo contrario. ¿no? Bueno, digamos que entendemos que es su principal objetivo. Pero qué ocurre cuando utilizamos en esta actividad, en principio, tan clara, la deconstrucción. ¿Cómo se puede deconstruir la arquitectura? Romper, destruir, debilitar ¿son palabras que cuadran en este arte?

Hoy vamos a hablar de un señor que exploró diferentes modos de intervención arquitectónica; Gordon Matta-Clark. Un Neoyorquino que murió en el año 1978, bastante joven, sólo tenía 35 años, pero su obra está más vigente que nunca.

Obra Gordon Matta-Clark

Sus padres eran pintores y emigraron a Estados Unidos debido a la II Guerra Mundial. Como curiosidad os diré que su padre era íntimo amigo de Marcel Duchamp y que esos conceptos artísticos de las vanguardias de principios del siglo XX, pues Matta-Clark, los había visto y sentido desde muy pequeño. Tenía un hermano Mellizo, también artista; John Sebastian (quizá más conocido como Batán).

En el 62 Gordon Matta-Clark viajó a Francia para estudiar Literatura Francesa y ahí fue donde descubrió los filósofos deconstructivistas. Estos fueron los que desarrollaron el concepto de “desvio” o reutilización de elementos artísticos preexistentes en un nuevo conjunto. Finalmente, estos criterios fueron los que llevaron al artista Neoyorquino a contextualizar su trabajo artístico.

Cuando vuelve a Nueva York es cuando estudia arquitectura, aunque nunca ejerció como tal, si esto se puede decir, porque su trabajo así lo demuestra. Aunque él decía que era más deconstructor que arquitecto. Eso sí, os garantizo que sin conocimientos de arquitectura, el trabajo realizado por este señor, sería inviable.

Hacía intervenciones en arquitecturas, que documentaba. Jugaba con las texturas, conceptos espaciales, la deconstrucción la reconvertía en actuación… Usaba títulos donde jugaba con el lenguaje y el mundo físico, al final se convertían casi en un slogan de ideologías, como;

«AN ARK KIT PUNCTURE, ANARCHY TORTURE, AN ARCTIC LECTURE…”

Parece ser que todos estos conceptos vienen de la Manhattan desindustrializada de los años 60, donde existían una gran cantidad de viviendas abandonadas y en ruinas. Matta-Clark aprovecharía esta vivencia para redirigir su obra, integrarla, aprovechando el entorno hostil que vivía.

Splithouse Gordon Matta- Clark (Splitting 1974)

Lo que más se conoce de él, son los Cuttings: Cortes realizados en los edificios que ofrecían nuevos espacios, perspectivas y sobre todo extrañeza, porque claro, cuando vemos una imagen de ese tipo, no entendemos del todo bien lo que ocurre. Cuando este señor corta una casa por la mitad, lo que vemos es un edificio que se puede caer, pero no es del todo así; estos cortes o huecos los hacía a mano, con sierra o cincel, milimétricamente estudiados, ya que uno de los fines de su obra era que el artista pudiera intervenir dentro de ese propio espacio.

Al crear otras perspectivas del mismo, entradas de luz, juego de texturas… pues no queda claro si es un arquitecto que construye o destruye. Me parece inquietante ¿no? Una imagen insólita, tanto por fuera como por dentro.

Otra intervención de Matta-Clark es la “Conical Intersect” de 1975. Esto era un edificio que iban a demoler, pero en toda aquella imagen que entendemos como una demolición al uso; andamiajes, redes de protección, cubas de escombros… de momento, en una de las fachadas del edificio, aparece un corte circular enorme, ya no sólo en la fachada, sino en algunas paredes interiores… Es increíble, porque se mezcla la estética, lo sorpresivo, lo performático, lo arquitectónico… Para mí, algo que no sabría categorizar muy bien.

“Conical Intersect” de 1975

Compré un libro, el cual os recomiendo, que se titula “Gordon Matta-Clark entrevistas”, (Es barato, vale 15 euros, aunque la edición no es muy buena, la verdad, pero su contenido es maravilloso. El propio Matta-Clark hablando de su obra). De hecho él dice que su trabajo ha consistido “en una serie de acciones exteriores con una orientación tanto escultórica como performativa”. También nos habla de “implicaciones arquitectónicas”. Y nos dice que “Es una experiencia muy física. Cuando nos ves quitar una esquina de un edificio hay resoplidos, escalada y pequeñas acrobacias. Además, pasamos semanas enteras con herramientas en las manos, como una extensión de nuestro propio cuerpo. Es como una performance con casco de obra, produciendo una brutalidad de línea clara”.

La Crítica de Arte Gloria Moure, que fue comisaria de la exposición de Matta-Clark en el Museo Reina Sofía en 2006 y que ha realizado estudios sobre el artista, como el libro “Gordon Matta-Clark. Obras y Escritos”, que, por cierto, he intentado conseguirlo y de momento está agotado, a ver si puedo conseguirlo de segunda mano o lo reeditan. Bueno, el caso es, que nos viene a decir que “es un artista que utiliza el espacio en un momento de cambios paradigmáticos en la cultura occidental: hay una generación de artistas que entienden el arte como algo espacial, ya no está en el cuadro bidimensional”.

Food (1972)

Gordon Matta-Clark, también fue quien abrió, junto al colectivo Anarquitecture, en el barrio humilde del SoHo, el restaurante Food (1972), un lugar de encuentro artístico por donde pasaban todos los artistas de la época. Harold Berg nos dice; “recuerdo el ambiente relajado, lo extraño de la comida, de la forma de servirla… Era una experiencia diferente a lo que estaba acostumbrado. Fuera, las calles estaban desiertas”.

Por ahí pasaron artistas como Robert Rauschenberg y Donald Judd, bailarinas como Trisha Brown o músicos como Phillip Glass o John Cage.

Este señor, arquitecto, performance, cuestionador, pero sobre todo artista, (o al menos, ese es mi punto de vista), y que colaboró con artistas escénicos como Trisha Brown o el mismísimo Bob Wilson, murió en 1978 de un cáncer de páncreas a la edad de, tan solo, 35 años.

Aunque un artista que se fue joven, también nos dejó una obra y unos conceptos inmensos. Prácticamente, todos, documentados y recogidos en fotos y trabajos audiovisuales y que si es de vuestro interés, podéis deleitaros buscando más información por internet sobre este interesante y controvertido artista.

Sí os diré algo más; como concepto de idea artística, esto que hemos hablado otras veces, donde las vanguardias de 1920 nos decían que el arte ya no se encontraba en el objeto, sino en la idea, Matta-Clark realizó una acción muy interesante: se interesó por la idea de entropía, las brechas metafóricas y los espacios residuales y ambiguos y realizó el Fake Estates; un proyecto en el que jugaba con la idea de la propiedad de la tierra y el mito del sueño americano de que todas las personas pueden ser terratenientes, como dueño de la propiedad. Claro, él lo que hace es participar en ese sueño, pero compra 15 propiedades residuales y abandonadas con un coste de entre 25 y 75 dólares. Propiedades, las cuales, no quiere nadie, porque son solares imposibles de usar y por lo tanto, no tienen capacidad para ser construidos y en consecuencia especular con ellos. Así, Matta-Clark, se convierte en un propietario poco efectivo, quedándose con el concepto de la idea de propiedad.

Como me dijo Manuel León (pintor); no todo el mundo puede ser artista. No ha todo el mundo se le ocurre comprar un váter y exponerlo tal cual. Y sobre todo, no en ese momento concreto de la historia. Claro, que si lo expones ahora, no tiene el mismo concepto de ruptura, y por lo tanto, no tiene, ni el mismo impacto, ni la misma repercusión.

Al final, el arte, que es la capacidad creativa del ser humano, la pericia y habilidad de hacer algo, pues creo que no se puede acotar en disciplinas concretas. Lo que fue arte hace unos años, hoy no lo es. Lo que no era, hoy lo es. Igualmente ocurre con los conceptos que van y vienen, pero creo que no pasa con los valores, que han aumentado, algunos valores se han sumado a estos iniciales, pero los primarios no han cambiado. Así que, para mí, Gordon Matta-Clark era un artista, que aprovechaba sus conocimientos arquitectónicos y filosóficos para realizar sus obras.

Pero, no sé, ¿cómo categorizaríais vosotros y vosotras a Gordon Matta-Clark?

Jorge Barroso “Bifu”

AUDIO IVOOX: 1×36 GORDON MATTA-CLARK (El Arquitecto que Destrozaba Edificios) mp3 en La Habitación Semihundida en mp3(26/04 a las 08:43:30) 26:27 69107911 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 5 Arte Clásico (Grecia)

Vamos a comenzar con otro de estos textos en los que recorremos de una manera cronológica las distintas épocas de la Historia del Arte. En este caso, llegamos a una época muy importante, pues quizá sea el momento en el que el arte de lo que posteriormente sería Europa, coge una base, de la que todas las vertientes posteriores se inspiraran.

Una civilización que se asienta en las costas e islas del mar Egeo, y que más tarde se expande por las costas meridionales del mar Adriático y el Tirreno. Más tarde, con el Imperio de Alejandro Magno, conquistaría gran parte del mediterráneo, Egipto, Mesopotamia, Persia…

Hablamos del momento en el que se crea el concepto de “polis”, como ciudades, como civilizaciones…

Para estudiar esta etapa de la Historia del Arte, lo mejor es dividir por tiempos y civilizaciones. Así debemos saber que a Grecia pertenecieron la civilización Minoica, la Micénica y la Civilización Griega propiamente dicha. Ésta, la civilización griega, igualmente, podemos dividirla en tres; época arcaica, época clásica y época helenística.

Es fácil de entender, porque aunque realmente vamos a hablar del periodo clásico, que viene a ser desde el año 1.000 hasta el 300 a.C. Grecia, tuvo una etapa anterior que podemos decir que abarcaría desde el año 6.000 hasta el 1.600 a.C. Es esta, la que conocemos como civilización Minoica, y fue la primera en aparecer en Grecia. Concretamente en la Isla de Creta. Esta civilización se fue expandiendo gracias al enorme comercio que tenía por la fertilidad de su suelo, de su tierra. (Cereales, aceitunas, vino…). De esta época se destacan los palacios junto al mar con bellas pinturas en sus paredes. Y por citar alguno, podemos decir que el más importante descubierto es el palacio de Cnosos.

Luego vendría este periodo de la civilización Micénica. (Del 1.600 al 700 a.C. Aproximadamente) Digamos que sería como una evolución lógica de las anteriores civilizaciones. Seguía siendo uno de sus mayores logros, el comercio marítimo. Lo curioso de este tiempo es que esos palacios característicos de la época, donde vivían los reyes y que también podrían valer como cuartel general del ejército, fueron desapareciendo progresivamente, en circunstancias que aún desconocemos.

De esta época, el rey más conocido fue Agamenón, considerado héroe de la Guerra de Troya.

Y ya, a partir del año 700 a.C. aproximadamente, entramos en la Civilización Griega. Como hemos dicho, para un mayor entendimiento de este periodo, vamos a dividirlo en tres; la época arcaica, la clásica y la helenística.

¿Qué nos ha deparado la época Arcaica?

Pues de momento, es donde aparece, realmente, el concepto de “polis” (Ciudad-estado independiente, gobernado por una minoría de personas de sangre noble, denominados Aristoi (que significa “los mejores”) de los cuales, a la cabeza, se encontraba el rey. Bueno, a esta forma de gobernar, se le llama o denomina “Oligarquía”, es decir, el “Gobierno de unos pocos”. Existían pocas personas libres, y sí que había muchos esclavos que servían a estos nobles.  

Este periodo también es crucial e importante para la historia de Grecia, ya que es el momento en el que comienzan a conquistar parte de las costas mediterráneas. 

Máscara de Agamennon

Pasaríamos ya a esta segunda etapa, la que llamamos Época Clásica y que correspondería a siglo V y comienzos del Siglo IV a.C.

Aquí podríamos decir que se consolidan dos grandes estados rivales entre sí; Atenas y Esparta.

Atenas pasó a ser una democracia y Esparta seguía siendo gobernada por una oligarquía. Es un momento de esplendor para Grecia, sobre todo Atenas, pero sucedieron dos grandes guerras que cambiaría estos estados para siempre; Las Guerras Médicas (del 500 al 479 a.C.) y las Guerras del Peloponeso (del 431 al 404 a.C.).

Las Guerras Médicas enfrentaron a los griegos y los persas. Tras años de lucha, los griegos vencieron de la mano de Pericles y llegó un apogeo político y económico hasta que la rivalidad entre Atenas y Esparta, estalló en lo que conocemos como las Guerras del Peloponeso. En este caso y después de muchos años de contienda, Esparta venció, pero dejaron ciudades arruinadas y debilitadas, incluyendo su propio estado. Quizá por esta debilidad, estas polis no pudieron hacer frente a la inminente crecida de Macedonia, estado situado al norte de Grecia y dirigido por el rey Filipo II.

Todo esto nos da paso a la época Helenística.

La época Helenística, abarcaría del siglo IV al Siglo I a.C. Grecia pierde su independencia y es conquistada por Filipo II de Macedonia. Éste era el padre de Alejandro Magno, que tras la muerte de su padre, se hará cargo del Imperio y es cuando comienza la imparable conquista que les llevará a colonizar Persia, Egipto y Mesopotamia, llegando a los confines de la India.

Alejandro Magno, tenía la idea de crear un gran imperio universal, pero tras su muerte en el año 313 a.C. a la edad de 33 años, los espacios conquistados son repartidos por sus generales y estos, se conocerán, como los reinos Helenísticos. Y que a su vez, tendrán su fin con el auge y conquista del Imperio Romano.

Columnas Griegas

En el arte griego encontramos los conceptos estéticos que van a predominar en la cultura occidental. La belleza se encuentra en la armonía de las medidas y proporciones, en la simetría, y es el cuerpo humano el elemento potencial que se escenifica. (A esto le llamamos antropocentrismo).

Bien, la arquitectura es fundamental si queremos hablar del Arte griego, y esta se basa, principalmente, en la Columna, como elemento esencial de la construcción.

Y para no hacernos mucho lio, vamos a ver de qué se componía básicamente una columna (porque así vamos a entender después mejor cuando hablemos de su aspecto decorativo).

La columna se compone básicamente de:

  • La basa, que sería la base de la columna.
  • El fuste, que se refiere al cuerpo de la columna en sí.
  • El capitel, que sería la parte alta de la columna y donde descansaría el entablamento. (Importante por su decoración)
  • El Entablamento que ya hablaríamos de la parte superior del templo. Y éste, a su vez, se compone de:
    • Alquitrabe, que es esa zona alargada que descansa como primera pieza sobre las columnas.
    • El friso es la zona que continuaría encima del alquitrabe como otro alquitrabe pero en este caso normalmente decorados con triglifos y metopas.
    • La cornisa de remate.
    • Y el techo a dos aguas que deja libre el frontón, como espacio triangular, de especial para la decoración y que a medida que el estilo evoluciona, se va recargando cada vez más.

Bueno, estas son las partes básicas de la columna y ahora vamos a hablar de los tres órdenes arquitectónicos fundamentales de la época; el dórico, jónico y corintio.

Vamos con las características del dórico:

Es el más antiguo de todos y lo encontramos en la Grecia continental, que sería toda la zona del mar Egeo y también podremos verlo en la Magna Grecia, que sería la zona sur de la Italia conquistada.

Las características son que no tiene basa, o sea, que la columna descansa en el suelo, el fuste es recorrido por estrías, el capitel está poco decorado y se compone de algunas molduras. Dentro del entablamento, el arquitrabe es liso, sin decoración. El friso alterna triglifos y metopas. Y bueno, el frontón es decorado, pero menos que en sus ordenes evolutivas siguientes.

El Jónico, lo encontraremos más en Jonia (Asia menor) o sea, la costa este del mar Egeo. Y es un estilo más elegante, más esbelto. Posee basa con molduras, fuste de estrías y su capitel, es muy característico por su collarín de perlas y las volutas enroscadas. El Alquitrabe, no está decorado pero se divide en tres bandas. El friso tiene una decoración corrida y el frontón más decorado que en el dórico.

Vamos con el último, que sería el orden Corintio:

Es el último en aparecer, y es una evolución clara del jónico. En este caso, todas las decoraciones son parecidas al jónico, excepto su característico capitel, realizado con una elaborada taya de hojas de acanto. Y en general, su decoración es más recargada. Pueden, a veces, existir columnas de figuras humanas. Las que representan a hombres se llaman atlantes y las que representas mujeres, se les llama cariátides.

El edificio por excelencia de la arquitectura griega es el templo. Quizá sea el más importante de la época; El Partenón.

Se construyó en torno al 447 a.C. Momento del esplendor de Atenas. Fue realizado por los arquitectos Ictinos y Calícrates y como escultor, el conocido Fidias.

Estaba dedicado a Atenea Parthenos, fundadora de Atenas. Es de orden dórico, octástilo (Que quiere decir que en sus dos fachadas principales tenía ocho columnas) y períptero (Que nos viene a decir que sus cuatro fachadas estaban rodeadas por columnas). Es que, claro, todo esto se diferenciaba, la arquitectura, si tienen en sus fachadas principales 4, 6, 8 columnas o si, por ejemplo dos de sus fachadas, digamos, no tenían columnas, eran paredes, y claro, estas formas de diferenciarlos, son nombres que nos suenan un poco raro. Así, que de momento, no nos vamos a liar más, y nos vamos a quedar con la forma del Panteón de Atenea. Como ya he dicho, de orden dórico, octástilo (o sea, ocho columnas en sus fachadas principales) y períptero (Rodeado por columnas).

Es curioso, que dentro, hay otras filas de columnas, igualmente dóricas, pero la parte que del opistodomo (Opisto = detrás. Domo = Casa) O sea, que el opistodomo era la parte posterior del templo. Y esta zona, está rodeada por 4 columnas, en este caso jónicas. Y es la primera vez que se conoce de un edificio griego que haya entremezclado dos estilos. Bueno, en esta zona es donde estaba la escultura dedicada a Atenea. Ésta realizada por Fidias, en marfil, oro y plata.

Partes del Templo Griego

Una cosa curiosa de esta arquitectura, era que las columnas, no están totalmente rectas. Ya se construían, digamos desde la base al capitel, en aros decrecientes, pero en sí, están como inclinadas hacia adentro. Y las columnas de los ángulos, o sea, de las esquinas, son ligeramente más gruesas que las demás. Y esto, al parecer, lo hacían, para que no se creara una ilusión óptica, que pareciera que el edificio se fuera a caer. (No sé, curioso ¿no?)

Para terminar con la arquitectura, podríamos hablar de la Acrópolis, que sería el recinto sagrado de la polis de Atenas y que después de la invasión persa, Pericles, reconstruyó en la segunda mitad del siglo V a.C. Y bueno, el edificio principal era el Partenón. Pero existen otros edificios, igualmente interesantes como el Propíleos, Templo de Atenea Niké o el Erectión.

1- Kourós de Anavyssos 2- Doríforo 3- Apoxiodomo

Vamos a ver la escultura griega. Que aquí también hay bastante de lo que hablar y haremos lo mismo que antes, dividir la temática por épocas. Volvemos a la época Arcaica, la clásica y la helenística.

En la arcaica ya podemos encontrar las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra y con dos tipos característicos; Los Kouroi, que eran fundamentalmente figuras de atletas desnudos y las Korai que eran figuras de mujeres vestidas que hacían ofrendas. Dos esculturas a destacar; la Dama de Auxerre y Kourós de Anavyssos.

De la época clásica, ya hay un poco más que decir. La idea de esta época, era plasmar una belleza ideal, aunque de estilo naturalista, se entiende como idealización de la belleza. O sea, que no representaban el o la modelo en sí, sino que se basaban en este para desarrollar la pieza pero llevándolos a un arquetipo de belleza de la época.

El verdadero protagonista es el desnudo masculino, donde se consigue un dominio importante de la anatomía.

Mirón era uno de los destacados escultores y su obra más conocida es discóbolo. Aunque la que se conserva es una copia romana realizada en mármol, la original era en bronce. Esta figura es la conocida del lanzador de disco, donde se puede observar un concienzudo estudio de la anatomía. En este caso, se intentó dar movimiento, y aunque bastante valorable, aun se ve más como una pose, que como esfuerzo de movimiento.

Policleto, otro conocido escultor, también broncista. Pero de igual manera, lo que nos ha llegado son copias romanas. Este escultor es importante porque es que impone un “kanon” establecido de simetría y proporciones. Como que el cuerpo debía medir siete veces la cabeza. Sus obras más representativas son Doríforo, Diadumeno y Amazona herida.

Praxiteles, es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza. Él hace que sus figuras tengan más inclinación en la cadera, ofreciendo un poco más de movimiento a sus figuras, aunque aún continúa el quietismo. Sus obras más conocidas son Hermes Olimpia (uno de los pocos casos que se conserva la escultura original), Apolo Sauróctono y Afrodita Cnido.

Lisipo, fue otro importante escultor, además muy conocido porque estableció el nuevo canon de belleza, haciendo que el cuerpo humano fura proporcional a ocho cabezas, aunque ésta, más reducida. Esto hizo que la figura se estilizara. Como curiosidad diré que era el escultor preferido de Carlo Magno. Sus principales obras son Apoxiomeno, ejemplo claro del nuevo canon y del dominio de la tercera dimensión, al tener la figura un brazo extendido hacía delante y Hércules Farnesio, con un extraordinario e studio de la anatomía y la fortaleza física.

Y ya para terminar, como última evolución escultórica griega me gustaría hablaros de la obra La Victoria Samotracia y Conjunto de Laoconte y sus Hijos, que podrían ser obras que rozan lo colosal, que buscan el movimiento y la expresividad.

La Victoria de Samotracia

La Victoria Samotracia, que mide 2,70 metros de altura. (ahora en el museo del Louvre de París) pertenece a la Escuela de Rodas en el Siglo II a.C. Y representa a la diosa Niké. Se piensa que fue mandada a hacer para celebrar la victoria de Antíoco III Megas, en la época helenística. El cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento, que recuerda a la denominada técnica de “paños mojados” atribuida a las obras de Fidias.

Laoconte y sus Hijos

La otra obra, y con la que damos fin a esta hermosa etapa del arte, es la de El Conjunto de Laoconte y sus hijos. Una escultura de 2,42 metros de altura en forma piramidal. Igualmente es de estilo barroco helenístico y juega con el movimiento y la expresión. Está tallada en mármol blanco y se trata de un grupo escultórico con tres figuras humanas y dos serpientes enormes. Representa el momento exacto en que las serpientes marinas se enroscan en el cuerpo del sacerdote troyano y sus dos hijos, al cual castigaron por dudar del Caballo de Troya. Siguiendo los rasgos característicos del arte helenístico, la obra hace gala de un gran dinamismo y virtuosismo.

Bueno, hemos llegado al final de esta época, más pronto que tarde, compartiré otro programa en el que hablaré sobre el arte Romano, completando así, el periodo del Arte Clásico. Espero que haya sido de tu interés.

Jorge Barroso «bifu»

Formato Audio IVOOX: HISTORIA DEL ARTE 5. Arte Clásico 1 (Grecia) en La Habitación Semihundida en mp3(12/04 a las 13:34:43) 29:55 68430814 – iVoox

RACIONALISMO Arquitectónico del Siglo XX

Desde mi punto de vista, la arquitectura de nuestro tiempo se ha quedado, o más bien, ha trasformado las buenas ideas del Racionalismo y ahora, se construyen “mamotretos” sin ningún criterio racional, sin tener en cuenta el diseño, incluso perdiendo o casi denigrando su funcionalidad, relegándola a la mínima expresión (tanto de espacio como de estética) para obtener el mayor beneficio económico. (Hablo de la arquitectura general, la urbana, no la que se presentan en los concursos).

Aquel estilo que surgió tras la I Guerra Mundial para cubrir la demanda social de la vivienda y que, acertadamente, buscaba cubrir esa necesidad ciudadana, pero sin perder lo que nos hace humanos; la dignidad, la belleza, la creatividad…

Los estilos artísticos, no nacen o se inventan de la nada, siempre tienen una razón de ser (esto ha sido así a lo largo de toda la historia del arte). Por ello, aquello del antiarte, o de que todo el mundo puede ser artista, conceptos surgidos en las vanguardias de hace 100 años, en algún momento acabará e iremos por otros derroteros. (Pero en fin, ya hablaremos de estos conceptos en otros textos. No sé, podríamos reflexionar algún día de hacía donde se dirige el arte).

Cuando se habla de vivienda digna en la constitución, ¿A qué nos referimos con eso? ¿Qué es digno? ¿Dónde se encuentra el baremo de lo que es digno o no?

El plan urbanístico, al menos el de mi ciudad, que es el que conozco, es torpe, es feo, las viviendas son caras, en comparación a los sueldos. (Por no hablar del abandono de espacios públicos en desuso, haciendo una mala gestión de lo que se supone, es de todos y todas). Tener una vivienda hoy día, te esclaviza de por vida a una deuda bancaria, que en ocasiones supone más del 60% de tu sueldo. Cuando el beneficio del arquitecto es enorme. (Éste, hace casas malas casas, para él, poder tener una buena vivienda. Es denigrante).

Somos una especie que sabe diferenciar estas cosas, que hemos llegado a realizar avances que bien podrían hacer la vida más fácil a todas las personas. Pero no, nos empeñamos una y otra vez en obtener el mayor beneficio económico, aunque eso suponga la explotación de otras personas. (La esclavitud no ha desaparecido, ha evolucionado).

Pero bueno, no quiero entrar en panfletos políticos, porque realmente de lo que quiero hablaros es de una corriente arquitectónica que surge en el primer tercio del Siglo XX a partir de una serie de circunstancias culturales y, fundamentalmente, que van a desembocar en la búsqueda de una forma de hacer arquitectura sin ornamentos, desligada del pasado académico o historicista, y estrictamente ligada a ser funcional.

Gropius, y A. Meyer. Walter. Fábrica Fagus Shoe.

En la crisis creada tras la I Guerra Mundial (especialmente en Alemania), se busca solventar el problema social de la vivienda. Se huye de la inspiración de la naturaleza o la poesía cubista, para generar espacios a partir de su función, la orientación y la economía de recursos.

La estética dependerá de la funcionalidad y los nuevos materiales de construcción, como el acero, el hormigón armado y el vidrio. O sea, una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas y funcionales, basadas en formas geométricas simples y materiales de orden industrial (sobre todo de los nuevos materiales que surgen), al tiempo que renunciaba a la ornamentación excesiva y otorgaba una gran importancia al diseño, que era igualmente sencillo y basado en funcional.

Podríamos decir que uno de sus mayores exponentes fue Walter Gropius (primer director de la Bauhaus, y si queréis u os interesa, tenéis un par de programas dedicados a la Bauhaus; el 1×10 y 1×11. Por si os apetece echarles un vistazo).

Bueno, Walter Gropius es uno de los primeros en poner en valor la técnica y sus posibilidades productivas, que junto a Mies van de Rohe (tercer director de la Bauhaus), fueron impulsores del estudio de la sistematización, y la construcción de viviendas estandarizadas con elementos prefabricados.

Son muy interesantes, también, sus formas. Cuestiones como que la construcción debía ser colectiva y el encuentro de todas las artes y oficios.

El Racionalismo, está comprometido con los valores de la modernidad, en paralelo a las denominadas “Vanguardias artísticas” que se desarrollan en el mismo momento en las artes plásticas.

Fue un movimiento preocupado por la mejora de la sociedad, por influir en mejorar la vida de la gente, a través de un lenguaje innovador que supuso una ruptura con la tradición en busca de una nueva forma de construir, de una nueva forma de interpretar la relación del ser humano con su entorno y de buscar nuevas soluciones que solventasen el problema del aumento de la población en las grandes ciudades.

Como indica su etimología, racionalismo proviene de razón y tiene su origen en la pretensión de la nueva arquitectura de racionalizar los procesos constructivos. Por otra parte, podríamos decir que también coge ideas de la Ilustración del siglo XVIII. (Los Ilustrados, que decían que la Razón humana, era la mejor manera de combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía, cuando las Monarquías Absolutistas). Pero igual que los Déspotas Ilustrados (los reyes del absolutismo del siglo XVIII), cogieron de este movimiento lo que les interesó, para mantener su sistema absolutista, creo que la arquitectura de hoy día ha hecho exactamente lo mismo, coger de esta tendencia, lo que les interesa, para mantener su hegemonía económica. Lo que nos queda, como podemos ver en nuestras ciudades, son «mamotretos» sin sensibilidad, con una estética de colmena grisácea, basados en una funcionalidad denigrante.

Este proceso evolucionó en paralelo a los avances sociales, con un cierto componente utópico de aplicación de los valores de la arquitectura y el urbanismo, sobre todo, enfocado a la mejora de la sociedad: “la industrialización, usada de forma racional”. Esto, pensaban que serviría para solventar las injusticias sociales y crear un entorno urbano que englobase de forma óptima a la mayoría de la población.

Casa Farnsworth (Mies Van de Rohe)

Parece ser que el nombre y la teoría de este movimiento viene de la frase de Erwin Piscator (dramaturgo y director alemán que se caracterizó por enfocar el contenido sociopolítico del drama, no basándose en la inmersión emocional del público o en la belleza formal de la producción), dijo que “La nueva arquitectura no debe ya influir sobre el espectador por la vía meramente sentimental, no debe especular más sobre su disponibilidad emotiva, sino dirigirse, de manera totalmente consciente, a su razón” Das Politische Theater, Berlín, 1929.

Os diré que este estilo se llama de diferentes formas en diferentes lugares del mundo, como Estilo Internacional o Movimiento moderno. Tampoco debemos confundirlo con el movimiento filosófico, denominado también Racionalismo, del siglo XVII y XVIII. Por eso, si nos referimos a la arquitectura, debemos decir Arquitectura Racionalista o Racionalismo Arquitectónico.

Uno de los principales acontecimientos que ayudaron a difundir el nuevo estilo fue la exposición Modern Architecture – International Exhibition, organizada por Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson en el MoMA de Nueva York en 1932, de la que surgió asimismo el libro publicado por ambos, The International Style: Architecture since 1922, que aportó el término Estilo internacional para designar al movimiento. (Este libro es un poco difícil de encontrar, pero hay otro editado por Taschen, que sí que está en mercado y es más sencillo de encontrar y económico. Otro libro que creo que es interesante es el de Internationale Architerktur de Walter Gropius (1925). Pero si tampoco lo encontráis, el de Gropius de Taschen igualmente, es bastante barato e interesante).

Poco a poco, este movimiento, como he dicho, se globaliza, y a partir de 1930 el movimiento entró en una fase de ciertas dudas y de críticas hacia su excesivo formalismo y su frío mecanicismo, alejado de las necesidades humanas. Pero esto, quizá es debido a que al haberse internacionalizado, es un estilo que se diversifica, por las diferentes culturas, economías, condiciones climáticas… lógicamente, toma vertientes distintas.

Pero lo peor, para mí, es que se convirtiera en un método sistemático, exclusivamente basado en la economía, perdiendo así, su esencia inicial y su componente utópico de un arte al servicio de la sociedad.

Iglesia de Notre Dame du Haut. (Le Corbusier).

El propio Le Corbusier, (No podemos pasar por alto esta figura, si hablamos de Racionalismo Arquitectónico, uno de los mayores exponentes de este movimiento), se fue distanciando de su purismo inicial y empezó a considerar la máquina como una herramienta y no un fin en sí mismo. Pero sí que nos dejó conceptos muy interesantes, vamos a verlos;

Le Corbusier fue el inventor de algo que llamaos “Modulor” (un intento de engranar un sistema de proporciones desde la escala humana que sea fuente de la sistematización y la fabricación estándar). Además, presentó en 1926 los llamados 5 puntos de la nueva arquitectura:

  1. La Casa sobre pilotes, para liberar el suelo-jardín
  2. La cubierta ajardinada, para aprovechar las terrazas
  3. El plano planta libre, no restringido ya por tabiquería rígida
  4. La ventana corrida en horizontal
  5. Y la fachada independiente de la estructura portante.

El principio del fin de este movimiento se escenificó en el IX congreso del CIAM, en el que un grupo de arquitectos disidentes se organizó en el llamado Team X, que propugnaba una evolución hacia un estilo más realista y de utilidad social, que se concretó en un nuevo estilo denominado brutalismo. Este grupo acusaba al CIAM de haber patrocinado el Estilo internacional imponiendo «conceptos mecánicos de orden», sin tener en consideración las necesidades emocionales del ser humano o las cuestiones específicas territoriales de los diversos países en que se desarrolló el estilo. El propio Philip Johnson confesó en 1996 que “nuestra así llamada arquitectura moderna era demasiado antigua, glacial y llana”.

En fin, existen buenas ideas, buenas intenciones y mal uso. A veces me pregunto, por qué no somos capaces de quedarnos con lo mejor de ciertos estilos artísticos, evolucionando hacia una mejor y más equitativa sociedad. El arte, debe tener una función social, ya sea, incluso, su fin el mero entretenimiento, debe tener calidad, por supuesto, pero también debe cubrir ciertas necesidades ciudadanas, sin mostrar banalidad.

Al fin y al cavo, el arte es un reflejo de la sociedad, y en estos momentos, desde mi punto de vista, existe un arte especulativo, banal, codicioso… y eso me dice, como está la sociedad hoy día.

Pero no quiero terminar este texto, siendo catastrofista, lógicamente, esta reflexión que he hecho ahora, por suerte, no está extendida a todas las personas que hacen arte, existe un gran nuevo de artistas realizando obras y piezas muy interesantes, sorprendentes, creativas… que, al menos, a mí, me dan una bocanada de aire fresco y me hacen seguir siendo positivo respecto a esta profesión.

Bueno, espero que hayas conocido un nuevo estilo artístico, que lo sitúes en el tiempo, para entender un poco mejor esto que hablamos de evolución y valores del arte a lo largo de la historia (También para situarnos nosotros y nosotras hoy día). Ya sabemos que surgió en un momento en el que dentro del arte aparecieron estilos tanto interesantes como obtusos (cubismo, expresionismo, constructivismo, dadaismo…), que fue en un momento convulso de la sociedad, por las dos guerras mundiales que sufrió y que como cualquier estilo artístico, éste, nos hacen entender mejor la historia.

Jorge Barroso “Bifu”

FORMATO AUDIO IVOOX: 1×33 RACIONALISMO Arquitectónico del Siglo XX en La Habitación Semihundida en mp3(05/04 a las 08:20:41) 25:10 68054395 – iVoox

ARTE ANTIGUO 2 (Mesopotamia)

En este nuevo texto voy a hablaros sobre este periodo, que dentro de la Historia del Arte, llamamos Arte Antiguo. Y con él, vamos a terminar con esta época. Una civilización que surgió de una forma paralela a la de Egipto y que igualmente abarcaría entre los años 4.000 y 1.000 a.C. aproximadamente.

El Arte Antiguo, a grandes rasgos,  podemos dividirlo en dos grandes Imperios; Mesopotamia y Egipto.

De Egipto, si es de vuestro interés, ya hablé en el programa 1×27 Arte Antiguo 1 (Egipto), o el texto en este blog y en él os describí las cuestiones artísticas más relevantes de este periodo y de esta zona geográfica.

Ahora, para terminar con esta etapa, nos vamos a adentrar en el otro gran imperio, Mesopotamia.

Bueno, primero, a rasgos generales, y como cuestiones características de ambas civilizaciones, podríamos decir de que:

  • En general su economía fue eminentemente agrícola y estaba basada en la fuerza del trabajo de los esclavos.
  • Su sistema político era una monarquía teocrática (O sea, que los líderes de gobierno, son igualmente líderes de la religión). El rey en Mesopotamia o faraón en Egipto ejercía su poder como un dios y era considerado propietario de todo el territorio.
  • La sociedad estaba jerarquizada con diferentes poderes económicos, siendo la mayoría esclavos y campesinos.
  • La religión era animista (es decir, que a todo lo relacionado con fenómenos naturales, les otorgaban un dios),y también politeísta (varios dioses). Estas religiones, creen en el alma y por consiguiente, los rituales y obras que se realizan, están hechos para perdurar después de la muerte.
  • Las creaciones artísticas son el testimonio de esta creencia espiritual, y en el mayor de los casos, muestran el enorme poder de los monarcas y/o faraones y su culto a los ámbitos funerarios y religiosos.

Digamos que en términos generales, esto es lo que une una civilización con otra, o lo que tenían en común. Pero bueno, hay algunas diferencias y además, debemos hablar de las obras relevantes. Así que, vamos a adentrarnos en Mesopotamia.

Mesopotamia obtiene su nombre por encontrarse entre dos ríos, el Tigris y el río Eúfrates. (Meso – potamos que significa literalmente “entre ríos”) e, igualmente, se puede dividir en varios periodos: Sumerio, Acadio y Neosumerio (que abarcaría la época del imperio Asirio y Babilonia).

Zigurat

El inicio de todo esto, nace con Los Sumerios, que toman su nombre de la ciudad Sumer, quizá la más importante del momento. Podríamos decir de esta civilización, que una de sus grandes aportaciones es la escritura. Aquella que se conoce como escritura Cuneiforme, siendo la forma escrita más antigua que se conoce. Y el objeto más antiguo encontrado que a esto se refiere es el de la Tablilla Kish.

Su religión se basaba en los elementos naturales, en la mayoría de los casos y tienen más de 3.000 dioses. (Con lo que, lógicamente, como hemos dicho anteriormente, es una religión politeísta y animista).

El arte es considerado como una de las grandes ciencias, junto a la escritura y las técnicas agrícolas. Como elementos potencialmente artísticos, podríamos destacar los Zigurat, que eran tempos de la época. Aunque poco se conserva de ellos, ya que su construcción se realizaba en ladrillos de arcilla y adobe (elementos de poca durabilidad). No eran espacios públicos ya que se solían usar como tumbas o espacios sagrados y uno de los ejemplos más importantes de este tipo de arquitectura es el que se encuentra en el Cementerio Real de la Ciudad de Ur. (Este elemento fue declarado patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y una curiosidad de su construcción es que las cuatro paredes de su muralla, dan cada una a un punto cardinal). Otra característica típica de los Zigurat, son sus tres escaleras exteriores, esto era algo que prácticamente tenían todos los templos y se construían en ángulo de 90º. (Si queremos relacionarlos un poco con la cultura egipcia, para mí son algo parecido a las mastabas, aunque en este caso no se usaban exclusivamente como lugar funerario, más bien eran palacios donde también hacían tumbas, a las cuales se les hacía rampas de acceso. Digo que me recuerdan a las mastabas por su forma arquitectónica, que eran como cuadrados, unos encima de otros, igualmente de una forma piramidal. Aunque estos zigurat también podían tener un piso superior circular).

En la escultura destacan las Estelas, que son placas con bajos relieves donde se cuentan hazañas bélicas importantes como la “Estela de los Buitres”. Las esculturas de figuras humanas o antropomorfas, son frontales, con pocos salientes, donde destacan las miradas fijas al infinito y los faldones de lana, característicos de la época y el lugar.

Tablilla de Ur

Era característico de la época las Artes llamadas Suntuarias que son piezas realizadas con materiales preciosos y semipreciosos. El más conocido es El Estandarte de Ur, encontrado en el Cementerio de la ciudad. Éste, narra por una de sus caras, una acción bélica. Por la otra, la celebración, se supone, de la victoria.

Los continuos enfrentamientos con los sacerdotes, en el año 2.340 a.C. liderados por Sargón de Akkad, llegan a crear el primer imperio mesopotámico, el Imperio Acadio. (En este periodo, se unifican, de alguna manera, todos los territorios).

Vamos a ver qué es lo que ocurre en esta época, la del Imperio Acadio.

El arte continua de una forma muy parecida a la época sumeria, pero cabe destacar estas obras; La Máscara de Sargón y la Estela de Naran-Sin. Ésta última representando al Nieto de Sargon (Naran – Sin) que también Reinó en el periodo Acadio). Esta estela, en piedra ha sido comparada con el cuadro de las lanzas de Velázquez, quizá, porque podría representar la rendición de enemigos, acción que también se puede ver en este cuadro; La Rendición Breda).

A final de este periodo, entre los años 1.900 y 1.800 a.C. Los sumerios, siempre en guerra, consiguen derrotar a los acadios y tenemos un tiempo de paz y prosperidad económica, con lo que se conoce como la época neosumeria, en la que vuelve la cultura y estilos sumerios, dándole importancia a las ciudades de Uruk y Ur.

Finalmente, y siempre por las luchas de poderes, el territorio se divide en dos; el Imperio Asirio y Babilonia.

Es la época de los grandes Zigurat, como he dicho, arquitectura escalonada que en su punto superior, tiene un pequeño templo. (Antes se me ha olvidado decir que en ocasiones este templo era utilizado por los sacerdotes como observatorio). 

Una escultura destacada de la época es la del Rey Gudea de Lagash. Insisten con la frontalidad, al igual que los egipcios. Y una cosa que me resulta interesante, es que usan un único rostro para las esculturas, como imagen de belleza idealizada. En esta escultura en concreto, destaca su escritura en el faldón, que describe el poder de Gudea y sus méritos ante la divinidad.

En un inicio, los asirios, eran un grupo de comerciantes nómadas, que se van asentando en el norte de Mesopotamia, aprovechando las guerras en los territorios sumerios. Y así, consiguen establecerse, e incluso reinar por un tiempo.

En este periodo, el Rey se consideraba representante del dios Assur, y a su vez, nombraba súbditos de importancia como el Gran visir de Assur (juez), general de ejércitos, Heraldo de Palacio…

La sociedad, podríamos decir que se divide en dos, las personas libres y los esclavos. Por ejemplo, el trabajo de agricultura lo realizaban, tanto personas libres como los esclavos, pero las personas libres eran asalariadas y los esclavos, lógicamente, no recibían ninguna recompensa económica. (Bueno, aparte, como siempre en esta época, estaba la nobleza).

Las obras conocidas y mejor conservadas, son las de Assurbanipal cazando leones o la leona herida, ubicadas en los muros de palacio de Assurbanipal en Nívide en el siglo VII a.C.

La Leona Herida

Por otra parte, y de igual manera, aprovechando las derrotas de los Acadios, comienza a asentarse el Imperio babilónico, al sur de Mesopotamia.

Digamos, para no confundirnos, que los Asirios, al derrotar a los Acadios, se asientan en el norte y por esta misma debilidad, Babilonia se asienta al sur. (Prácticamente en la misma etapa, la neosumeria.

Igualmente, los reyes, como en Sumeria, tienen el carácter de dioses. El Rey más destacado fue Hammurabi, que consiguió en este periodo, que Babilonia fuera el centro neurálgico de Mesopotamia. (Fue el rey que unificó las cuatro regiones. Rey del dios Marduk (dios de babilonia))

Artísticamente, se conserva una pieza clave para entender todo este periodo, y es el Código de Hammurabi. Una especie de código de leyes. Realmente, se trata de un compendio de leyes y decisiones judiciales cuyo objetivo era servir de base para establecer un sistema legal uniforme para todo el Imperio babilonio.

Se dice que el código de Hammurabi se basa en principios universales y eternos de justicia dictados por los dioses. Según el código, las personas se dividen en dos géneros y tres clases: personas superiores, plebeyos y esclavos.

Código Hammurabi

Este Código se conserva en el Museo del Louvre de París.

Yo creo que una cuestión artística, sobre todo arquitectónica, muy importante de la época, fueron las remodelaciones de la ciudad de Babilonia realizadas por Nabucodonosor II. Éstas hacen que la arquitectura en Babilonia, adquiera, en ese momento, su máximo esplendor.

He mirado información por internet, y hay una página, un blog que se llama Algargo, Arte e Historia, que lleva un profesor de Historia del Arte y esta página, en concreto la de Babilonia, es muy completa. Lo digo por si estáis interesados en el tema, aquí la información está muy bien desarrollada y hay dibujos, como fotografías recreadas de la ciudad, que son impresionantes.

Babilonia

Sí os diré que La ciudad estaba defendida por dos cinturones de gruesas murallas. El cinturón interior constaba de dos muros reforzados por torres cada 15 metros. El cinturón exterior estaba constituido por una muralla de 18 km, de forma triangular, con torres. Delante se excavó un foso navegable, por donde corrían las aguas del Éufrates rodeando la ciudad por todas partes, que era atravesado por puentes frente a las seis puertas principales de la ciudad. Las murallas internas disponían de ocho puertas para acceder a la ciudad.

Debemos saber que Babilonia significa literalmente puerta de dioses. Y de las que había, podemos destacar La Puerta de Isthar (La diosa Isthar) con revestimiento en cerámica policromada. (Esta puerta está reconstruida en el Museo Pérgamo de Berlín).

Puerta de Ishtar

El fin de estos imperios, tanto el Mesopotámico como el de Egipcio, (que se me olvidó decirlo en el audio y texto de Egipto), fue, en el caso de Mesopotamia, con la invasión del Imperio Persa, alrededor del siglo VI a.C. Y el caso de Egipto finaliza su periodo, con la invasión del pueblo asirio en el siglo VII a.C. Los griegos, con Alejandro Magno en el siglo IV a.C. Y por último, el Imperio Romano en el Siglo I a.C.

Entended que es complicado obtener un resumen en 25 minutos (o varios párrafos), de 3.000 años de historia del arte. Pero a mi modo de ver, estas cosas de las que he hablado, posiblemente, sean las más significativas de este periodo.

Quizá, lo interesante sea, que a medida que te introduces más en estas cuestiones, descubres nuevas informaciones, curiosidades y puedes seguir investigando, hasta el infinito.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio IVOOX: 1×32 HISTORIA DEL ARTE 4. Arte Antiguo 2 (Mesopotamia) en La Habitación Semihundida en mp3(29/03 a las 10:07:02) 23:40 67514678 – iVoox

PINTURAS NEGRAS 6 de 15 (Asmodea)

En este texto volvemos a adentrarnos en las Pinturas Negras de Francisco de Goya. Concretamente es el sexto que hago. En el primero que compartí hablaba de ellas de una forma más general, época, contexto… este es el de PINTURAS NEGRAS (Concepto Global 1 de 15). Y de los cuadros individualmente, de momento ya tenemos en este post, un pequeño análisis de; El Perro Semihundido , el Aquelarre, Duelo a Garrotazos y Leocadia. Y vamos a continuar…

En este caso nos introducimos en un cuadro, una pintura que se encontraba en la planta alta de la Quinta del Sordo. Si habéis leído los textos anteriores dedicados a estas pinturas, supongo que ya sabréis su época, del 1819 al 24, su contexto histórico, que viene a ser después de la Guerra de la Independencia y la monarquía absolutista impuesta por Fernando VII, y bueno, que las obras fueron trasladadas de revoco a lienzo… en fin, como siempre digo y para no repetir información, os aconsejo que leáis o escuchéis los programas anteriores dedicados a esta enigmática serie de pinturas, para una mayor comprensión.

Dicho esto, vamos allá…

Un cuadro que, a priori, podría parecer que habla de un cuento mitológico. Dos personajes sobrevolando una escena bélica. Pero ¿cómo se va a tratar de mitología cuando dos de los soldados que aparecen en primer plano llevan uniformes del ejército francés de la época? Como siempre, Goya juega con la alegoría para difuminar el mensaje representado, de esta manera, se quita la posibilidad de ser juzgado por plasmar temáticas incómodas para el régimen.

Así, nos encontramos, ante cuadros que, una y otra vez, se le dan una reinterpretación distinta, intentando reconstruir la razón de ser de las pinturas. Pero éste en concreto, es uno de los que más reinterpretaciones han tenido.

Supongo que toda esta ambigüedad que nos da el cuadro, nos ha venido por el título que Antonio Brugada, amigo de Goya y exiliado con él a Burdeos, le dio al cuadro; Asmodea. A partir de aquí, una y otra vez se le ha intentado dar una relación mitológica.

Libro de Tobias

Fue Santiago Sebastián quien habló que el nombre venia del libro de Tobías, donde aparece un diablo llamado Asmodeo. Y en este libro se relata que Asmodeo ha matado a los 7 maridos de Sara antes de que hubieran consumado su matrimonio. Sara finalmente logrará su propósito con Tobías, gracias a la protección del ángel Rafael. Sin embargo, en el citado relato, es Tobías quien viaja de esta forma con el ángel Rafael y en ningún caso, lo hace el personaje femenino, Sara.

Bueno, se han hecho otras reinterpretaciones, sacadas de López Vázquez o de la comedia, el Diablo Cojuelo de Luis Vélez de Guevara, pero ninguna de ellas ha dado información de las personalidades que aparecen en el cuadro, que en última instancia, es lo importante. Y como he dicho al principio, ¿qué pinta en todas estas reinterpretaciones el ejército francés? ¿Es el ejército francés el que podemos ver en el cuadro?

Éste se ha relacionado tradicionalmente con el de la Guerra de la Independencia, pero después de los estudios realizados por Carlos Foradada, (este señor que cito en todos estos programas, y que ha realizado un minucioso estudio de estas pinturas a partir de los negativos de las fotografías de Laurent y de una documentación casi detectivesca), nos habla que quizá, tenga que ver con la invasión de las tropas del Duque de Angulema, que en el mes de mayo siguieron el mismo camino que el ejercito formado por los Liberales del Gobierno, yendo éstos, camino de Sevilla y Cádiz.

Asmodea (De Francisco de Goya)

A ver… es que esta etapa en España, es bastante liosa. Vamos a ver si nos aclaramos;

Antes de esto, España está dividida en dos, por un lado los que apoyaban el antiguo régimen de Carlos IV y los liberales, que creyendo que la Invasión de Napoleón los salvaría y que les ofrecería ideas renovadoras para el nuevo sigo, abrazan estas ideas y apoyan la nueva escena. Carlos IV abdica, se crea la Constitución de Cádiz de 1812, dando comienzo al Trienio Liberal, donde los Liberales se impondrán en España.

Y aquí viene la historia extraña, lo que yo no entiendo del todo bien; Parece que Fernando VII hace un trato con Napoleón, o sea, con el que antes se supone que había luchado. Entonces, conjuntamente, crean un enorme ejército llamado Los Cien Mil Hijos de San Luis y derrotan al Trienio liberal. Así, Fernando VII se alza con el poder en una Monarquía Absolutista.

Podríamos decir entonces que en el cuadro vemos el régimen absolutista, encarnados por las tropas de Angulema, en eso que llamaron Santa Alianza, persiguiendo a los liberales. Y en consecuencia, lo que nos cuenta Goya, es que persiguen la Constitución de Cádiz, de 1812.

Pero, y en este caso ¿Qué simboliza esas dos personas volando?

La Religión Socorrida por España (Tiziano)

Se cree que Goya aprovecha esa alegoría con el Libro de Tobías, a quien salva el ángel Rafael, no es a Tobías, que es lo que cuenta la historia, tampoco a Sara. Podría ser que se tratara del destierro de la España democrática, y esto puede ser debido a que Goya representa a esta España de igual manera que lo hizo el Pintor Tiziano. ¿Por qué se cree esto? Pues por la simbología de los colores que usa, ya que el rojo (en este caso aplicado a la tela o manta que lleva la figura femenina del cuadro), no es un color demasiado asiduo en las Pinturas Negras, solo sale en cuatro cuadros; En duelo a Garrotazos aparece en la sangre de uno de los personajes, del que ya pensamos que podría representar a la España Liberal. Por otra parte, en la Pintura Leocadia, aparece pintado sutilmente en sus labios y como sabemos, Leocadia quería pertenecer a esos ilustrados liberales. Y por último, lo podemos ver en la Pintura Saturno, del que aún no hemos hablado en estos programas, pero que, lejos de esa reinterpretación freudiana, de que la pintura podría representar la vejez del autor, posiblemente se trate del Antiguo Régimen, devorando la Constitución de Cádiz de 1812.

Puede ser, que la Pintura Asmodea, tenga algo que ver con el Libro de Tobías, pero en este cuadro, a quien salva el ángel Rafael, es a la España Liberal. Frente a esta situación en España, solo queda mirar hacia otro lado, hacia el exilio.

Como he comentado en alguno de estos programas, hay algo que nos dice de estas pinturas, que podrían tener un orden de exposición, y posiblemente, nos cuenten un relato del exilio de Goya a Burdeos.

Tenemos que tener en cuenta, cual es la etapa en la que se realizan las pinturas, en qué momento se encuentra el autor, que recordad; incluso le cede la Quinta del sordo a su nieto, por miedo a que se la expropie el Antiguo Régimen. Es justo el momento anterior al exilio de Goya a Burdeos. Y si ya comentamos en el programa El Perro Semihundido, que esta pintura podría ser la última de la serie en la que Goya sueña con ese exilio. Este cuadro, Asmodea, podría ser justo la escena anterior.

De hecho, una cosa que no he visto en ningún libro, ni artículo, es que la montaña que aparece en el cuadro el Perro Semihundido, es bastante parecida a la de Asmodea. Con lo que me hace pensar que esa visión lejana, puede efectivamente, tratarse de su reinterpretación del exilio.

No sé si se trataría de la misma que aparece en Duelo a Garrotazos, porque ésta, se encuentra más más cerca. E incluso más cerca aún, casi al pie de la montaña, aparece en el Paseo del Santo Oficio. Sin embargo, en los cuadros de la planta baja, esta imagen de la montaña, no está en ningún cuadro.

Bueno, no sé, esta es una conjetura personal, pero me llama la atención.

Para finalizar con este cuadro, podría deciros, que como todas las Pinturas, se encuentra en el Museo Nacional del Prado, en Madrid. Que mide 127 por 263 centímetros. Y que tiene un boceto anterior, que es un óleo sobre lienzo de 20 x 48,5 centímetros y que este boceto se encuentra en el Museo de Arte de Basilea.

Este boceto que no fue el único que realizó, nos dice que las Pinturas Negras fueron espacialmente estudiadas para la decoración de la Quinta del Sordo, y que no se tratan de pinturas improvisadas de manera aleatoria.

Asmodea_(boceto) Goya

Como siempre, la técnica es rápida y suelta, en este caso, de poca pintura en la parte superior y más pastosa en la parte baja. La paleta reincide en los negros, tierras, y ocres…

Os garantizo, que aunque un texto más cortito, ha sido bastante complicada su interpretación. Así que espero que la información haya sido de tu interés. No he querido meterme más en el tema de Tobías o la Conjura del Diablo, en realidad, porque me cansa un poco y me despista de la información que me parece más destacable.

Y por otra parte, tengo unos libros de la Guerra de la Independencia, que creo que cuando tenga un hueco, (que ahora estoy bastante liado, la verdad, con otros estudios y trabajos), pero cuando pueda les voy a echar un vistazo, porque es una etapa difícil en España. Y me gustaría entenderla un poco más. Aunque algo sé, pero creo que, como hemos hablado otras veces, conocer al autor, su etapa, su vivencia, nos hace comprender mejor su obra.

Jorge Barroso «Bifu»

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SARAH WINCHESTER ¿Arte? ¿Arquitectura? ¿Locura?

Hoy, día 8 de Marzo de 2021, en un día extraño para el feminismo, por aquello de no poder expresarse libremente en las calles, imagino que todas las personas debemos aportar algo a esta lucha, y bueno, qué menos, que siendo lunes y teniendo que colgar uno de los programas o textos en La Habitación Semihundida, pues éste, se refiera a una mujer.

Igualmente, os recomiendo el texto de la semana pasada, en la que hablo de 5 mujeres artistas del Barroco; Judith Leyster, una gran pintora de la época barroca, que se llegó a confundir su obra con la del pintor Hall, pero que sin embargo, no fue reconocida, cuando Hall, era uno de los pintores más reconocidos del momento. O Plautilla Bricci, la primera arquitecta que se conoce oficialmente, a la que quisieron desposeer de su trabajo, asignándole las construcciones a su hermano, y por investigaciones que se están haciendo recientemente, ya podemos saber que no, que son obra de Plautilla. Feliciana Enríquez de Guzmán, escritora que tuvo que disfrazarse de hombre para poder estudiar. La Roldana, escultora de talento innato. Y Barbara Strozzi, la compositora que había escrito un libro con más cantatas que cualquier escritor de la época.

Otro de estos post que os recomiendo es el que le dediqué a Hilma Af Klint, la persona que realmente inventó el Abstracto. Cuando esto, a lo largo de la Historia, se le ha atribuido a Kandinsky.

O el de Las Mujeres de la Bauhaus. Mujeres del mundo del arte, a las que les costó infinitamente más que a sus coetáneos masculinos, poder realizar estos trabajos de diseño, artísticos y arquitectónicos, pero que sin ninguna duda, están a la misma altura en calidad y repercusión.

Para celebrar este día y aportar algo, os propongo contaros una anécdota, por esto que ya hablamos de que la anécdota puede ser una buena aliada para aprender de una forma menos densa, más liviana.

En este caso os traigo una anécdota de lo que comenzó siendo una pequeña reforma de una casa, y que se convirtió en una gran obra de remodelación que duraría 38 años de manera continua, hasta la muerte la persona artífice de esta acción, en 1922.

El resultado de esta especie de arquitectura, es algo que quizá nos cuestione ciertos criterios artísticos, o simplemente nos parezca algo curioso, interesante, o terriblemente loco.

Esta pequeña casa (que en un inicio era una granja), finalmente se transformó en una mansión de cuatro pisos, con 160 habitaciones, 467 puertas, 47 chimeneas, 2 salones de baile, 10.000 paneles de vidrio, 6 cocinas, 40 escaleras, 52 tragaluces, 2 sótanos y 1 ducha de agua caliente.

La casa, se ha convertido en una zona de atracción turística para visitantes de la ciudad de San José, en California, que bien merece contar su historia. Un objeto arquitectónico que no consigo categorizar. (A ver si me podéis ayudarme). Hoy os voy a hablar de la Señora Sarah Winchester y de su curiosa Mansión.

Fachada Winchester

Podréis decir, bueno, esto puede ser una mujer con dinero que quiso realizar su mansión. Pero no es del todo así, ahora veremos. ¿Cuándo empieza todo esto?

La Villa Llanda, una granja de unas 8 habitaciones, fue adquirida, en 1886 por Sarah Winchester. Esta mujer era la viuda desde 1880 de Oliver Winchester. Y Oliver Winchester era el dueño de la empresa Winchester Repeating Arms Company, la empresa que creó los famosos rifles Winchester.

Se conocen estas armas, como “el arma que conquistó el oeste”. Concretamente, de la venta de rifles de repetición del modelo de 1873. Este se convirtió en el arma favorita de muchos vaqueros, porqué era capaz de disparar una bala cada tres segundos. Y como podéis suponer, esta familia se hizo multimillonaria.

Aquí no terminaron los agravios de la Señora Sarah Winchester, sino que al poco tiempo de morir su marido, también su hijo falleció. Entonces decidió comprar esta granja para alejarse de la ciudad e intentar recuperarse de la depresión en la que se encontraba.

Era la única heredera de la gran fortuna de la empresa de su marido, con lo que no tuvo problemas para adquirir esta propiedad.

Como, normalmente, ocurre con estas desgracias, buscamos respuestas donde no las hay. Sarah comienza a adentrarse en el mundo de lo paranormal, que de igual manera, en aquella época estaba de moda. Así que se puso en contacto con una Médium y esta le dijo que la familia estaba maldita, a causa de las muertes causadas por las armas Winchester. A partir de aquí, Sarah comienza a sentir la presencia de estos espíritus, que parecen decirle o pedirle que les hiciera un espacio en los que se pudieran quedar, con lo que es en este momento donde comienza a reconstruir y reformar durante 38 años consecutivos la casa donde vivía. 24 horas al día. 7 días a la semana, 365 días al año.

Sólo se detuvieron a causa del terremoto que sufrió la zona en 1906, cuando la casa ya tenía 7 plantas de altura. A causa de este terremoto, se quedó en 4. Entonces Sarah decidió construir a lo ancho y no a lo alto, por si volvía a ocurrir un temblor de las mismas características.

Lejos de lo que pueda parecer, la señora Sarah, era una mujer culta y con estudios, pero a causa de sus acciones excéntricas, no tuvo contactos con los vecinos de la zona y se encerró en su obsesión de construir y reconstruir y remodelar y rehabilitar, una y otra vez la casa.

Lo que me resulta más curioso, es que estas construcciones no tenían ninguna lógica dentro de una construcción al uso; esta señora, a los albañiles y carpinteros, les mandaba construir algunas escaleras que no llegaban a ningún sitio, puertas pequeñas que no cabría ninguna persona. O puertas que no llegaban a ningún lugar. Otras, en la primera planta que salían directamente al abismo. Ventanas que daban de una habitación a otra… ¿Por qué esto era de esta manera?

Interior de la Mansión Winchester

Aquí, no termina la cosa; los techos de madera, suelos de parquet con molduras e incrustaciones a mano, candelabros de oro y plata, además de detalles de absoluta belleza como los pomos, las bisagras, los muebles, textiles, empapelado… y sobre todo, las cristaleras bellamente decoradas con motivos florales y de animales, muchas de ellas creadas por la empresa Tiffany.

De todas estas rarezas, una me llama enormemente la atención; había construcciones de habitaciones dentro de otras habitaciones. O balcones y ventanas que daban al interior.

Por lo visto, otra curiosidad, es que el número trece se repite constantemente en esta arquitectura, como el número de escalones de una escalera, número de candelabros en una habitación, o que la casa tiene 13 baños…

Como he dicho anteriormente, ¿Por qué se construía de esta manera? Bueno, pues bien, se especula con que era la forma que los muertos, que se le presentaban a Sarah Winchester, le pedían y decían como debían ser las construcciones, y sintiéndose culpable por las muertes que habían causado la empresa armamentística de su marido, ella, constantemente, hacía realidad las peticiones de estos espíritus. Y así salió un laberinto extraño, de utilidad cuestionable, que hoy día se puede visitar y se ha convertido en uno de los mayores atractivos turísticos de la ciudad.

Quizá el fin de su proyecto era construir una casa para todas las víctimas causadas por las armas Winchester. Y ahora bien, ¿esto es arquitectura, arte o locura?

Cartel Oficial de la Película «Winchester. La Casa que Construyeron los Espíritus»

Existe, incluso, una película de los Hermanos Spierig, “Winchester: La Casa que Construyeron los Espíritus”, donde quisieron adaptar esta historia a la gran pantalla. No es que sea una muy buena película, pero sí que destacaría que, por lo visto, se refiere a hechos reales y la interpretación de su protagonista Helen Mirren en el papel de Sarah.

También cito la película porque tratan el momento preciso en el que un miembro de la junta directiva de la compañía armamentística, o sea, de la empresa que ha heredado Sarah, acude a la casa del Doctor Price para que evalúe el estado mental de la Señora Winchester y decida si puede seguir o no liderando la empresa.

Una vez el psiquiatra se traslada a la mansión para conocer en persona a la anfitriona, se da cuenta que su paciente, quizá, no está tan loca como le quieren hacer ver.

Por eso insisto, ¿es arte, arquitectura, locura?

Escalera

Existe otra versión en la que hablan que la construcción era así, más que para satisfacer a estos espíritus, era para despistarlos.

Pero, vamos a ver, porque hay algo más; Mary Jo Ignoffo, biógrafa oficial de la Señora Winchester, nos cuanta que los verdaderos motivos de Sarah para construir su extraña casa, son que la millonaria estaba suscrita a numerosas revistas y publicaciones dedicadas a la arquitectura. El origen de su afición le venía de su padre, un carpintero que amasó una pequeña fortuna construyendo ambulancias durante la guerra.

Para Ignoffo, la mansión de San José, en California, tan sólo era el «taller» en el que la señora Winchester ponía en práctica todas sus ideas extraídas de las revistas, como encargar a Tiffany las vidrieras de la casa o combinar el estilo Reina Ana del edificio con cosas tan modernas para la época como tres ascensores o calefacción central. 

Durante casi cuatro décadas, Sarah Winchester dio empleo a veintidós carpinteros, los cuales, como no podía ser de otro modo, siempre hablaron maravillas de ella.

En la página de Historia del National Geografhic, nos cuenta un artículo al respecto que:

“Unos años antes de la muerte de Sarah Winchester, el 5 de septiembre de 1922, un artículo periodístico titulado «El taller de una mujer arquitecto», escrito por Merle H. Gray para el periódico San Jose Mercury and Herald, defendió esa misma teoría: 

Quizá no sean más de una docena las personas en California que saben que la señora Winchester es una música con un gran talento para la composición. Que es una notable empresaria; que si se conociera su filantropía sería admirada en todo el país; que es una arquitecta con todas las de la ley y conoce las peculiaridades arquitectónicas de todos los países; que su famosa casa de los misterios era un mero taller y su estructura, la mera colección de apuntes que una mujer de una inmensa fortuna tomaba para instruirse a sí misma en la arquitectura de varios países”.

Ahora, os vuelvo a hacer la pregunta; ¿arte, arquitectura, locura?

Claro que en la actualidad la mansión Winchester es un Monumento Nacional en Estados Unidos y los visitantes pueden explorar sus recovecos y sus pasadizos a través de visitas guiadas en las que se aconseja no salirse del camino oficial, ya que uno puede perderse en sus laberínticos pasillos y no encontrar la salida, además de toparse con algún espíritu, quizás el de la propia Sarah Winchester.

Es lo que vende, ¿no? Esa leyenda, vende más que decir que aquello era solo un taller.

Sarah Lockwood Winchester, nacida en Pardde el 1 de Septiembre de 1839 y que murió en San José, el 5 de septiembre de 1922.

En fin, sea como fuere, Sarah Winchester murió con 83 años de edad y nos dejó una maravillosa rareza y un misterio, cuanto menos curioso. ¿No crees?

Jorge Barroso «Bifu»

Formato AUDIO IVOOX: 1×29 SARAH WINCHESTER (Arte, Arquitectura, Locura) en La Habitación Semihundida en mp3(08/03 a las 09:03:58) 23:56 66470761 – iVoox

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