RACIONALISMO Arquitectónico del Siglo XX

Desde mi punto de vista, la arquitectura de nuestro tiempo se ha quedado, o más bien, ha trasformado las buenas ideas del Racionalismo y ahora, se construyen “mamotretos” sin ningún criterio racional, sin tener en cuenta el diseño, incluso perdiendo o casi denigrando su funcionalidad, relegándola a la mínima expresión (tanto de espacio como de estética) para obtener el mayor beneficio económico. (Hablo de la arquitectura general, la urbana, no la que se presentan en los concursos).

Aquel estilo que surgió tras la I Guerra Mundial para cubrir la demanda social de la vivienda y que, acertadamente, buscaba cubrir esa necesidad ciudadana, pero sin perder lo que nos hace humanos; la dignidad, la belleza, la creatividad…

Los estilos artísticos, no nacen o se inventan de la nada, siempre tienen una razón de ser (esto ha sido así a lo largo de toda la historia del arte). Por ello, aquello del antiarte, o de que todo el mundo puede ser artista, conceptos surgidos en las vanguardias de hace 100 años, en algún momento acabará e iremos por otros derroteros. (Pero en fin, ya hablaremos de estos conceptos en otros textos. No sé, podríamos reflexionar algún día de hacía donde se dirige el arte).

Cuando se habla de vivienda digna en la constitución, ¿A qué nos referimos con eso? ¿Qué es digno? ¿Dónde se encuentra el baremo de lo que es digno o no?

El plan urbanístico, al menos el de mi ciudad, que es el que conozco, es torpe, es feo, las viviendas son caras, en comparación a los sueldos. (Por no hablar del abandono de espacios públicos en desuso, haciendo una mala gestión de lo que se supone, es de todos y todas). Tener una vivienda hoy día, te esclaviza de por vida a una deuda bancaria, que en ocasiones supone más del 60% de tu sueldo. Cuando el beneficio del arquitecto es enorme. (Éste, hace casas malas casas, para él, poder tener una buena vivienda. Es denigrante).

Somos una especie que sabe diferenciar estas cosas, que hemos llegado a realizar avances que bien podrían hacer la vida más fácil a todas las personas. Pero no, nos empeñamos una y otra vez en obtener el mayor beneficio económico, aunque eso suponga la explotación de otras personas. (La esclavitud no ha desaparecido, ha evolucionado).

Pero bueno, no quiero entrar en panfletos políticos, porque realmente de lo que quiero hablaros es de una corriente arquitectónica que surge en el primer tercio del Siglo XX a partir de una serie de circunstancias culturales y, fundamentalmente, que van a desembocar en la búsqueda de una forma de hacer arquitectura sin ornamentos, desligada del pasado académico o historicista, y estrictamente ligada a ser funcional.

Gropius, y A. Meyer. Walter. Fábrica Fagus Shoe.

En la crisis creada tras la I Guerra Mundial (especialmente en Alemania), se busca solventar el problema social de la vivienda. Se huye de la inspiración de la naturaleza o la poesía cubista, para generar espacios a partir de su función, la orientación y la economía de recursos.

La estética dependerá de la funcionalidad y los nuevos materiales de construcción, como el acero, el hormigón armado y el vidrio. O sea, una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas y funcionales, basadas en formas geométricas simples y materiales de orden industrial (sobre todo de los nuevos materiales que surgen), al tiempo que renunciaba a la ornamentación excesiva y otorgaba una gran importancia al diseño, que era igualmente sencillo y basado en funcional.

Podríamos decir que uno de sus mayores exponentes fue Walter Gropius (primer director de la Bauhaus, y si queréis u os interesa, tenéis un par de programas dedicados a la Bauhaus; el 1×10 y 1×11. Por si os apetece echarles un vistazo).

Bueno, Walter Gropius es uno de los primeros en poner en valor la técnica y sus posibilidades productivas, que junto a Mies van de Rohe (tercer director de la Bauhaus), fueron impulsores del estudio de la sistematización, y la construcción de viviendas estandarizadas con elementos prefabricados.

Son muy interesantes, también, sus formas. Cuestiones como que la construcción debía ser colectiva y el encuentro de todas las artes y oficios.

El Racionalismo, está comprometido con los valores de la modernidad, en paralelo a las denominadas “Vanguardias artísticas” que se desarrollan en el mismo momento en las artes plásticas.

Fue un movimiento preocupado por la mejora de la sociedad, por influir en mejorar la vida de la gente, a través de un lenguaje innovador que supuso una ruptura con la tradición en busca de una nueva forma de construir, de una nueva forma de interpretar la relación del ser humano con su entorno y de buscar nuevas soluciones que solventasen el problema del aumento de la población en las grandes ciudades.

Como indica su etimología, racionalismo proviene de razón y tiene su origen en la pretensión de la nueva arquitectura de racionalizar los procesos constructivos. Por otra parte, podríamos decir que también coge ideas de la Ilustración del siglo XVIII. (Los Ilustrados, que decían que la Razón humana, era la mejor manera de combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía, cuando las Monarquías Absolutistas). Pero igual que los Déspotas Ilustrados (los reyes del absolutismo del siglo XVIII), cogieron de este movimiento lo que les interesó, para mantener su sistema absolutista, creo que la arquitectura de hoy día ha hecho exactamente lo mismo, coger de esta tendencia, lo que les interesa, para mantener su hegemonía económica. Lo que nos queda, como podemos ver en nuestras ciudades, son “mamotretos” sin sensibilidad, con una estética de colmena grisácea, basados en una funcionalidad denigrante.

Este proceso evolucionó en paralelo a los avances sociales, con un cierto componente utópico de aplicación de los valores de la arquitectura y el urbanismo, sobre todo, enfocado a la mejora de la sociedad: “la industrialización, usada de forma racional”. Esto, pensaban que serviría para solventar las injusticias sociales y crear un entorno urbano que englobase de forma óptima a la mayoría de la población.

Casa Farnsworth (Mies Van de Rohe)

Parece ser que el nombre y la teoría de este movimiento viene de la frase de Erwin Piscator (dramaturgo y director alemán que se caracterizó por enfocar el contenido sociopolítico del drama, no basándose en la inmersión emocional del público o en la belleza formal de la producción), dijo que “La nueva arquitectura no debe ya influir sobre el espectador por la vía meramente sentimental, no debe especular más sobre su disponibilidad emotiva, sino dirigirse, de manera totalmente consciente, a su razón” Das Politische Theater, Berlín, 1929.

Os diré que este estilo se llama de diferentes formas en diferentes lugares del mundo, como Estilo Internacional o Movimiento moderno. Tampoco debemos confundirlo con el movimiento filosófico, denominado también Racionalismo, del siglo XVII y XVIII. Por eso, si nos referimos a la arquitectura, debemos decir Arquitectura Racionalista o Racionalismo Arquitectónico.

Uno de los principales acontecimientos que ayudaron a difundir el nuevo estilo fue la exposición Modern Architecture – International Exhibition, organizada por Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson en el MoMA de Nueva York en 1932, de la que surgió asimismo el libro publicado por ambos, The International Style: Architecture since 1922, que aportó el término Estilo internacional para designar al movimiento. (Este libro es un poco difícil de encontrar, pero hay otro editado por Taschen, que sí que está en mercado y es más sencillo de encontrar y económico. Otro libro que creo que es interesante es el de Internationale Architerktur de Walter Gropius (1925). Pero si tampoco lo encontráis, el de Gropius de Taschen igualmente, es bastante barato e interesante).

Poco a poco, este movimiento, como he dicho, se globaliza, y a partir de 1930 el movimiento entró en una fase de ciertas dudas y de críticas hacia su excesivo formalismo y su frío mecanicismo, alejado de las necesidades humanas. Pero esto, quizá es debido a que al haberse internacionalizado, es un estilo que se diversifica, por las diferentes culturas, economías, condiciones climáticas… lógicamente, toma vertientes distintas.

Pero lo peor, para mí, es que se convirtiera en un método sistemático, exclusivamente basado en la economía, perdiendo así, su esencia inicial y su componente utópico de un arte al servicio de la sociedad.

Iglesia de Notre Dame du Haut. (Le Corbusier).

El propio Le Corbusier, (No podemos pasar por alto esta figura, si hablamos de Racionalismo Arquitectónico, uno de los mayores exponentes de este movimiento), se fue distanciando de su purismo inicial y empezó a considerar la máquina como una herramienta y no un fin en sí mismo. Pero sí que nos dejó conceptos muy interesantes, vamos a verlos;

Le Corbusier fue el inventor de algo que llamaos “Modulor” (un intento de engranar un sistema de proporciones desde la escala humana que sea fuente de la sistematización y la fabricación estándar). Además, presentó en 1926 los llamados 5 puntos de la nueva arquitectura:

  1. La Casa sobre pilotes, para liberar el suelo-jardín
  2. La cubierta ajardinada, para aprovechar las terrazas
  3. El plano planta libre, no restringido ya por tabiquería rígida
  4. La ventana corrida en horizontal
  5. Y la fachada independiente de la estructura portante.

El principio del fin de este movimiento se escenificó en el IX congreso del CIAM, en el que un grupo de arquitectos disidentes se organizó en el llamado Team X, que propugnaba una evolución hacia un estilo más realista y de utilidad social, que se concretó en un nuevo estilo denominado brutalismo. Este grupo acusaba al CIAM de haber patrocinado el Estilo internacional imponiendo «conceptos mecánicos de orden», sin tener en consideración las necesidades emocionales del ser humano o las cuestiones específicas territoriales de los diversos países en que se desarrolló el estilo. El propio Philip Johnson confesó en 1996 que “nuestra así llamada arquitectura moderna era demasiado antigua, glacial y llana”.

En fin, existen buenas ideas, buenas intenciones y mal uso. A veces me pregunto, por qué no somos capaces de quedarnos con lo mejor de ciertos estilos artísticos, evolucionando hacia una mejor y más equitativa sociedad. El arte, debe tener una función social, ya sea, incluso, su fin el mero entretenimiento, debe tener calidad, por supuesto, pero también debe cubrir ciertas necesidades ciudadanas, sin mostrar banalidad.

Al fin y al cavo, el arte es un reflejo de la sociedad, y en estos momentos, desde mi punto de vista, existe un arte especulativo, banal, codicioso… y eso me dice, como está la sociedad hoy día.

Pero no quiero terminar este texto, siendo catastrofista, lógicamente, esta reflexión que he hecho ahora, por suerte, no está extendida a todas las personas que hacen arte, existe un gran nuevo de artistas realizando obras y piezas muy interesantes, sorprendentes, creativas… que, al menos, a mí, me dan una bocanada de aire fresco y me hacen seguir siendo positivo respecto a esta profesión.

Bueno, espero que hayas conocido un nuevo estilo artístico, que lo sitúes en el tiempo, para entender un poco mejor esto que hablamos de evolución y valores del arte a lo largo de la historia (También para situarnos nosotros y nosotras hoy día). Ya sabemos que surgió en un momento en el que dentro del arte aparecieron estilos tanto interesantes como obtusos (cubismo, expresionismo, constructivismo, dadaismo…), que fue en un momento convulso de la sociedad, por las dos guerras mundiales que sufrió y que como cualquier estilo artístico, éste, nos hacen entender mejor la historia.

Jorge Barroso “Bifu”

FORMATO AUDIO IVOOX: 1×33 RACIONALISMO Arquitectónico del Siglo XX en La Habitación Semihundida en mp3(05/04 a las 08:20:41) 25:10 68054395 – iVoox

ARTE ANTIGUO 2 (Mesopotamia)

En este nuevo texto voy a hablaros sobre este periodo, que dentro de la Historia del Arte, llamamos Arte Antiguo. Y con él, vamos a terminar con esta época. Una civilización que surgió de una forma paralela a la de Egipto y que igualmente abarcaría entre los años 4.000 y 1.000 a.C. aproximadamente.

El Arte Antiguo, a grandes rasgos,  podemos dividirlo en dos grandes Imperios; Mesopotamia y Egipto.

De Egipto, si es de vuestro interés, ya hablé en el programa 1×27 Arte Antiguo 1 (Egipto), o el texto en este blog y en él os describí las cuestiones artísticas más relevantes de este periodo y de esta zona geográfica.

Ahora, para terminar con esta etapa, nos vamos a adentrar en el otro gran imperio, Mesopotamia.

Bueno, primero, a rasgos generales, y como cuestiones características de ambas civilizaciones, podríamos decir de que:

  • En general su economía fue eminentemente agrícola y estaba basada en la fuerza del trabajo de los esclavos.
  • Su sistema político era una monarquía teocrática (O sea, que los líderes de gobierno, son igualmente líderes de la religión). El rey en Mesopotamia o faraón en Egipto ejercía su poder como un dios y era considerado propietario de todo el territorio.
  • La sociedad estaba jerarquizada con diferentes poderes económicos, siendo la mayoría esclavos y campesinos.
  • La religión era animista (es decir, que a todo lo relacionado con fenómenos naturales, les otorgaban un dios),y también politeísta (varios dioses). Estas religiones, creen en el alma y por consiguiente, los rituales y obras que se realizan, están hechos para perdurar después de la muerte.
  • Las creaciones artísticas son el testimonio de esta creencia espiritual, y en el mayor de los casos, muestran el enorme poder de los monarcas y/o faraones y su culto a los ámbitos funerarios y religiosos.

Digamos que en términos generales, esto es lo que une una civilización con otra, o lo que tenían en común. Pero bueno, hay algunas diferencias y además, debemos hablar de las obras relevantes. Así que, vamos a adentrarnos en Mesopotamia.

Mesopotamia obtiene su nombre por encontrarse entre dos ríos, el Tigris y el río Eúfrates. (Meso – potamos que significa literalmente “entre ríos”) e, igualmente, se puede dividir en varios periodos: Sumerio, Acadio y Neosumerio (que abarcaría la época del imperio Asirio y Babilonia).

Zigurat

El inicio de todo esto, nace con Los Sumerios, que toman su nombre de la ciudad Sumer, quizá la más importante del momento. Podríamos decir de esta civilización, que una de sus grandes aportaciones es la escritura. Aquella que se conoce como escritura Cuneiforme, siendo la forma escrita más antigua que se conoce. Y el objeto más antiguo encontrado que a esto se refiere es el de la Tablilla Kish.

Su religión se basaba en los elementos naturales, en la mayoría de los casos y tienen más de 3.000 dioses. (Con lo que, lógicamente, como hemos dicho anteriormente, es una religión politeísta y animista).

El arte es considerado como una de las grandes ciencias, junto a la escritura y las técnicas agrícolas. Como elementos potencialmente artísticos, podríamos destacar los Zigurat, que eran tempos de la época. Aunque poco se conserva de ellos, ya que su construcción se realizaba en ladrillos de arcilla y adobe (elementos de poca durabilidad). No eran espacios públicos ya que se solían usar como tumbas o espacios sagrados y uno de los ejemplos más importantes de este tipo de arquitectura es el que se encuentra en el Cementerio Real de la Ciudad de Ur. (Este elemento fue declarado patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y una curiosidad de su construcción es que las cuatro paredes de su muralla, dan cada una a un punto cardinal). Otra característica típica de los Zigurat, son sus tres escaleras exteriores, esto era algo que prácticamente tenían todos los templos y se construían en ángulo de 90º. (Si queremos relacionarlos un poco con la cultura egipcia, para mí son algo parecido a las mastabas, aunque en este caso no se usaban exclusivamente como lugar funerario, más bien eran palacios donde también hacían tumbas, a las cuales se les hacía rampas de acceso. Digo que me recuerdan a las mastabas por su forma arquitectónica, que eran como cuadrados, unos encima de otros, igualmente de una forma piramidal. Aunque estos zigurat también podían tener un piso superior circular).

En la escultura destacan las Estelas, que son placas con bajos relieves donde se cuentan hazañas bélicas importantes como la “Estela de los Buitres”. Las esculturas de figuras humanas o antropomorfas, son frontales, con pocos salientes, donde destacan las miradas fijas al infinito y los faldones de lana, característicos de la época y el lugar.

Tablilla de Ur

Era característico de la época las Artes llamadas Suntuarias que son piezas realizadas con materiales preciosos y semipreciosos. El más conocido es El Estandarte de Ur, encontrado en el Cementerio de la ciudad. Éste, narra por una de sus caras, una acción bélica. Por la otra, la celebración, se supone, de la victoria.

Los continuos enfrentamientos con los sacerdotes, en el año 2.340 a.C. liderados por Sargón de Akkad, llegan a crear el primer imperio mesopotámico, el Imperio Acadio. (En este periodo, se unifican, de alguna manera, todos los territorios).

Vamos a ver qué es lo que ocurre en esta época, la del Imperio Acadio.

El arte continua de una forma muy parecida a la época sumeria, pero cabe destacar estas obras; La Máscara de Sargón y la Estela de Naran-Sin. Ésta última representando al Nieto de Sargon (Naran – Sin) que también Reinó en el periodo Acadio). Esta estela, en piedra ha sido comparada con el cuadro de las lanzas de Velázquez, quizá, porque podría representar la rendición de enemigos, acción que también se puede ver en este cuadro; La Rendición Breda).

A final de este periodo, entre los años 1.900 y 1.800 a.C. Los sumerios, siempre en guerra, consiguen derrotar a los acadios y tenemos un tiempo de paz y prosperidad económica, con lo que se conoce como la época neosumeria, en la que vuelve la cultura y estilos sumerios, dándole importancia a las ciudades de Uruk y Ur.

Finalmente, y siempre por las luchas de poderes, el territorio se divide en dos; el Imperio Asirio y Babilonia.

Es la época de los grandes Zigurat, como he dicho, arquitectura escalonada que en su punto superior, tiene un pequeño templo. (Antes se me ha olvidado decir que en ocasiones este templo era utilizado por los sacerdotes como observatorio). 

Una escultura destacada de la época es la del Rey Gudea de Lagash. Insisten con la frontalidad, al igual que los egipcios. Y una cosa que me resulta interesante, es que usan un único rostro para las esculturas, como imagen de belleza idealizada. En esta escultura en concreto, destaca su escritura en el faldón, que describe el poder de Gudea y sus méritos ante la divinidad.

En un inicio, los asirios, eran un grupo de comerciantes nómadas, que se van asentando en el norte de Mesopotamia, aprovechando las guerras en los territorios sumerios. Y así, consiguen establecerse, e incluso reinar por un tiempo.

En este periodo, el Rey se consideraba representante del dios Assur, y a su vez, nombraba súbditos de importancia como el Gran visir de Assur (juez), general de ejércitos, Heraldo de Palacio…

La sociedad, podríamos decir que se divide en dos, las personas libres y los esclavos. Por ejemplo, el trabajo de agricultura lo realizaban, tanto personas libres como los esclavos, pero las personas libres eran asalariadas y los esclavos, lógicamente, no recibían ninguna recompensa económica. (Bueno, aparte, como siempre en esta época, estaba la nobleza).

Las obras conocidas y mejor conservadas, son las de Assurbanipal cazando leones o la leona herida, ubicadas en los muros de palacio de Assurbanipal en Nívide en el siglo VII a.C.

La Leona Herida

Por otra parte, y de igual manera, aprovechando las derrotas de los Acadios, comienza a asentarse el Imperio babilónico, al sur de Mesopotamia.

Digamos, para no confundirnos, que los Asirios, al derrotar a los Acadios, se asientan en el norte y por esta misma debilidad, Babilonia se asienta al sur. (Prácticamente en la misma etapa, la neosumeria.

Igualmente, los reyes, como en Sumeria, tienen el carácter de dioses. El Rey más destacado fue Hammurabi, que consiguió en este periodo, que Babilonia fuera el centro neurálgico de Mesopotamia. (Fue el rey que unificó las cuatro regiones. Rey del dios Marduk (dios de babilonia))

Artísticamente, se conserva una pieza clave para entender todo este periodo, y es el Código de Hammurabi. Una especie de código de leyes. Realmente, se trata de un compendio de leyes y decisiones judiciales cuyo objetivo era servir de base para establecer un sistema legal uniforme para todo el Imperio babilonio.

Se dice que el código de Hammurabi se basa en principios universales y eternos de justicia dictados por los dioses. Según el código, las personas se dividen en dos géneros y tres clases: personas superiores, plebeyos y esclavos.

Código Hammurabi

Este Código se conserva en el Museo del Louvre de París.

Yo creo que una cuestión artística, sobre todo arquitectónica, muy importante de la época, fueron las remodelaciones de la ciudad de Babilonia realizadas por Nabucodonosor II. Éstas hacen que la arquitectura en Babilonia, adquiera, en ese momento, su máximo esplendor.

He mirado información por internet, y hay una página, un blog que se llama Algargo, Arte e Historia, que lleva un profesor de Historia del Arte y esta página, en concreto la de Babilonia, es muy completa. Lo digo por si estáis interesados en el tema, aquí la información está muy bien desarrollada y hay dibujos, como fotografías recreadas de la ciudad, que son impresionantes.

Babilonia

Sí os diré que La ciudad estaba defendida por dos cinturones de gruesas murallas. El cinturón interior constaba de dos muros reforzados por torres cada 15 metros. El cinturón exterior estaba constituido por una muralla de 18 km, de forma triangular, con torres. Delante se excavó un foso navegable, por donde corrían las aguas del Éufrates rodeando la ciudad por todas partes, que era atravesado por puentes frente a las seis puertas principales de la ciudad. Las murallas internas disponían de ocho puertas para acceder a la ciudad.

Debemos saber que Babilonia significa literalmente puerta de dioses. Y de las que había, podemos destacar La Puerta de Isthar (La diosa Isthar) con revestimiento en cerámica policromada. (Esta puerta está reconstruida en el Museo Pérgamo de Berlín).

Puerta de Ishtar

El fin de estos imperios, tanto el Mesopotámico como el de Egipcio, (que se me olvidó decirlo en el audio y texto de Egipto), fue, en el caso de Mesopotamia, con la invasión del Imperio Persa, alrededor del siglo VI a.C. Y el caso de Egipto finaliza su periodo, con la invasión del pueblo asirio en el siglo VII a.C. Los griegos, con Alejandro Magno en el siglo IV a.C. Y por último, el Imperio Romano en el Siglo I a.C.

Entended que es complicado obtener un resumen en 25 minutos (o varios párrafos), de 3.000 años de historia del arte. Pero a mi modo de ver, estas cosas de las que he hablado, posiblemente, sean las más significativas de este periodo.

Quizá, lo interesante sea, que a medida que te introduces más en estas cuestiones, descubres nuevas informaciones, curiosidades y puedes seguir investigando, hasta el infinito.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio IVOOX: 1×32 HISTORIA DEL ARTE 4. Arte Antiguo 2 (Mesopotamia) en La Habitación Semihundida en mp3(29/03 a las 10:07:02) 23:40 67514678 – iVoox

PINTURAS NEGRAS 6 de 15 (Asmodea)

En este texto volvemos a adentrarnos en las Pinturas Negras de Francisco de Goya. Concretamente es el sexto que hago. En el primero que compartí hablaba de ellas de una forma más general, época, contexto… este es el de PINTURAS NEGRAS (Concepto Global 1 de 15). Y de los cuadros individualmente, de momento ya tenemos en este post, un pequeño análisis de; El Perro Semihundido , el Aquelarre, Duelo a Garrotazos y Leocadia. Y vamos a continuar…

En este caso nos introducimos en un cuadro, una pintura que se encontraba en la planta alta de la Quinta del Sordo. Si habéis leído los textos anteriores dedicados a estas pinturas, supongo que ya sabréis su época, del 1819 al 24, su contexto histórico, que viene a ser después de la Guerra de la Independencia y la monarquía absolutista impuesta por Fernando VII, y bueno, que las obras fueron trasladadas de revoco a lienzo… en fin, como siempre digo y para no repetir información, os aconsejo que leáis o escuchéis los programas anteriores dedicados a esta enigmática serie de pinturas, para una mayor comprensión.

Dicho esto, vamos allá…

Un cuadro que, a priori, podría parecer que habla de un cuento mitológico. Dos personajes sobrevolando una escena bélica. Pero ¿cómo se va a tratar de mitología cuando dos de los soldados que aparecen en primer plano llevan uniformes del ejército francés de la época? Como siempre, Goya juega con la alegoría para difuminar el mensaje representado, de esta manera, se quita la posibilidad de ser juzgado por plasmar temáticas incómodas para el régimen.

Así, nos encontramos, ante cuadros que, una y otra vez, se le dan una reinterpretación distinta, intentando reconstruir la razón de ser de las pinturas. Pero éste en concreto, es uno de los que más reinterpretaciones han tenido.

Supongo que toda esta ambigüedad que nos da el cuadro, nos ha venido por el título que Antonio Brugada, amigo de Goya y exiliado con él a Burdeos, le dio al cuadro; Asmodea. A partir de aquí, una y otra vez se le ha intentado dar una relación mitológica.

Libro de Tobias

Fue Santiago Sebastián quien habló que el nombre venia del libro de Tobías, donde aparece un diablo llamado Asmodeo. Y en este libro se relata que Asmodeo ha matado a los 7 maridos de Sara antes de que hubieran consumado su matrimonio. Sara finalmente logrará su propósito con Tobías, gracias a la protección del ángel Rafael. Sin embargo, en el citado relato, es Tobías quien viaja de esta forma con el ángel Rafael y en ningún caso, lo hace el personaje femenino, Sara.

Bueno, se han hecho otras reinterpretaciones, sacadas de López Vázquez o de la comedia, el Diablo Cojuelo de Luis Vélez de Guevara, pero ninguna de ellas ha dado información de las personalidades que aparecen en el cuadro, que en última instancia, es lo importante. Y como he dicho al principio, ¿qué pinta en todas estas reinterpretaciones el ejército francés? ¿Es el ejército francés el que podemos ver en el cuadro?

Éste se ha relacionado tradicionalmente con el de la Guerra de la Independencia, pero después de los estudios realizados por Carlos Foradada, (este señor que cito en todos estos programas, y que ha realizado un minucioso estudio de estas pinturas a partir de los negativos de las fotografías de Laurent y de una documentación casi detectivesca), nos habla que quizá, tenga que ver con la invasión de las tropas del Duque de Angulema, que en el mes de mayo siguieron el mismo camino que el ejercito formado por los Liberales del Gobierno, yendo éstos, camino de Sevilla y Cádiz.

Asmodea (De Francisco de Goya)

A ver… es que esta etapa en España, es bastante liosa. Vamos a ver si nos aclaramos;

Antes de esto, España está dividida en dos, por un lado los que apoyaban el antiguo régimen de Carlos IV y los liberales, que creyendo que la Invasión de Napoleón los salvaría y que les ofrecería ideas renovadoras para el nuevo sigo, abrazan estas ideas y apoyan la nueva escena. Carlos IV abdica, se crea la Constitución de Cádiz de 1812, dando comienzo al Trienio Liberal, donde los Liberales se impondrán en España.

Y aquí viene la historia extraña, lo que yo no entiendo del todo bien; Parece que Fernando VII hace un trato con Napoleón, o sea, con el que antes se supone que había luchado. Entonces, conjuntamente, crean un enorme ejército llamado Los Cien Mil Hijos de San Luis y derrotan al Trienio liberal. Así, Fernando VII se alza con el poder en una Monarquía Absolutista.

Podríamos decir entonces que en el cuadro vemos el régimen absolutista, encarnados por las tropas de Angulema, en eso que llamaron Santa Alianza, persiguiendo a los liberales. Y en consecuencia, lo que nos cuenta Goya, es que persiguen la Constitución de Cádiz, de 1812.

Pero, y en este caso ¿Qué simboliza esas dos personas volando?

La Religión Socorrida por España (Tiziano)

Se cree que Goya aprovecha esa alegoría con el Libro de Tobías, a quien salva el ángel Rafael, no es a Tobías, que es lo que cuenta la historia, tampoco a Sara. Podría ser que se tratara del destierro de la España democrática, y esto puede ser debido a que Goya representa a esta España de igual manera que lo hizo el Pintor Tiziano. ¿Por qué se cree esto? Pues por la simbología de los colores que usa, ya que el rojo (en este caso aplicado a la tela o manta que lleva la figura femenina del cuadro), no es un color demasiado asiduo en las Pinturas Negras, solo sale en cuatro cuadros; En duelo a Garrotazos aparece en la sangre de uno de los personajes, del que ya pensamos que podría representar a la España Liberal. Por otra parte, en la Pintura Leocadia, aparece pintado sutilmente en sus labios y como sabemos, Leocadia quería pertenecer a esos ilustrados liberales. Y por último, lo podemos ver en la Pintura Saturno, del que aún no hemos hablado en estos programas, pero que, lejos de esa reinterpretación freudiana, de que la pintura podría representar la vejez del autor, posiblemente se trate del Antiguo Régimen, devorando la Constitución de Cádiz de 1812.

Puede ser, que la Pintura Asmodea, tenga algo que ver con el Libro de Tobías, pero en este cuadro, a quien salva el ángel Rafael, es a la España Liberal. Frente a esta situación en España, solo queda mirar hacia otro lado, hacia el exilio.

Como he comentado en alguno de estos programas, hay algo que nos dice de estas pinturas, que podrían tener un orden de exposición, y posiblemente, nos cuenten un relato del exilio de Goya a Burdeos.

Tenemos que tener en cuenta, cual es la etapa en la que se realizan las pinturas, en qué momento se encuentra el autor, que recordad; incluso le cede la Quinta del sordo a su nieto, por miedo a que se la expropie el Antiguo Régimen. Es justo el momento anterior al exilio de Goya a Burdeos. Y si ya comentamos en el programa El Perro Semihundido, que esta pintura podría ser la última de la serie en la que Goya sueña con ese exilio. Este cuadro, Asmodea, podría ser justo la escena anterior.

De hecho, una cosa que no he visto en ningún libro, ni artículo, es que la montaña que aparece en el cuadro el Perro Semihundido, es bastante parecida a la de Asmodea. Con lo que me hace pensar que esa visión lejana, puede efectivamente, tratarse de su reinterpretación del exilio.

No sé si se trataría de la misma que aparece en Duelo a Garrotazos, porque ésta, se encuentra más más cerca. E incluso más cerca aún, casi al pie de la montaña, aparece en el Paseo del Santo Oficio. Sin embargo, en los cuadros de la planta baja, esta imagen de la montaña, no está en ningún cuadro.

Bueno, no sé, esta es una conjetura personal, pero me llama la atención.

Para finalizar con este cuadro, podría deciros, que como todas las Pinturas, se encuentra en el Museo Nacional del Prado, en Madrid. Que mide 127 por 263 centímetros. Y que tiene un boceto anterior, que es un óleo sobre lienzo de 20 x 48,5 centímetros y que este boceto se encuentra en el Museo de Arte de Basilea.

Este boceto que no fue el único que realizó, nos dice que las Pinturas Negras fueron espacialmente estudiadas para la decoración de la Quinta del Sordo, y que no se tratan de pinturas improvisadas de manera aleatoria.

Asmodea_(boceto) Goya

Como siempre, la técnica es rápida y suelta, en este caso, de poca pintura en la parte superior y más pastosa en la parte baja. La paleta reincide en los negros, tierras, y ocres…

Os garantizo, que aunque un texto más cortito, ha sido bastante complicada su interpretación. Así que espero que la información haya sido de tu interés. No he querido meterme más en el tema de Tobías o la Conjura del Diablo, en realidad, porque me cansa un poco y me despista de la información que me parece más destacable.

Y por otra parte, tengo unos libros de la Guerra de la Independencia, que creo que cuando tenga un hueco, (que ahora estoy bastante liado, la verdad, con otros estudios y trabajos), pero cuando pueda les voy a echar un vistazo, porque es una etapa difícil en España. Y me gustaría entenderla un poco más. Aunque algo sé, pero creo que, como hemos hablado otras veces, conocer al autor, su etapa, su vivencia, nos hace comprender mejor su obra.

Jorge Barroso “Bifu”

FORMATO AUDIO (IVOOX): 1×30 PINTURAS NEGRAS 6 (Asmodea) en La Habitación Semihundida en mp3(15/03 a las 14:27:25) 20:21 66832404 – iVoox

SARAH WINCHESTER ¿Arte? ¿Arquitectura? ¿Locura?

Hoy, día 8 de Marzo de 2021, en un día extraño para el feminismo, por aquello de no poder expresarse libremente en las calles, imagino que todas las personas debemos aportar algo a esta lucha, y bueno, qué menos, que siendo lunes y teniendo que colgar uno de los programas o textos en La Habitación Semihundida, pues éste, se refiera a una mujer.

Igualmente, os recomiendo el texto de la semana pasada, en la que hablo de 5 mujeres artistas del Barroco; Judith Leyster, una gran pintora de la época barroca, que se llegó a confundir su obra con la del pintor Hall, pero que sin embargo, no fue reconocida, cuando Hall, era uno de los pintores más reconocidos del momento. O Plautilla Bricci, la primera arquitecta que se conoce oficialmente, a la que quisieron desposeer de su trabajo, asignándole las construcciones a su hermano, y por investigaciones que se están haciendo recientemente, ya podemos saber que no, que son obra de Plautilla. Feliciana Enríquez de Guzmán, escritora que tuvo que disfrazarse de hombre para poder estudiar. La Roldana, escultora de talento innato. Y Barbara Strozzi, la compositora que había escrito un libro con más cantatas que cualquier escritor de la época.

Otro de estos post que os recomiendo es el que le dediqué a Hilma Af Klint, la persona que realmente inventó el Abstracto. Cuando esto, a lo largo de la Historia, se le ha atribuido a Kandinsky.

O el de Las Mujeres de la Bauhaus. Mujeres del mundo del arte, a las que les costó infinitamente más que a sus coetáneos masculinos, poder realizar estos trabajos de diseño, artísticos y arquitectónicos, pero que sin ninguna duda, están a la misma altura en calidad y repercusión.

Para celebrar este día y aportar algo, os propongo contaros una anécdota, por esto que ya hablamos de que la anécdota puede ser una buena aliada para aprender de una forma menos densa, más liviana.

En este caso os traigo una anécdota de lo que comenzó siendo una pequeña reforma de una casa, y que se convirtió en una gran obra de remodelación que duraría 38 años de manera continua, hasta la muerte la persona artífice de esta acción, en 1922.

El resultado de esta especie de arquitectura, es algo que quizá nos cuestione ciertos criterios artísticos, o simplemente nos parezca algo curioso, interesante, o terriblemente loco.

Esta pequeña casa (que en un inicio era una granja), finalmente se transformó en una mansión de cuatro pisos, con 160 habitaciones, 467 puertas, 47 chimeneas, 2 salones de baile, 10.000 paneles de vidrio, 6 cocinas, 40 escaleras, 52 tragaluces, 2 sótanos y 1 ducha de agua caliente.

La casa, se ha convertido en una zona de atracción turística para visitantes de la ciudad de San José, en California, que bien merece contar su historia. Un objeto arquitectónico que no consigo categorizar. (A ver si me podéis ayudarme). Hoy os voy a hablar de la Señora Sarah Winchester y de su curiosa Mansión.

Fachada Winchester

Podréis decir, bueno, esto puede ser una mujer con dinero que quiso realizar su mansión. Pero no es del todo así, ahora veremos. ¿Cuándo empieza todo esto?

La Villa Llanda, una granja de unas 8 habitaciones, fue adquirida, en 1886 por Sarah Winchester. Esta mujer era la viuda desde 1880 de Oliver Winchester. Y Oliver Winchester era el dueño de la empresa Winchester Repeating Arms Company, la empresa que creó los famosos rifles Winchester.

Se conocen estas armas, como “el arma que conquistó el oeste”. Concretamente, de la venta de rifles de repetición del modelo de 1873. Este se convirtió en el arma favorita de muchos vaqueros, porqué era capaz de disparar una bala cada tres segundos. Y como podéis suponer, esta familia se hizo multimillonaria.

Aquí no terminaron los agravios de la Señora Sarah Winchester, sino que al poco tiempo de morir su marido, también su hijo falleció. Entonces decidió comprar esta granja para alejarse de la ciudad e intentar recuperarse de la depresión en la que se encontraba.

Era la única heredera de la gran fortuna de la empresa de su marido, con lo que no tuvo problemas para adquirir esta propiedad.

Como, normalmente, ocurre con estas desgracias, buscamos respuestas donde no las hay. Sarah comienza a adentrarse en el mundo de lo paranormal, que de igual manera, en aquella época estaba de moda. Así que se puso en contacto con una Médium y esta le dijo que la familia estaba maldita, a causa de las muertes causadas por las armas Winchester. A partir de aquí, Sarah comienza a sentir la presencia de estos espíritus, que parecen decirle o pedirle que les hiciera un espacio en los que se pudieran quedar, con lo que es en este momento donde comienza a reconstruir y reformar durante 38 años consecutivos la casa donde vivía. 24 horas al día. 7 días a la semana, 365 días al año.

Sólo se detuvieron a causa del terremoto que sufrió la zona en 1906, cuando la casa ya tenía 7 plantas de altura. A causa de este terremoto, se quedó en 4. Entonces Sarah decidió construir a lo ancho y no a lo alto, por si volvía a ocurrir un temblor de las mismas características.

Lejos de lo que pueda parecer, la señora Sarah, era una mujer culta y con estudios, pero a causa de sus acciones excéntricas, no tuvo contactos con los vecinos de la zona y se encerró en su obsesión de construir y reconstruir y remodelar y rehabilitar, una y otra vez la casa.

Lo que me resulta más curioso, es que estas construcciones no tenían ninguna lógica dentro de una construcción al uso; esta señora, a los albañiles y carpinteros, les mandaba construir algunas escaleras que no llegaban a ningún sitio, puertas pequeñas que no cabría ninguna persona. O puertas que no llegaban a ningún lugar. Otras, en la primera planta que salían directamente al abismo. Ventanas que daban de una habitación a otra… ¿Por qué esto era de esta manera?

Interior de la Mansión Winchester

Aquí, no termina la cosa; los techos de madera, suelos de parquet con molduras e incrustaciones a mano, candelabros de oro y plata, además de detalles de absoluta belleza como los pomos, las bisagras, los muebles, textiles, empapelado… y sobre todo, las cristaleras bellamente decoradas con motivos florales y de animales, muchas de ellas creadas por la empresa Tiffany.

De todas estas rarezas, una me llama enormemente la atención; había construcciones de habitaciones dentro de otras habitaciones. O balcones y ventanas que daban al interior.

Por lo visto, otra curiosidad, es que el número trece se repite constantemente en esta arquitectura, como el número de escalones de una escalera, número de candelabros en una habitación, o que la casa tiene 13 baños…

Como he dicho anteriormente, ¿Por qué se construía de esta manera? Bueno, pues bien, se especula con que era la forma que los muertos, que se le presentaban a Sarah Winchester, le pedían y decían como debían ser las construcciones, y sintiéndose culpable por las muertes que habían causado la empresa armamentística de su marido, ella, constantemente, hacía realidad las peticiones de estos espíritus. Y así salió un laberinto extraño, de utilidad cuestionable, que hoy día se puede visitar y se ha convertido en uno de los mayores atractivos turísticos de la ciudad.

Quizá el fin de su proyecto era construir una casa para todas las víctimas causadas por las armas Winchester. Y ahora bien, ¿esto es arquitectura, arte o locura?

Cartel Oficial de la Película “Winchester. La Casa que Construyeron los Espíritus”

Existe, incluso, una película de los Hermanos Spierig, “Winchester: La Casa que Construyeron los Espíritus”, donde quisieron adaptar esta historia a la gran pantalla. No es que sea una muy buena película, pero sí que destacaría que, por lo visto, se refiere a hechos reales y la interpretación de su protagonista Helen Mirren en el papel de Sarah.

También cito la película porque tratan el momento preciso en el que un miembro de la junta directiva de la compañía armamentística, o sea, de la empresa que ha heredado Sarah, acude a la casa del Doctor Price para que evalúe el estado mental de la Señora Winchester y decida si puede seguir o no liderando la empresa.

Una vez el psiquiatra se traslada a la mansión para conocer en persona a la anfitriona, se da cuenta que su paciente, quizá, no está tan loca como le quieren hacer ver.

Por eso insisto, ¿es arte, arquitectura, locura?

Escalera

Existe otra versión en la que hablan que la construcción era así, más que para satisfacer a estos espíritus, era para despistarlos.

Pero, vamos a ver, porque hay algo más; Mary Jo Ignoffo, biógrafa oficial de la Señora Winchester, nos cuanta que los verdaderos motivos de Sarah para construir su extraña casa, son que la millonaria estaba suscrita a numerosas revistas y publicaciones dedicadas a la arquitectura. El origen de su afición le venía de su padre, un carpintero que amasó una pequeña fortuna construyendo ambulancias durante la guerra.

Para Ignoffo, la mansión de San José, en California, tan sólo era el “taller” en el que la señora Winchester ponía en práctica todas sus ideas extraídas de las revistas, como encargar a Tiffany las vidrieras de la casa o combinar el estilo Reina Ana del edificio con cosas tan modernas para la época como tres ascensores o calefacción central. 

Durante casi cuatro décadas, Sarah Winchester dio empleo a veintidós carpinteros, los cuales, como no podía ser de otro modo, siempre hablaron maravillas de ella.

En la página de Historia del National Geografhic, nos cuenta un artículo al respecto que:

“Unos años antes de la muerte de Sarah Winchester, el 5 de septiembre de 1922, un artículo periodístico titulado “El taller de una mujer arquitecto”, escrito por Merle H. Gray para el periódico San Jose Mercury and Herald, defendió esa misma teoría: 

Quizá no sean más de una docena las personas en California que saben que la señora Winchester es una música con un gran talento para la composición. Que es una notable empresaria; que si se conociera su filantropía sería admirada en todo el país; que es una arquitecta con todas las de la ley y conoce las peculiaridades arquitectónicas de todos los países; que su famosa casa de los misterios era un mero taller y su estructura, la mera colección de apuntes que una mujer de una inmensa fortuna tomaba para instruirse a sí misma en la arquitectura de varios países”.

Ahora, os vuelvo a hacer la pregunta; ¿arte, arquitectura, locura?

Claro que en la actualidad la mansión Winchester es un Monumento Nacional en Estados Unidos y los visitantes pueden explorar sus recovecos y sus pasadizos a través de visitas guiadas en las que se aconseja no salirse del camino oficial, ya que uno puede perderse en sus laberínticos pasillos y no encontrar la salida, además de toparse con algún espíritu, quizás el de la propia Sarah Winchester.

Es lo que vende, ¿no? Esa leyenda, vende más que decir que aquello era solo un taller.

Sarah Lockwood Winchester, nacida en Pardde el 1 de Septiembre de 1839 y que murió en San José, el 5 de septiembre de 1922.

En fin, sea como fuere, Sarah Winchester murió con 83 años de edad y nos dejó una maravillosa rareza y un misterio, cuanto menos curioso. ¿No crees?

Jorge Barroso “Bifu”

Formato AUDIO IVOOX: 1×29 SARAH WINCHESTER (Arte, Arquitectura, Locura) en La Habitación Semihundida en mp3(08/03 a las 09:03:58) 23:56 66470761 – iVoox

MUJERES DEL BARROCO

El Barroco, un estilo artístico que se uso en prácticamente todas las disciplinas artísticas del momento; literatura, pintura, escultura, música, danza… Su periodo abarca todo el Siglo XVII hasta principios del Siglo XVIII. Su evolución podría ser el Rococó. Y como contraoferta el Neoclacisismo. Comenzó en Italia y se extendió por gran parte de Europa.

A veces se ha dicho de este estilo que es recargado, engañoso y caprichoso, por su búsqueda efectista y la creación de ilusiones ópticas. Lo curioso es que nace en un momento de penuria por parte de la sociedad y es un estilo muy aclamado o utilizado por la aristocracia. Cuando nace el neoclasicismo, es una contraoferta abalada por la burguesía, que en ese momento de la historia se comienza a posicionar por la creciente industrialización.

Pero creo, que sea como fuere, es un estilo refinado, cuidadoso en los detalles y aunque racionalista, sus formas son dinámicas. Y estos contrastes, dentro del arte, para mí, siempre son interesantes.

Bien, de este periodo o estilo, son nombres conocidos; Rembrandt, Rubens, Vivaldi, Lope de Vega… Pero ¿quiénes son Judith Leyster, Plautilla Bricci, Feliciana Enríquez de Guzmán, La Roldana o Bárbara Strozzi?

No tenemos que ser expertos en la Historia del Arte para que nos suenen estos nombres masculinos, artistas del Barroco, sin embargo, no nos suenan estos nombres de mujeres. Pues bien, yo os lo voy a contar; también son artistas de la época barroca. Y por ello, y porque creo que es necesario que nuestras investigaciones se abran a un momento más real y sobre todo más amplio y equitativo. Lo que propongo en este audio no es hablar de Rubens o Rembrandt, no voy a hablar de Bach. Incluso no pretendo hablar del Barroco, sino de las Mujeres del Barroco. (Algunas, porque realmente hay muchas).

“¿Qué es la historia sino el cuidado especial con el que se tratan los eventos del pasado?”

Para las mujeres en el Arte, este pasado no ha sido atendido y se ha descuidado hasta la saciedad. La ausencia de mujeres en las diferentes disciplinas llamadas artísticas, a lo largo de la historia, ha estado ninguneado, y no porque no hayan existido, sino porque no han sido, valoradas.

Yo, incluso, puedo llegar a entender lo que ocurrió en un pasado, puedo comprender que esa cuestión política, social, en ese momento fuera así. Lo que no comprendo es que ciertas “coletillas” de estas etapas, puedan verse y sentirse hoy día. Así que creo que es nuestra obligación hacer de estas cuestiones una razón política que nos ofrezca una sociedad más equitativa.

Por ello mi planteamiento en este texto es ofreceros un abanico más amplio sobre artistas de la época, más allá de Rubens o Bach. Si en estos audios, de alguna manera estamos tratando la Historia del Arte, no podemos cometer el mismo error que vemos y leemos en los libros de Historia del Arte.

Hombre Ofreciendo Dinero a una Mujer. Judith Leyster

Así que vamos a comenzar por la pintura:

Una notable pintora de esta época fue Judith Leyster. Y podríamos decir que fue una de las dos únicas mujeres que consiguió ingresar al prestigioso Gremio de San Lucas de Haarlem durante el siglo XVII.

Esta artista holandesa incluso llegó a tener su propio taller, sus propios estudiantes y su propio estilo, que iba desde las escenas cotidianas, a los retratos, motivos que en ese momento estaban de moda.

Como siempre ocurre en estas épocas, sus obras se le atribuyeron a Frans Hals o a su marido, Jan Miense Molenaer (aunque su marido tenía mucho menos talento que ella). Más tarde se descubrió que no, que estos cuadros pertenecía a Judith Leyster, que firmaba como JL. Además le añadía una estrella, en un juego de palabras, pues Leyster, en holandés, significa “Estrella Lider” que era el nombre que se le daba a la Estrella Polar.

No se sabe mucho de su formación aunque parece ser que en aquel momento ya era tan conocida como para que fuera mencionada en un libro de Samuel Ampzing de 1628. Podría haber aprendido pintura con Frans Pietersz de Grebber y cuando su familia se trasladó a Utrecht, entró en contacto con los Caravaggistas de Utrecht.

Su primer trabajo firmado data de 1629, cuatro años antes de ingresar en el gremio de artistas. Y para entrar en éste, se cree que entregó su trabajo de autorretrato. Este cuadro, en concreto, marca un cambio histórico con el abandono de la rigidez de los autorretratos femeninos a favor de una pose más natural, relajada y dinámica. (Este cuadro se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington).

Las obras de Leyster están fechadas entre 1629 y 1635. Hay pocas obras fechadas posteriormente, y esto puede ser debido a que fue la fecha en la que se casó y tuvo hijos.

Leyster fue bastante innovadora en sus escenas de género domésticas, ya que buscaba la intimidad de la mujer. En su cuadro “Hombre Ofreciendo Dinero a Una Mujer” me resulta, incluso una evidente muestra de feminismo, ya que la mujer se muestra indiferente a este acto, cuando lo frecuente en la época hubiera sido satisfacer la necesidad o la petición masculina, pues podría ser incluso una propuesta matrimonial, que hace el hombre en la pintura.

Ahora os contaré una anécdota, por desgracia, no es exclusiva, ya que es algo que ha pasado muchas veces a lo largo de la Historia del Arte:

La obra de Leyster, fue admirada y reconocida por sus contemporáneos, pero después de su muerte, perece que todo ello se olvidó. Hasta que en 1893, una pintura admirada durante más de un siglo y que se creía obra de Frans Hals, la había pintado Leyster.

En 1868 Luke Schanb adquirió un cuadro de Leyster, La Alegre Compañía (Hoy día en el Museo del Louvre de París), pero la adquirió pensando que se trataba de un Hals. Un comerciante de Londres la describió como una de las mejores pinturas de Hals. John Millars estuvo de acuerdo y compró la pintura por 4.500 libras. Más tarde la vendió como un Hals al barón Schlichteng en París. Pero, en 1893, el Louvre encontró el monograma de Leyster bajo la firma fabricada de Hals. No está claro cuando se agregó la firma falsa y el Barón demandó al comerciante y aunque se le puso un valor de 3.500 libras, durante el proceso, no se consideró la obra como una pieza de infinito valor cualitativo, lo cual es verdaderamente injusto, cuando esa pintura fue atribuida como una de las mejores obras de un pintor muy reconocido de la época. Lo peor de todo, es que a partir de aquí, se comienza a especular con que “ella” es una imitadora de la pintura de Hals. ¿Es injusto o no es injusto? En fin, menos mal, que poco a poco, las cosas parecen ponerse en su sitio y se le empieza a dar el valor y sobre todo, el sitio que siempre debió tener esta señora; Judith Leyster.

Dibujo arquitectónico. Plautilla Bricci

Hablemos ahora de Arquitectura:

Os voy a presentar a la primera arquitecta de la historia (o al menos que se conoce). Pero ya es un título, importante, que en esta época, siglo XVII, una mujer pudiera firmar diferentes obras arquitectónicas. Arquitecturas interesantes, pero además pintora y creadora de obras efímeras. Os hablo de Plautilla Bricci.

Fue una mujer nacida en Roma en 1616 y criada en un ambiente artístico y literario, pues su padre era un discreto pintor y su madre se codeaba con una pariente que era una de las más destacadas y conocidas cantantes de la época. Criado en el mismo seno artístico, su hermano también fue pintor y arquitecto.

Sabemos que Plautilla realizó como arquitecta, dos obras importantes en Roma; la primera, la Villa Benedetti en 1663 (conocida como el buque, por su forma arquitectónica parecida a un barco). Se conserva poco de este edificio pero lo que aun se puede ver en los entrantes y salientes que animan la fachada y la utilización de diversos elementos de raigambre renacentista (esto quiere decir como elementos elaborados que son antecedentes y que hacen que una cosa sea estable o segura), nos hablan de la rica cultura arquitectónica de Plautilla, que fue capaz de fundir muy diversos estilos en su obra.

En la página Web Investigart.com nos cuenta Gloria Martínez Leiva, la autora de un artículo sobre Plautilla Bricci, y sobre el trabajo de investigación de las Historiadoras Consuelo Lollobrigida y Yuri Primarosa que “En 1677, Elpidio Benedetti, publicó una guía, bajo el pseudónimo de Matteo Mayer, en el que daba una descripción detallada de su Villa y además aportaba diferentes vistas de la misma. En dicha guía también explicaba el papel desempeñado por Plautilla Bricci y por su hermano Basilio. Benedetti le otorga a ella solo la responsabilidad de la decoración interior con pinturas alegóricas y religiosas. Es cierto, que ella colaboró en buena parte de las pinturas realizadas en la Villa. Asimismo, realizó una “Asunción de la Virgen” para el altar de la Capilla. Sin embargo, los contratos de la edificación y los dibujos y planos preparatorios encontrados en el Archivo de Estado de Roma han conseguido demostrar que también fue ella la que proyectó el edificio y que si contó con la colaboración de su hermano fue casi testimonialmente”.

Ahora, el talento de esta arquitecta, está siendo equiparado con el gran genio del Barroco Gianlorenzo Bernini.

San Luis de los Franceses. Plautilla Bricci

Como segundo edificio otorgado a esta arquitecta está la Capilla de San Luis, en la iglesia de San Luis de los Franceses.

Una capilla ricamente ornamentada con mármoles polícromos, bronces dorados y un cortinaje de estuco azul con flores de lis enmarcando la entrada de ésta. Fue inaugurada en 1680. En ella Plautilla también realizó la pintura principal del retablo.

En esta obra se puede observar la capacidad que tenía esta mujer, de comprender las formas arquitectónicas del momento. Esa intelectualidad fue la que le valió para ser admitida en la Accademia del Disegno di Roma.

Se cree ahora, que Plautilla debe tener otras obras arquitectónicas, pero que estas podrían estar atribuidas a su hermano. Entiendo esta ardua tarea que nos queda para descubrir a estas mujeres relevantes de la historia, pero sobre todo, comprendo el cansancio de las mujeres de hoy día con respecto a esta lucha incomprendida por los hombres. Así que animo a mis compañeros masculinos, a ser más activos con esta causa, que como podréis entender es muy injusta.

De momentos las obras que se le han atribuido son la Villa Benedetti, la Capilla de San Luis de la Iglesia de San Luis de los Franceses y el Palacio Testa – Piccolomini en Montecavallo.

Aquí la tenéis, la primera arquitecta documentada; Plautilla Bricci.

Vamos a coger ahora la disciplina de la literatura.

Muy de acuerdo con Nieves Baranda Leturio, que ha realizado diferentes estudios de estos temas, las mujeres del Siglo de Oro, (Que digamos era la época barroca en España), el rastro de libros escritos por mujeres y publicados a lo largo del siglo XVII es la mejor muestra de la imparable extensión de la autoría femenina. En torno a 1600 las letradas continúan escribiendo obras devotas o morales consideradas lecturas propias de mujeres o de sus funciones sociales.

A partir del 1630, efectivamente, los géneros se amplían y ya hay periodistas y dramaturgas, novelistas o ensayistas, incluso críticas literarias. No solo el paso por la imprenta singularizaba a aquellas autoras, sino el hecho de que algunas presentaban sus creaciones en competencia directa con las obras del mismo género literario escritas por hombres, con los que ya quisieron codearse en igualdad de condiciones.

Feliciana Enríquez de Guzmán

Bueno, os voy a hablar de una en concreto, Feliciana Enríquez de Guzmán (Sevilla, 1569-1644), aunque no hay muchos datos de sus primeros años, tan solo los que recogió Lope de Vega en la silva 3.ª de su “Laurel de Apolo”, en que se hace alusión a las aventuras de doña Feliciana que estudió en la Universidad de Salamanca disfrazada de hombre y en su tercer año se enamoró de un estudiante y hasta logró graduarse en teología y astrología. Pero fue descubierta y tuvo que volver a Sevilla, su ciudad natal.

Imprimió su “Tragicomedia de los jardines y campos sabeos, primera y segunda parte, con diez coros y cuatro entreactos” (1624), dedicada a sus dos hermanas monjas en el convento de Santa Inés de Sevilla. Su prólogo, en verso suelto, teoriza sobre el teatro y es importante porque se opone radicalmente al Arte nuevo de hacer comedias (1609) de Lope de Vega.

Lo más original son los entreactos en prosa, titulados “Las gracias mohosas”, en los que prefigura el feísmo expresionista de Valle-Inclán haciendo desfilar ridículos pretendientes a unas damas no menos ridículas.  

Otras comedias suyas no se han hallado, aunque se sabe que escribió además una pieza titulada “Las doncellas de Símancas”. Como poetisa es también buena escritora y sus escritos merecieron los elogios del propio Lope de Vega.  El problema, como en, prácticamente, todos los casos, es que fueron mujeres admiradas en su tiempo, pero que después de su muerte, los escritos han sido olvidados y se han antepuesto obras de hombres para su utilización, o estudios. Relegando a un recuerdo vago o que, como es el caso de Nieves Baranda Leturio, hay que escarbar para poder hacer visible en un arduo estudio de tesis, para posicionar estas obras y estas artistas.

Demos un paso más y adentrémonos en la escultura Barroca:

Los desposorios místicos de Santa Catalina. La Roldana.

Luisa Ignacia Roldán Villavicencio (De Sevilla. Perdonarme que usa tanta artista Sevillana (de mi tierra), pero es lo que tiene el Siglo de Oro español, que dio mucho talento en esta zona geográfica del país, en ese periodo).

Bueno, esta mujer, conocida como La Roldana, nació el 8 de Septiembre de 1652, y podría decir que fue la primera escultora española registrada. Y cogió fama, cuando compararon su trabajo, de igual importancia al de su padre Pedro Roldán.

Lógicamente, su formación estuvo impulsada por su padre y en su propio taller. Es característica su escultura, de carácter religioso, y con el estigma de humanizar los rostros y las figuras para acercar, de alguna manera, estas imágenes al pueblo llano.

Realizó esculturas de tamaño natural para salir en procesión, en madera o de barro cocido con policromía y muchas de ellas de las llamadas “de candelero” o para vestir. Muy características del Barroco. Y esto, en Andalucía, es bastante típico, porque las procesiones de Semana Santa están muy arraigadas, como una tradición muy antigua, y es algo que perdura hoy día. Aun existe la profesión de olfebre. (Bueno, existe; que hay muchos y muchas, y se mantienen normalmente, por los trabajos que siguen realizando para los pasos de la Semana Santa que salen en procesión).

Después de esta etapa en Sevilla, se traslada a Cádiz para realizar diversos trabajos. Y finalmente, se asienta en Madrid, donde trabajó como escultora para los monarcas Carlos II y Felipe V hasta su fallecimiento.

Vamos ahora, al último bloque; la música Barroca:

Barbara Strozzi

Igualmente, mujeres que se dedicaran a la música en este periodo de tiempo, existen bastantes, pero como siempre, ahí predominan las composiciones de Händel, Bach… por ejemplo, ¿no? Pero os voy a presenta a una, la que hemos escuchado, y que podréis haber oído que tiene un estilo que podría ser equiparado al del mismísimo Monteverdi; Bárbara Strozzi. También conocida como Bárbara Valle que nació el 6 de Agosto de 1619 en Venecia. Fue una cantante y compositora italiana del Barroco. Hija de una sirvienta y de padre desconocido. Fue adoptada por el poeta y letrista Giulio Strozzi, así recibió una educación como cantante y pudo estudiar composición musical.

La mayoría de sus trabajos eran cantatas para soprano solista y se cree que posiblemente fueran composiciones que escribía para ella misma.

He leído que su música está profundamente arraigada en la técnica denominada Seconda Prattica. Muy usada por el compositor Monteverdi. (Por eso decía al principio, como que hay cierto paralelismo, pero que nada tiene que envidiar las composiciones de Bárbara a las de este compositor tan conocido. O al menos, desde mi punto de vista).

No quiero terminar este bloque sin deciros que publicó ocho libros de música, incluyendo más cantatas que cualquier compositor del Siglo XVII.

Bueno, como siempre digo en estos casos, estos textos pretende posicionar la figura femenina en el arte, cosa que no se ha hecho a lo largo de su historia, y que incluso hoy día, es costoso, es difícil, que haya un tratamiento equitativo ante estas importantes figuras. Bueno, hoy, al menos, hemos podido conocer 5 de las mujeres del Barroco. Y al menos para mí, ha sido muy enriquecedor y estimulante. Espero que para ti también lo haya sido.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato AUDIO IVOOX: 1×28 MUJERES DEL BARROCO en La Habitación Semihundida en mp3(01/03 a las 10:44:17) 26:52 66116557 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 3: El Arte Antiguo (Egipto)

Hoy día tenemos la suerte de haber descubierto muchos de los misterios y enigmas que escondía esta etapa de la historia del arte, de la que os hablaré hoy. De este modo se ha podido ordenar de una forma cronológica las dinastías y con ello, comprender mejor su historia.

Como entenderéis, la historia del arte egipcio es amplia. Yo sólo os hablaré de algunos conceptos y elementos, que desde mi punto de vista, son los más significativos. Siempre con la intención de que podamos irnos haciendo una breve idea de la evolución que ha tenido el arte a lo largo de la historia. ¿Para qué? Pues como ya he dicho en otros textos, repasar estos datos, nos puede dar varias salidas; por una parte, que cada uno o cada una de nosotras, pueda esclarecer las bases de una reflexión propia acerca de la compleja tarea de definición del arte. Por otra, quizá nos haga descubrir o redescubrir alguna etapa, algún estilo, o artista, del cual, nos interese realizar un estudio más exhaustivo y esto nos haga indagar un poco más.

¿Si me preguntáis por qué lo hago yo? Pues mi intención es redefinirme sobre cuáles han sido los valores artísticos a lo largo de la historia, sobre todo para encontrar conceptos o fórmulas que me hagan redescubrir o inventar (en el mejor de los casos) nuevas propuestas escénicas. Y como lo hago para mí, pues no me cuesta ningún trabajo compartirlo, por si a alguien le puede interesar.

Hay una historia de Michel Serres, que era filósofo francés, que me parece una reflexión muy bonita para entender lo que hago. A ver, mira, decía, he buscado el texto para leéroslo:

“Si usted tiene un pan y yo tengo un euro, y yo voy y le compro el pan, yo tendré un pan y usted un euro, y verá un equilibrio en ese intercambio. Pero si usted tiene un soneto de Verlaine, o el teorema de Pitágoras, y yo no tengo nada, y usted me los enseña, al final de ese intercambio yo tendré el soneto y el teorema, pero usted los habrá conservado. En el primer caso, hay equilibrio. Eso es mercancía. En el segundo, hay crecimiento. Eso es cultura.”

Por eso, creo que compartir, nos hace ser una sociedad más avanzada. (Y compartir contenido útil, ¿no? No éstas cosas que vemos en las redes que se comparten con una clara intención de crear confusión y/u odio. No entiendo porque se hacen estas cosas, la verdad. Cuando la herramienta de internet puede ser muy interesante y útil. En fin, allá cada cual. Yo espero estar haciendo y participando en algo bonito. Y bueno, una cosa; de todas formas, yo todo lo que digo en estos textos, sí, los he leído de libros o artículos, pero igualmente, luego tengo o expongo mis pensamientos, mis reflexiones, mi forma de verlo o entenderlo, con las cuales no siempre tenéis que estar de acuerdo o incluso puede que yo cometa errores al explicarlo. Con lo que siempre os aconsejo contrarrestar la información.

Por otra parte, estoy seguro que las personas que hayan estudiado historia del arte, o sean expertos o expertas en estos temas, lógicamente, estos textos no les interesarán demasiado. Yo lo hago más, porque creo que los artistas debemos, de nuevo, acercarnos al pueblo, al público en definitiva. Y por eso quiero que las personas sepan un poco sobre arte. Y que el arte no sea una cosa extraña, ambigua, (bueno, que digan, yo no entiendo de esto)… No sé, quiero poner las cosas un poco más sencillas para adentrarnos en este bonito mundo. Dice La Gata verde, una youtuber, que es historiadora del Arte, que saber de Arte te hace más sexy. (No sé, a ver si es verdad).

En fin, vamos a empezar con el tema que hoy nos ocupa, El Arte Antiguo, y en concreto el Arte Egipcio.

El Egipto Antiguo es un inmenso oasis que se extiende a lo largo del Rio Nilo, con una longitud de 2.000 Km (o sea, dos veces la distancia de España de sur a norte, que ya es decir). Pero, a su vez, la franja de tierra fértil es muy estrecha. Pese a su enorme longitud, sólo cubre una superficie de 30.000 km2. A ambos lados de esta línea verde encontramos desierto.

En la actualidad se estudian con mayor empeño los descubrimientos del Egipto prehistórico, porque suponen que aquí se hallaría el eslabón entre la prehistoria y la historia propiamente dicha. Esto se debe a que en el resto del mundo, solo se pueden estudiar estas etapas por estudios geológicos de las capas de terrenos superpuestos.

Bien, siguiendo con su situación geológica, Egipto se divide en dos; el Bajo Egipto, formado por el delta del Nilo y el Alto Egipto formado por la larga y estrecha línea de tierra fértil entre los desiertos.

¿Cómo se formó este modelo territorial?

Digamos que los primitivos egipcios vivían en pequeños clanes independientes, y que poco a poco, estos estados se fueron uniendo en dos grandes principados; el Alto, que se representaba con corona blanca, los antiguos reyes “cañas” y en el Bajo, la corona roja de los reyes “Abeja”.

Parece ser que hubo un primer Faraón que unió ambos reinos hacía el 3.200 años a.C. El Faraón Menes, y así aparece la primera dinastía.

Paleta del Rey Nar – Mer

Quizá el primer objeto más importante, o vamos a decir, clave para el periodo arcaico, es la Paleta del Rey Nar-Mer, pues es el momento en el que aparecen las dos coronas en un objeto. Y dentro de un concepto artístico es donde aparece ya completamente elaborado el sistema representativo del cuerpo humano, tan característico de los egipcios, y que serán fieles a él durante toda su historia.

Antes de comenzar con sus expresiones artísticas más significativas, debemos saber que tras la unificación del Alto y del Bajo Egipto, la evolución del Egipto faraónico se divide en tres periodos: el Imperio Antiguo (2.778 – 2.263 a. C.), que abarca las dinastías III, IV, V y VI; el Imperio Medio (2.065 – 1.788 a. C.), cuyo núcleo fundamental lo forman las dinastías XI y XII, y el Imperio Nuevo, que comienza con la XVIII dinastía y la expulsión de los hicsos (que son los invasores del oriente próximo) en 1.580 a. C., que como he dicho, habían invadido el país en 1.730 a. C.

Bueno, pues ya sabemos que esta etapa se divide en tres. Imperio Antiguo, Imperio Medio e Imperio Nuevo.

Vamos a comenzar con la Pintura:

Aquí llegamos a la curiosidad que os hablé en el audio (texto) del Arte Prehistórico, donde os comenté si pensábamos que esta forma de representar el cuerpo humano se situaba siempre de perfil. Pues bien, ahora vamos a descubrir sus características representativas.

Creemos que están de perfil, pero si nos fijamos bien, entendemos que cabeza y piernas sí están representadas de perfil, pero el torso está dibujado de frete. La curiosidad no termina aquí, si somos más quisquillosos y seguimos analizando el dibujo, veremos que tanto los pechos femeninos como los pezones están de perfil. (Curioso ¿no? Torso de frente, pezones de perfil).

Otra rareza la encontramos en el rostro dibujado de perfil, donde el ojo lo pintan de frente. Y por último, si nos fijamos en los pies, siempre los representan de perfil pero (y esto ya sí que es raro) pintan los dos pies iguales, quiero decir, con el dedo gordo delante. O sea, que si representan el dibujo mirando hacia la izquierda, pintan los dos pies como si fueran el derecho.

Demasiadas curiosidades, para que siempre las pinten igual y esto no tenga un motivo ¿verdad? Se especula que los egipcios intentaban dibujar lo representativo, la forma que daba más información o la que era más estética. Una forma de representar la realidad completamente distinta a la nuestra.

Quizá esto esté estrechamente relacionado con la diferencia de fines que inspiró sus pinturas y bajos relieves.

Pintura Egipcia

Igualmente ocurre con los demás motivos pictóricos: Si representamos una zona de agua y plantas, como podría ser un estanque, buscaríamos un punto de vista que nos diera la perspectiva más relevante de lo que queremos pintar. Pero los egipcios, por ejemplo, los árboles solo podían verlos de lado, o normalmente los veían así, y el agua de un lago, por ejemplo, la veían desde arriba, con lo que cuando pintaban un paisaje entremezclaban las dos perspectivas sin que esto les preocupara. (O sea, el árbol de perfil y el agua desde arriba)

Si dibujaban peces o aves en el agua, siempre lo hacían de perfil, porque entendían que si les daban una perspectiva vista desde arriba, difícilmente podrían reconocerse.

Esto me lleva a pensar que muchos dibujos que realizan los niños y las niñas, aplican los mismos principios.

Pintura Egipcia

Así que podemos deducir que el arte pictórico egipcio, en todo este tiempo, 3.000 o 4.000 años, no pretendía pintar lo que el artista veía, sino lo que entendía como más representativo de lo pintado. Y por esta regla de tres, si lo que pintaban era muy importante, pues simplemente lo hacían más grande, como por ejemplo, si pintaban al faraón y a un súbdito, este último era de una escama bastante inferior en comparación con la que pintaban al faraón.

Esto es un descubrimiento maravilloso para poder deleitarnos con estas pinturas, ya que sabiendo esto, dejamos a un lado nuestros prejuicios sobre perspectivas y nos preocupa menos la verosimilitud. (Además entendemos que existe un método y eso siempre nos posiciona).

A rasgos generales, y para terminar con la pintura, podría deciros que en el mayor de los casos, fue sobre todo simbólica, funeraria y religiosa. Podríamos decir que es un preferente a las pinturas al fresco o al temple. También forma parte de la pintura los bajos relieves (que pueden estar cercanos igualmente a la escultura, pero suelen englobar en la pintura. Al final no deja de ser un dibujo tallado). La mayoría de las obras se adentraban en el ámbito funerario, y aquí describen escenas heroicas de los faraones y/o de ofrendas hacia ellos. En tumbas civiles era más corriente encontrar representaciones más cotidianas como la caza y la pesca. Y esto ha servido para entender esas vidas, pero también la vegetación y animales que existían en aquel entonces en Egipto.

Vamos a pasar a la parte arquitectónica.

En las dos primeras dinastías, sus faraones y realeza, eran enterradas en el subsuelo,

A ver, en esta etapa hablamos mucho del culto funerario, pero es que prácticamente todo lo que se hacía, que le pudiéramos dar un contexto artístico, está basado en esto. O al menos es lo que ha perdurado. Porque es cierto que a menor escala, si que existen motivos decorados de utensilios cotidianos, como bajillas talladas o pintadas, pero quizá tienen menos relevancia. Lo que sí creo que es importante saber, de estos elementos, es que Menes, este primer faraón del que hablamos antes, el que unió ambos reinos y que formó la primera dinastía, es quien fomenta que estos elementos estén decorados. Es él quien impulsa el objeto bello, digámoslo así.

Bueno, a ver, seguimos con la arquitectura; como decía, en las dos primeras dinastías, sus faraones y realeza, eran enterradas en el subsuelo, a diferencia de la tercera dinastía que comienzan a hacerlo en hipogeos elevados. Los hipogeos eran las excavaciones que se hacían bajo tierra para enterrar a los muertos y estas evolucionan y comienzan a realizarlas en el exterior. Cuando ponían una de estas construcciones encima de otra, las llamarón Mastabas.

Con la tercera dinastía se crea una gran trasformación en Egipto y es aquí, donde los y las historiadoras, hablan del llamado Impero Antiguo.

Quizá por un cambio significativo en la religión, donde Ra coge protagonismo frete a Osiris, estas mastabas funerarias se transforman en pirámides. Finalmente, una pirámide no deja de ser una evolución de las mastabas y esto se puede ver en el primer intento de construcción piramidal, como es la conocida pirámide escalonada del Faraón Zoser. También piensan que fue como una especie de prototipo para las Pirámides de Guiza.

Bueno, ¿qué fin tenían las pirámides? Pues tenían varios, por una parte, era un espacio destinado al ámbito funerario. Por otra, se realizaban con esta forma porque se pensaba que la punta piramidal, conectaba directamente con el dios Ra. Y por último, era una manera de confundir, en su laberinto interno, a los saqueadores de tumbas.

Si hablamos de pirámides, debemos nombrar las de Guiza; de los Faraones Keops, Kefren y Micerino. Están situadas en el bajo Egipto y sólo se encuentran en esta área. Cuando la corte se trasladó a Tebas, se construyeron algunas más, pero pronto se adoptó el sistema de excavar las sepulturas en la roca. (Y ahí está el conocido Valle de los Reyes).

Por lo tanto, las Pirámides, no son más que tumbas reales del Antiguo Imperio. (O sea, de la tercera dinastía).

Pirámides de Guiza y Esfinge

Como curiosidad os diré que la mayor de ellas es la de Keops, que ocupa una superficie de 48.000 metros cuadrados y se eleva 146 metros de altitud. Sus enormes piedras, están tan perfectamente colocadas, que no podrías introducir ni la hoja de una navaja entre ellas. Y otra curiosidad es que para sus construcciones, los egipcios ya usaban la proporción del número Pi.

Antes de pasar a la escultura egipcia, me gustaría aclararos que, por ejemplo, el templo de la Esfinge, otra de las construcciones más imponentes y conocidas, se realizó, partiendo ya de una montaña y era una dependencia del sepulcro del faraón, en su morada exterior accesible. (70 metros de longitud y 20 metros de altura).

La zona se ha reconstruido y nos ofrece ver, la estética que podría tener el lugar, con las pirámides al fondo y la ciudad a sus pies.

Claro, que dentro de la arquitectura egipcia son las pirámides los elementos más conocidos, pero de igual manera, los templos son verdaderas maravillas, como el de la Reina Hatshepsut, en Deir el-Bahari. En una zona, junto a una enorme montaña, donde se entremezcla el templo exterior, con fragmentos de estatuas, pórticos y columnas, con el tallado y excavación en la propia roca. Fue construido en la XVIII dinastía.

Cualquiera de los templos que siguen en pie, son dignos de estudio. Pero para terminar con este apartado, os citaré el espectacular templo que edificó Ramsés II (bueno, el no lo hizo, seguro… mandaría a hacerlo, claro). El de Abu-Simbel, en la Baja Nubia. Excavado en el gres de la montaña frente al Nilo. Y podemos ver a cuatro colosos sentados de más de 20 metros de altura que custodian la puerta de entrada. Por desgracia, este tempo, aunque se mantiene, no se encuentra en su lugar de creación, porque al estar cerca del Nilo y la construcción que se hizo posterior de una presa, amenazaba la arquitectura con quedar bajo el agua, así que pieza a pieza, bloque a bloque, se trasladó a otro sitio. Pero no deja de ser una imponente obra maestra.

Templo Ramsés

Entre la arquitectura y la escultura, se encuentran los famosos Colosos de Memnón. Son en realidad dos esculturas de unos 20 metros de altura talladas en un solo bloque de gres. Representan a Amenofis III y subsiste como único vestigio del inmenso templo funerario dedicado a su nombre. Éste se encontraba al oeste de Tebas. Del templo no queda nada, se supone que porque fue construido con ladrillos para que fuera más rápida su construcción.

Ha llegado el momento de entrar en la escultura:

Aunque ya hemos hablado de ella, porque de alguna forma, una parte está estrechamente ligada a la arquitectura.

La escultura egipcia, a grandes rasgos, era bastante elaborada, de un refinamiento sutil y elegante. Se conservan muchas de las últimas dinastías, pero quizá por su antigüedad, una de las más importantes sea la que se encontró en el templo de la pirámide del faraón Micerino. Donde podemos verlo a él de pie, junto a su esposa.

Los materiales usados en el antiguo Egipto son menos duros que los de sus últimas dinastías. Aquí usaban madera, piedra caliza y estaban pintadas y policromadas, mientras que más adelante, se también se usan metales. Es una etapa en la que no intentan embellecer al modelo, sino plasmar la realidad. Y esto cambia un poco en dinastías posteriores, donde se intenta esculpir la belleza.

La escultura egipcia, en general, tenía un fin religioso y  al igual que en la pintura y la arquitectura, el estilo apenas cambia en 3.000 años. Existe una especie de regla, que hemos denominado “ley de frontalidad” y por ello, casi siempre, estas imágenes son representadas de frente y tenían un especial énfasis en la simetría.

Una curiosidad es que se evitan los salientes, pegando los brazos a los cuerpos y también los pies al suelo. Por eso son tan rígidas. En realidad, lo hacían por una cuestión de durabilidad, o sea, para que no se rompieran. Porque todo el arte de esta época, está ligado a la vida después de la muerte.

Escultura Menkaura

Por otra parte, y al igual que en la pintura se puede observar el respeto jerárquico, y esto hacía que las personalidades más importantes, estuvieran esculpidas a mayor escala.

En el imperio medio y nuevo, las expresiones en las esculturas toman más importancia, digamos que las humanizan. Incluso tienen un momento de cambio significativo, con la gobernanza del Faraón Akenatón, de la decimo octava dinastía. Éste era la pareja de Nefertiti, a la que hizo reina consorte. Y conjuntamente, le dan un vuelco inesperado a la religión, creando la primera religión monoteísta, adorando al dios Atón. Y esto hace que toda la expresión artística del momento cambie.

Finalmente, este cambio repentino, dura poco tiempo, ya que los sacerdotes se revelan y finalmente con la llegada del hijo de Akenatón, el faraón quizá más conocido, Tutankamón, la religión vuelve a lo que era antes del reinado de su padre y con ello, los estilos clásicos artísticos. De nuevo las esculturas toman frontalidad y rigidez.

No es que cambie demasiado con Akenaton, eran como con las líneas más curvas, y no buscando la belleza. No sé ni si realmente buscaban lo real. A ver, a lo mejor digo una barbaridad, pero las pinturas y las esculturas de la etapa de Akenatón eran como más caricaturescas.

Akenaton y Nefertiti

En fin, siguiendo con las esculturas, podríamos decir que existen muchas y de muchos tipos, sarcófagos, tumbas, esculturas que precedían las entradas de los templos, las esculturas que se hacían como doble del difunto, para colocarlas en la falsa cámara sepulcral, con el objetivo de engañar a los saqueadores. Pero me gustaría nombrar una, que tuve la suerte de ver, cuando visité la ciudad de Berlín; el Busto de Nefertiti. Y ya que hemos hablado de ella, pues por qué no seguir con su famoso busto.

Es de piedra caliza con estuco pintado, y se cree que fue Tutmose quien lo realizó, allá por el 1.345 a.C. (se cree que fue este artista, porque el busto se encontró en su taller de Armana). Mide unos 48 centímetros de alto y pesa unos 20 Kilos.

La cara es completamente simétrica y casi intacta. Le falta el ojo izquierdo que era, se supone, al igual que el derecho una piedra de cuarzo insertado. También le falta el característico Ureo (la Cobra de la corona). Y tiene rota una oreja. Con todo ello, no deja de ser una obra de arte bella y estilizada, de estilo clásico. Quizá, incluso contradictorio al estilo de arte que se hacía, digamos extravagante, durante su propio reinado.

Se desconoce la función exacta del busto, aunque, incluso  se cree que el busto pudo haber sido el modelo del escultor para ser utilizado como base para otros retratos oficiales, conservados en el taller del artista.

Busto de Nefertiti

Bueno, resumir 4 o 5.000 años de historia artística en 25 minutos que durará más o menos el programa, es complicado, pero como he dicho al principio de este texto, esto solo es una aproximación a esta etapa de la historia del arte.

Un momento enigmático de la historia, pero como ya hemos visto, su arte, como en muchas de las etapas de la historia del arte, fue utilizado, en su mayoría de las veces, para el engrandecimiento del poder y la religión.

Eso no quita que podamos hoy día, estudiarlo, valorarlo, comprenderlo y sobre todo admirarlo y deleitarnos, con esas maravillosas creaciones. Y también, jugar a su entendimiento de la representatividad, que me ha parecido muy interesante. (Y espero que a ti también te lo haya parecido).

Jorge Barroso “Bifu”

FORMATO AUDIO IVOOX: 1×27 HISTORIA DEL ARTE 3: Arte Antiguo (Egipto) en La Habitación Semihundida en mp3(22/02 a las 10:05:39) 33:58 65773416 – iVoox

EL ARTE DEL SONIDO

El sonido en sí es una sensación o impresión producida en el oído por un conjunto de vibraciones que se propagan por un medio elástico, como puede ser el aire. El sonido reconocible para las personas, quiero decir, para que seamos capaces de escucharlo, necesita un mínimo de vibraciones por segundo, y éstas deben comprenderse entre 20 y 20.000 hercios o vibraciones por segundo.

El sonido en sí, tiene cuatro cualidades;  

La altura, que es la diferencia entre sonidos grabes y agudos y tiene que ver con la frecuencia de la onda.

La duración, que se refiere a los sonidos largos o cortos y reside en la persistencia de la onda.

La intensidad, fuerte o débil. Y ésta depende de la amplitud de la onda.

Y el timbre, que es la diferencia entre los sonidos.

Todas las personas entendemos que la música es un Arte sonoro indiscutible. Partiendo de que el arte es un estimulador de emociones, hoy sabemos que ciertas notas musicales activan directamente flujo cerebral que nos estimula unas u otras emociones. Por ejemplo, entendemos que existen notas que nos transportan a la tristeza, la melancolía, como pueden ser las llamadas menores. Las mayores, sin embargo, nos estimulan alegría. (Como siempre digo, y al igual que la estética, no en todos los lugares del mundo tenemos la misma cultura, y por lo tanto, el sonido no genera lo mismo en un lugar del mundo u otro).

 He leído en la página web Cultura Científica, un artículo escrito por Almudena M. Castro (Pianista, licenciada en Bellas Artes y graduada en Física) que dice que “la aparente bipolaridad de la música Mayor-menor, es relativamente reciente, para empezar. Incluso dentro de la tradición occidental, existen siete modos distintos que se vienen utilizando desde tiempos de la Antigua Grecia —y puede que incluso antes: existen indicios de que la música sumeria ya utilizaba un sistema similar basado en escalas de siete notas. Cada uno de estos modos, tradicionalmente, se ha asociado a distintos usos con sus propias connotaciones emocionales. Y, si nos alejamos un poquito de Europa y su legado, el abanico se amplía aún más: encontramos escalas pentatónicas, octatónicas, escalas con microtonos o escalas que dividen el rango sonoro en más o menos unidades iguales (como la escala cromática occidental, de 12 semitonos)”.

 Yo no soy músico y algunas de estas cosas se me escapan, pero parece ser que una cosa que nos une en cualquier parte del mundo es que las músicas que se practican, tienen escalas. En ese caso, la emoción que pueda trasmitir esa combinación es más difícil de detectar, o de concretar.

 O sea, que partimos del sonido para hacer notas y de las notas, escalas. Con ellas conseguimos unirlas de tal manera que se crea música. Pero si nos separamos de esta búsqueda de emoción por la nota concreta o las escalas compuestas e indagamos otros valores del sonido, podríamos encontrar otras cuestiones como la originalidad, el proceso, quizá incluso la estética del sonido, cómo fue éste generado… Entonces podríamos encontrar dentro de él, el arte del propio sonido.

 En este texto, no vamos a hablar de música, sino de sonido artístico. ¿Pero qué es exactamente esto?

Esto de lo que he terminado hablando, el arte del sonido,  se comenzó a poner en práctica a principios del Siglo XX con el Futurismo y el Dadaismo. Aunque la música como sonidos, incluso, no concebidos como música, que es lo que pretendían estos movimientos de vanguardia, ya era algo que practicaban nuestros ancestros desde la antigüedad y usaban estos sonidos para diferentes cuestiones.

 En Egipto, Mesopotamia y Grecia, incluso le llegaron a atribuir dioses; Osiris, Apolo u Orfeo. Digamos, que estos sonidos ordenados, comienzan a entenderse como música. Aparecen los primeros escritos en piedra. Y Píndaro teoriza sobre la música en el siglo VI a.C.

 Podríamos decir que la música, o el sonido al que se le designa un fin, viene acompañando a la humanidad desde el principio de su historia, y éste ha tenido siempre, el poder intrínseco de arrancarnos sensaciones psíquicas, como ya he dicho, pero también, reacciones físicas, tales como cambios en la presión arterial, en el ritmo cardíaco, escalofríos e incluso lágrimas.

 La música tiene un poder comunicador, que no vemos de una forma tan obvia en otras disciplinas artísticas.

Estaréis de acuerdo conmigo, cuando digo que hemos podido ver más personas emocionadas, gritando, llorando o saltando eufóricas en un concierto, que en una exposición de pintura o en una obra teatral. (Y no digo que estas otras expresiones no tengan ese poder, pero está claro, que se aprecia menos).

 A ver, vamos por parte; el sonido siempre necesita de algo que lo haga nacer, con lo que es normal, entender las propuestas musicales artísticas siempre en relación con otras. Esta relación, no es nada nuevo, y en un concepto más cercano a la música, los griegos englobaban en el mismo saco, danzas, poesía, recitales y música. En nuestro tiempo, podemos ver canciones que llevan letras, espectáculos de danza que sin música serían incomprensibles, pero también un creciente interés en la mezcla de lo visual y lo sonoro con otros fines distintos.

 A principios del siglo XX es donde podemos ver en este aspecto, un cambio radical. Es donde los nuevos movimientos de vanguardia, huyen de los sonidos melódicos, ejercicios virtuosos o instrumentos clásicos al uso y comienzan la búsqueda de las nuevas experiencias artísticas sonoras.

John Gage

De este tiempo, podemos hablar de John Cage, un compositor nacido en Los Ángeles el 5 de septiembre de 1912. Teórico musical, artista, filósofo y pionero en la música aleatoria, la música electrónica y el uso no estándar de instrumentos musicales. Toda su última etapa, a partir del año 51 basa sus trabajos de composición en un antiguo texto chino sobre los elementos cambiantes.

Quizá su composición más conocida es la de 4´33´´. Tres movimientos que se interpretan sin tocar una sola nota.

Curiosamente, sus primeras composiciones la creó en Mallorca, basándose en teorías y procesos matemáticos. Aunque el resultado no le interesó demasiado y las dejó atrás. Cage decía que le faltaban “atractivo sensual y poder expresivo”.

 Fue un compositor que, al igual que sus compañeros de movimiento, le interesaba el azar y lo inesperado, pero la improvisación, le parecía una forma de trabajo en la que inevitablemente, existían las preferencias del intérprete. No obstante, y a partir de 1970, el compositor encontró la forma de incorporar la improvisación entremezclada con el azar, con el fin de eliminar los gustos del compositor o intérprete. Planteaba una estructura, pero le pedía a los intérpretes que introdujeran como instrumentos, por ejemplo, plantas. Así el azar de la elección compartía lugar con la improvisación. Realizó muchos estudios, pero dicen que son extremadamente difíciles de interpretar.

Cage descubrió que el azar era una fuerza tan importante en la conformación de una composición musical como lo es la voluntad del artista, y en todas sus composiciones permitió que el azar desempeñase un papel protagonista.

Estos conceptos dieron lugar a un movimiento denominado Environment.   (Obra artística de vanguardia hecha de distintos elementos repartidos en un espacio por el que se puede transitar. “Los environments se diseñan para forzar la participación del espectador”).

Cage tenía dos reglas básicas, por una parte que el sonido ambiental pudiera ser elemento constitutivo de una composición. La otra, que una pieza de música puede existir aun sin haber sido compuesta (o sea puede ser aleatoria). Este pensamiento, que fue revolucionario en su momento, hoy día es practicado ampliamente con dispositivos electrónicos de grabación, sintetizadores… De todas formas se le reconoce a Cage el mérito de haber llamado la atención sobre la frontera intangible entre lo que es música y lo que no lo es.

Igualmente, fue un artista que indagó en las artes plásticas, visuales, la literatura y otras actividades. Como hemos podido ver en el texto de Performance o el dedicado a Marcel Duchamp, era una etapa en la que los y las artistas desempeñaban diferentes técnicas, se involucran en diferentes estilos y disciplinas.

Si estáis interesados en estos procesos, de esta época también son muy conocidos los trabajos de Wolf Vostell (Quién fue la primera persona que introdujo la televisión en instalaciones artísticas) y Nam June Paik (Artista coreano, alumno de Cage, que igualmente desarrolló mucho de su trabajo en base a la música electrónica y las pantallas de televisión).

Obra de Nam June Paik

Y si os interesa algún artista que hoy día esté haciendo este tipo de propuestas artísticas, os recomiendo a Llorenç Barber (Aielo de Malferit, 1948), uno de los grandes referentes de la experimentación sonora, y muy conocido por sus conciertos de campanas que, al oscilar, hacen audible el efecto Doppler.

Este efecto, lo planteó en 1842, el austriaco Christian Andreas Doppler, planteó la hipótesis de que la frecuencia de las ondas percibida por un observador varía cuando el foco emisor o el propio observador se desplazan. Es decir, un sonido se percibe más grave o más agudo dependiendo del movimiento del objeto que lo emite y de la persona que lo oye. La hipótesis fue probada por Ballot en 1845, para lo cual dispuso a varios intérpretes de trompa tocando la misma nota en un carro arrastrado por una locomotora. Ballot escuchó inmóvil desde un punto concreto y percibió que la nota cambiaba con el movimiento de los músicos.

La búsqueda constante de Llorenç Barber, en la naturaleza vibratoria de las cosas y el análisis de lo que se percibe, han llevado al artista a lo que denomina una “auscultación de materiales”. Barber es una pieza clave en la difusión, estudio y reinterpretación de la tradición vanguardista desde hace más de cuarenta años.

Llorenç Barber

Con estas propuestas, de las que hablamos, los límites del arte sonoro se expanden, abriendo camino a nuevas vías de expresión que se caracterizan por la interacción entre el sonido, el cuerpo humano, tecnología, expresiones visuales, escultura…

Ahora, el arte sonoro, comprende un diverso grupo de prácticas artísticas y como muchos géneros del arte contemporáneo, éste es multidisciplinar, teniendo una estrecha relación con el arte visual, la música experimental… y si tuviéramos que englobarlo en algún estilo genérico, podríamos introducirlo en el arte conceptual, el minimalismo, o el spoken Word.

Viene de la poesía o la perfopoesía y del teatro experimental. Pero finalmente ha cogido una vertiente más cercana a la instalación, o el arte plástico. Ahora vemos esculturas que generan aleatoriamente sonidos. Algo que podría estar cerca del Arte Cinético. Como es la obra de Mike Tonkin y Anna Liu del 2006, “Singing Ringing Tree” una obra escultórica, construida en forma de árbol, con tubos huecos, que al pasar el aire por ellos, genera aleatoriamente sonidos envolventes. Se encuentra en el condado de Lancashire, en Inglaterra.

Si os interesa el tema, vamos con algo de actualidad. Ya que las personas que viváis en Madrid o cerca, o viajéis estos días a la capital, podréis disfrutar de una exposición muy interesante; “Disonata. Arte en sonido hasta 1980”.

Ésta es una exposición comisariada por Maike Aden, musicóloga e historiadora del arte. Y el fin de este proyecto es analizar cómo artistas fundamentales del siglo XX, desde las vanguardias hasta sus últimas décadas, se adentraron en el sonido como campo creativo, al margen del terreno musical.

Muestra de una forma cronológica bastantes obras que vienen a explicarnos todo esto de lo que hemos estado hablando. Y podréis encontrar grabaciones, pero también pinturas, instrumentos extraños, esculturas…

Se realiza en el Museo Reina Sofía y en su página web, nos cuentan que:

“A lo largo de los diferentes movimientos de vanguardia del siglo XX, y a medida que avanzaban los procesos por los que la música se liberaba de sus propias normas, el sonido prosperó en espacios artísticos que no habían sido explorados con anterioridad, más allá de la música.

Exposición Disonata

Los fenómenos y acontecimientos audibles se convirtieron en materiales plásticos que podían procesarse vocal y técnicamente. Las artes sonoras se fueron mezclando con las visuales, por un lado, coincidiendo con el desarrollo tecnológico de los nuevos medios de registro y síntesis del sonido; y, por otro, debido al interés por los paisajes sonoros de la modernidad industrial y urbana, así como por los sonidos del cuerpo fonatorio (ruidos de la boca, juegos con soplidos y demás).

Esta exposición muestra una selección de formas, aproximaciones y casos singulares, a la vez que recoge distintas iniciativas que desbordaron las categorías predefinidas del arte moderno y contemporáneo hasta 1980.

El recorrido pone de relieve diferentes momentos cruciales: la experiencia futurista de construir instrumentos para entonar ruidos; la fascinación de los artistas visuales por el magnetófono en los años centrales del siglo XX; o los experimentos espaciales, musicales y multimedia, como el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas de 1958, dirigido por Le Corbusier y con contribuciones arquitectónicas y musicales de Iannis Xenakis con Edgard Vàrese.

Podremos ver la obra Ursonate de Kurt Schwitters (1932)—, el instrumento de Man Ray Emak Baki que se resiste a sonar  (1926), los ensayos de “música bárbara” de Karel Appel (1963), y hasta el estruendoso grito del punk que, ya en el umbral de la década de 1980, anunciaba su “no futuro””.

“Disonata. Arte en sonido hasta 1980” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En Madrid y está hasta el 1 de marzo de 2021

Exposición Disonata

Si no podéis asistir pero estáis interesados en el tema, también existe una publicación de un libro con el mismo título. Y lo podéis encontrar por internet en librerías especializadas.

Jorge Barroso “Bifu”

Archivo en Audio IVOOX: 1×26 EL ARTE SONORO en La Habitación Semihundida en mp3(15/02 a las 12:05:28) 29:00 65438792 – iVooxhttps://www.ivoox.com/1×26-el-arte-sonoro-audios-mp3_rf_65438792_1.html

WINSTON CHURCHIL Dejó su cargo de Primer Ministro por una Obra de Arte

Quería comenzar con una idea que tenía desde hace un tiempo, que consistía en contar alguna anécdota curiosa, que tuviera relación con el mundo artístico. Por aquello de no escribir siempre conceptos y análisis que, a veces, se hacen arduos o incluso aburridos, si las personas que leen estos post o escuchan los audios, no están tan interesadas en estos temas. Así que pensé que quizá, la “anécdota”, podía ser una buena aliada para aprender de una forma menos académica. Es más divertida y sobre todo se hace más ameno. No sé, espero que os guste y os interese.

Voy a comenzar este nuevo apartado con una anécdota que me pareció cuanto menos curiosa, sobre todo por el poder que puede tener una obra artística, por lo que nos puede transmitir y generar.

Cómo una persona que lleva años en  política, años en el poder, que se ve a sí mismo como un hombre fuerte y autoritario y sin embargo, debido a su edad, muchos compañeros de su partido ya le habían comentado amablemente que quizá fuera hora de ser sustituido, que quizá era el momento de abandonar el cargo y retirarse, a lo que él siempre respondía con negación, entendiendo que sus cualidades seguían intactas.

Winston Churchill

Todo esto pasó cuando el personaje del que vamos a hablar hoy cumplió 80 años de edad y como regalo de gratitud, las personas pertenecientes al parlamento británico, decidieron regalarle un cuadro, un retrato realizado por el pintor Graham Sutherland. En este cuadro Winston Churchill, personaje al que me refiero, y del que vamos a hablar hoy, encontró tristemente una verdad despiadada y con ella, su decisión de dejar el cargo de primer ministro de Inglaterra.

El 30 de Noviembre de 1954, Winston Churchill se disponía a dar su discurso, ante una audiencia de 2.500 personas, incluidos Ministros del Gabinete y líderes de la oposición. El evento, sería, incluso retransmitido por la BBC. El momento más esperado era descubrir el regalo que le había hecho la Cámara por su 80 cumpleaños; un retrato. Allí estaba el cuadro, tapado con una tela. Había expectación por ver que escondía el cuadro, porque Graham Sutherland, el pintor de la obra y con el cual, Churchill había tenido varias sesiones para posar como modelo, no le había dejado ver el proceso de la pintura.

La relación del pintor y el político se había movido entre el respeto distante y la admiración, sobre todo porque Churchill compartía el gusto por la pintura, era un gran aficionado y también pintaba, pero era receloso al estilo del pintor y no sabía cómo iba a tratar la obra. De hecho, le llegó a preguntar en su primer encuentro: “¿Vas a pintarme como un bulldog o un querubín?”, a lo que Sutherland respondió: “¡Eso depende de lo que Usted me muestre!”.

Según el historiador Martin Gilbert, biógrafo oficial del Primer Ministro, Clementine Churchill (O sea, la mujer de Churchill) le escribió a su hija Mary: “Graham Sutherland es increíble. Realmente es un hombre muy atractivo y uno apenas puede creer que los diseños salvajes y crueles que exhibe provengan de su pincel. Papá le ha dado tres sesiones y ha quedado muy impresionado con el poder de su dibujo”. Sin embargo, como ya he dicho, Sutherland les había dejado ver muy poco del proceso. Cuando al final, terminó la pintura, la retiraron sin que nadie pudiera echarle un vistazo.

Y allí estaban, en la sala. Había llegado el momento más esperado. El momento de descorrer el velo que cubría el retrato del homenajeado y descubrir la obra.

Winston Churchill en la Cámara. Atrás, el cuadro

Se quitan las telas y aparece una pintura de estilo realista, expresionista; Winston Churchill sentado en un sillón, con colores tenues, apagados, terrosos. Una pequeña pausa de silencio en la sala, al tiempo, una frase de Churchill que dice: “El retrato es un notable ejemplo de arte moderno”. Lo que despertó las risas entre el público. (Había sido una forma de eludir las sensaciones y emociones que había sufrido al ver la obra).

Aquel hombre, quien había sido, por dos ocasiones, Primer Ministro de Inglaterra, muy conocido y aclamado en ese momento por su liderazgo en el gobierno en la Segunda Guerra Mundial. Militar, historiador, escritor… quien un año antes, en el 53, había recibido el Premio Nobel de Literatura. Ese hombre que había estado por más de 50 años como hombre de estado, vio, allí sentado, en aquel sillón, a un hombre mayor, envejecido, deteriorado por la edad y la enfermedad.

La opinión generalizada era que la pintura era demasiado vulnerable y poco favorecedora para un hombre con una posición tan relevante. Se dijo que representaba más un bulldog asustado que al estadista que se había enfrentado a Hitler. Pero la verdad es que, para entonces, el Primer Ministro estaba mayor y debilitado por la apoplejía que había sufrido. Allí, no estaba la imagen que Churchill había tenido de si mismo: la del hombre de acción, el líder indomable en tiempos de guerra.

¿Para qué sirven los retratos, para embellecer la realidad o mostrar la realidad?

La crítica de arte Kristy Mac Farlane dice que “la adulación ha sido todo un tema para el retratismo desde el comienzo mismo del género. En muchos retratos hay un elemento de idealización que hace que prevalezcan las fachadas de piel suave y sin poros y los ojos que brillan rozagantes. La debilidad y la vulnerabilidad no son un rasgo definitorio, sino algo que debe ocultarse y ocultarse a través de la pintura”.  

Esto me parece poco artístico y muy enfocado al engrandecimiento de la burguesía o como en otros casos, de la aristocracia.

Parece que no se entendió la postura de Sutherland como artista. Él era un pintor que capturaba lo mejor y lo peor de sus modelos, lo que él creía y entendía como “verdad”. Esta verdad, no sólo reside en el rostro de ese instante concreto retratado, sino que también, lo encontraba en el interior de la personas. Para él representar arrugas, papadas, de igual manera, gestos y expresiones que realizaban sus modelos en las sesiones que hacía con ellos y ellas, también le hacían descubrir cuestiones de la vida de esas personas, de su personalidad y así, contaba algo más con su pintura. Me parece mucho más artístico.

Decían, las personas que pretenden que un retrato cubra fallos, que para mostrar la realidad, ya estaba la fotografía. Pero eso, tampoco es del todo cierto. Yo pienso que ni la fotografía muestra la realidad tal cual, ya que existe la subjetividad del autor o autora, ni la pintura tiene por qué, en toda su expresión, obviar la realidad, ni la objetividad de lo pintado. Como ocurre en toda obra que pretenda aspirar a ser artística, ésta debe mostrar más cuestiones que la simple visión estética. La obra artística es un cúmulo de sensaciones y no se debe usar como engrandecimiento del poder.

El profesor de Historia del Arte Simon Schama, considera que esa pintura, aunque fuese detestada o más bien, no comprendida, por la familia Churchill, realmente, representa un extraordinario homenaje. Nos dice; “Lo que Sutherland vio frente a él fue una ruina magnífica, pero no hay por qué disculparse. Recuerdo Londres en ese momento: estaba lleno de magníficas ruinas de las cuales estábamos orgullosos. Churchill dijo que lo hacía parecer un pobre infeliz. No es así. Es sólo un hombre de mucha edad”.

Cuando Churchill vio su retrato por primera vez, siendo un hombre que le entusiasmaba la pintura, que la comprendía y la valoraba, que la analizaba y respetaba, y quizá por ello, al contemplar la pintura, por primera vez en mucho tiempo, se vio a sí mismo y eso lo desubicó, lo trastocó y lo perturbó. Vio su creciente debilidad, vio a un hombre débil acercándose al final de su vida, el desgaste de la vejez.

Recreación del Cuadro (Serie The Crown)

Winston Curchill, meses después, renunció como primer ministro, concretamente el 5 de abril de 1955. Dicen que debido a su creciente mala salud. Pero no estoy del todo de acuerdo, porque Churchill murió en el 65 (o sea, 10 años después, a la edad de 91 años). Yo pienso que la toma de esa decisión fue que encontró la triste verdad en una obra de arte.

La polémica no terminó aquí. Se suponía que el cuadro debía colocarse en La Abadía de Westminster, la iglesia pegada al Parlamento, a lo que Churchill se negó.

Él murió en el año 1965 y 12 años después, murió su mujer Clementine. Entonces el gobierno reclamó la obra, para finalmente colocarla en la Abadía, pero nunca se encontró. Por testimonios del Jardinero de la familia Churchill se sabe que el cuadro fue destruido y quemado el mismo año en el que fue regalado. O sea, que la obra posiblemente durar a pocos días en la casa de los Churchill. 

Este suceso, conllevó un debate sobre ¿Quién tiene el derecho sobre la obra, el propietario, que puede hacer con ella lo que le dé la gana, o el interés público que busca preservar las obras de arte para futuras generaciones? ¿Existe una clausula de este tipo cuando compras una obra de arte? Yo no lo tengo muy claro, pero supongo que algunas obras, posiblemente, sí la tengan.

El propio Sutherland no quiso entrar en polémica, limitándose a decir que esa acción fue un acto de vandalismo.

No sé si estaréis de acuerdo conmigo, sobre el poder de comunicación, de sensaciones y emociones que movió esta obra en Churchill. En fin, espero que haya sido una anécdota que os haya gustado.

Graham Sutherland

¿Qué sabemos del Autor, del pintor Graham Sutherland?

Pues Graham era un artista inglés muy respetado. Trabajó en el ámbito surrealista con acuarelas y óleos. También pintó toda una serie de objetos y formas naturales con un estilo próximo a la abstracción. En 1936 participó en la Exposición Surrealista Internacional de Londres. Y en el 1940 formó parte de lo que llamaron Artistas de Guerra, representando en ese tiempo, las minas, la industria y los daños de los bombardeos.

Era católico y en su última etapa, tiene una estrecha relación con el arte y la religión, produciendo cuadros como Crucifixión (1946) para la iglesia de San Mateo, en Northampton, o el Cristo en la gloria (1962) para la catedral de Coventry.

Es en el 49 cuando coge fama por sus retratos, realizando uno para Somerset Maugham. Era un pintor que buscaba la verdad, y no creía en la adulación del modelo.

Y con respecto al famoso cuadro, lo único que queda de él, son bocetos preparatorios que se encuentran en la National Portrait Gallery, además de 19 estudios de bocetos de dibujos al carbón y pequeños trabajos en óleo que se exhiben en la Beaverbrook Art Gallery, en Fredericton, condado de York.

Otras cosas curiosas de este texto, podría ser el Churchill como Pintor y escritor. Bien, como pintor, podría deciros que fue un gran aficionado a la pintura. Según sus propias palabras, la pintura le daba gran placer, encontrándola como un refugio a la depresión, cuando dejó el cargo.

Se le conoce sobre todo por sus escenas paisajísticas impresionistas.

Su hija escribió un libro que llamó “Churchill, su vida como pintor”. (Aunque no se encuentra en español, si que lo tenéis en inglés). El que sí está podemos encontrar en español, es uno que escribió el propio Churchil que tituló “La Pintura como pasatiempo”. Y que el texto de contraportada, creo que describe muy bien la vida de Churchill como pintor y escritor. Y dice:

“En este pequeño ensayo Winston Churchill nos habla de su pasión por la pintura y de cómo puede influir ésta en la vida de las personas. Fuera de la vida política, Churchill fue un verdadero erudito y un historiador prolífico, entre cuyos trabajos cabe destacar la obra en dieciséis volúmenes sobre las dos guerras mundiales que le valió el Premio Nobel de Literatura”.

“Llegar a la edad de cuarenta años sin haber cogido jamás un pincel o sin haber garabateado nunca con un lápiz, pasar de considerar, con un ojo ya maduro, que el acto
de pintar es un misterio o de hallarse boquiabierto frente a la obra de un artista callejero, a sumergirse de pronto en una nueva y fascinante forma de interés y de acción con pinturas, paletas y lienzos, y no sentirse descorazonado por los resultados, es una experiencia extraordinaria y muy enriquecedora. Sería una verdadera lástima desperdiciar el tiempo libre del que disponemos arrastrándonos o agitándonos por el campo de golf o jugando al bridge, haciendo cerámica o simplemente holgazaneando […] cuando todo ese tiempo se habría podido destinar, de haberlo sabido, a un mundo maravilloso de pensamiento y arte, a un jardín soleado cuyos destellos de luz y color aguardan en el bolsillo de nuestra chaqueta.”

Winston Churchill, personaje odiado por muchos, amados por otros, pero sin duda una figura fundamental para la historia de Inglaterra e incluso la del mundo.  

Como entenderéis, sobre Churchill se ha escrito mucho, se han hecho muchas películas y documentales. En ellas lo han tratado como líder político, periodista de guerra, pero también, lógicamente, lo han tratado como una persona racista, sobre todo por sus comentarios duros sobre Palestina. Otros lo consideran un héroe de la Segunda Guerra Mundial. En fin, ya cada uno o cada una que se haga su propia idea. A mí lo que me interesaba realmente, es esta anécdota que nos vincula directamente con el poder comunicador del arte.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio: WINSTON CHURCHILL dejó su cargo de Primer Ministro por una Obra de Arte en La Habitación Semihundida en mp3(01/02 a las 09:25:10) 26:52 64708183 – iVoox

PINTURAS NEGRAS 5 de 15 (Leocadia)

Un nuevo texto dedicado a las Pinturas Negras de Francisco de Goya. Este será el quinto y como siempre digo, os recomiendo leer los anteriores, porque en ellos se tratan cuestiones históricas y artísticas que muy posiblemente, no se repitan en este audio. Así que si os apetece, los textos son Pinturas Negras 1 de Francisco de Goya, Pinturas Negras 2 (El Perro Semihundido), Pinturas Negras 3 (Aquelarre) y Pinturas Negras 4 (Duelo a Garrotazos).

Como ocurre con todas las Pinturas Negras, ésta, de la que vamos a hablar hoy, también fue pasada de revoco a lienzo en 1874 por Martínez Cubells y por encargo de Émile d´Erlanger. Su intención era exponerlas y venderlas en la Exposición Universal de Paris de 1878. Pero tras no tener demasiada aceptación y no venderlas, finalmente las donó al Museo del Prado en 1881, donde están actualmente.

Ubicación Pinturas Negras en la Quinta del Sordo

Esta pintura, estaba situada en la sala de la planta baja de la Quinta del Sordo, en la misma pared en la que se encontraba la pintura “Dos Viejos”. Debido a su ubicación, se ha especulado, si trata su representación de la figura de la mujer joven y el propio Goya, como anciano. (Al igual que el cuadro “Saturno”). Porque, se piensa, que el montículo de tierra donde apoya la mujer su brazo, podría tratarse de la propia tumba del autor. A mí me extraña una mujer apoyada de esa manera en una tumba, pero lo veremos más adelante.

El cuadro se llama realmente “Una Manola; Doña Leocadia Zorrilla”, aunque comúnmente se conoce como Leocadia.

El análisis oficial nos habla de que la pintura, efectivamente, nos muestra el retrato de Leocadia Zorrilla, la que fuera amante de Francisco de Goya en sus últimos años de vida.

Leocadia, fue criada por su tía Juana Galarza, (tras el fallecimiento de sus padres). A su vez, su tía era la madre de la nuera de Goya, o sea, que la hija de Juana Galarza se casó con el Hijo de Francisco de Goya. De hecho, se piensa, que fue en la boda del Hijo de Goya, donde Leocadia, siendo una niña de 16 años, y el Pintor de 59, se vieron por primera vez.

A los 18 años de edad, se casa con el comerciante Judío Alemán Isidoro Weiss. Este matrimonio no dura demasiado, pero sí le da a Leocadia tres hijos; Joaquín, Guillermo y Rosario.

Dos años después del nacimiento de Rosario, Isidoro Weiss parece que denuncia a Leocadia por infidencia, trato ilícito y mala conducta, añadiendo que era de genio “altanero y amenazador”, o sea, “chula y castiza” o si lo prefiere “maja y manola”.

Por ese término, se dice que en el cuadro se puede ver una “manola” vestida de luto apoyando su codo en un montículo de tierra.

(Parece ser que una manola era una joven habitante de barrios populares de Madrid, principalmente del siglo XVIII, que se distinguía por su traje, porte y desenfado. Esto es lo que viene en el diccionario, lo he buscado, porque no conocía la palabra, ni entendía porque se llamaba así; manola).

La pintura, al tener también esa verja en el fondo, una verja similar a las que se colocaba en las tumbas, la representación que se le ha dado a esta pintura es que podría tratarse de la propia tumba del pintor y que Leocadia, vela como su viuda. (Después volveremos a este punto, para ver otras reinterpretaciones que, como estamos tratando en todos estos programas sobre las Pinturas Negras, están más enfocadas a reinterpretaciones sociales y políticas).

Efectivamente Leocadia, fue amante de Goya. La situación de Goya en ese momento era que su mujer Josefa Bayeu había fallecido en 1812 y Leocadia entro en su hogar como ama de llaves, trasladándose a la Quinta del Sordo con sus dos hijos pequeños, Guillermo y Rosario. (Y más tarde a, también Burdeos).

Se ha llegado a especular, si Rosario fue hija de Goya. Esto no se sabe, pero sí os diré que Rosario fue pintora; María del Rosario Weiss Zorrilla. Y que pintó bastantes cuadros interesantes. Tanto es así, que algunas de sus obras se le habían atribuido erróneamente a Goya. De hecho, aun no se está del todo seguro de si, por ejemplo, “La Lechera de Burdeos” es un cuadro de Goya o de Rosario.

Por desgracia, Rosario murió joven, a la edad de 28 años.

Para introducirnos más en la temática que nos concierne, debemos saber que Leocadia viajó con Goya a Burdeos. Que era una mujer igualmente perseguida por el régimen absolutista de Fernando VII, por sus conocidas ideas radicales, lógicamente, por ser compañera de Goya (igualmente perseguido) y también, porque su hijo Guillermo estuvo afiliado a la Milicia Nacional (Infantil) durante el Trienio Liberal. En este punto, también cabe destacar que sus tíos, quienes la criaron, de igual manera, en 1823 tuvieron que refugiarse en Francia, pues habían mostrado compromiso con la política de los Liberales.

Así que quizá el cuadro no nos habla de una tumba, ni la muerte del autor. De hecho, si volvemos, como siempre, a estudiar los negativos de las fotografías realizadas antes de la restauración y las radiografías de la pintura, podremos deducir que en un inicio Leocadia se encontraba apoyada en la repisa de una chimenea y no en un montículo de tierra. Con lo que la imagen coge un tono más burgués.

Radiografía del Cuadro Leocadia

Leocadia siempre había querido formar parte de la clase de los intelectuales burgueses, sin embargo ahora, se encontraba exiliada, apartada de su Madrid capital y quizá por ello, Goya rehízo la pintura y la situó en el exterior. Desde ese lugar exterior de la casa, se podía ver al horizonte la zona centro de Madrid.

Así que podemos comenzar a reinterpretar de nuevo la pintura. Sí, Leocadia parece melancólica, pero no por el túmulo funerario. Desde mi punto de vista, esto es poco verosímil; una montaña de tierra representando una tumba, o más bien, la tumba del autor. Su posición, su actitud, su vestimenta, nos dicen que difícilmente su melancolía venga de ahí. Quizá represente más una añoranza por la situación que vivía en ese momento, una melancolía por la impotencia de sentirse oprimida por un régimen absolutista, muy contrario a sus ideales…

Por una parte, en las fotografías de James Leurant, se puede observar que a Leocadia, la cubre por completo un velo transparente, cosa que se pierde en la restauración, donde solo parece cubrirle el rosto. Además, existe transparencia en la zona de los pechos, donde igualmente, en el proceso de restauración, este elegante y sutil efecto pictórico, desaparece. Y este detalle, además de ser sutil y elegante, también nos cuenta intenciones del autor.

Negativo de la Fotografía de Laurent

A su vez, tenemos esa especie de tocado trenzado que también se puede observar en los negativos. Este detalle, al igual que los pechos desnudos o blancos e iluminados, son  elementos recurridos por Goya para escenificar y hacer una alegoría de la Verdad y la Razón. Algo que se puede ver en su producción gráfica y calcográfica de posguerra. De igual manera, este cuadro tiene relación directa con Saturno y Judith y Holfernes, que ya veremos cuando les toque su turno. Pero sí os diré que en este último, su protagonista, Judith, responde con su gesto a la actitud que el pintor representó en la figura femenina de su dibujo “Divina Razón. No deges ninguno” de 1820 – 1823. (Si queréis alguna referencia de estos conceptos la podéis comparar con algunos de los grabados de la colección Los Desastres, el cuadro “Murió la Verdad. Si resucitará?” 0 “Esto es Verdadero”).

Existe algún detalle más, como los pompones blancos de los zapatos de Leocadia o sus labios pintados de rojo. (Esto nos lo describe Pierre Léonce Imbert, otra de las personas que en su momento retrato y describió las Pinturas Negras cuando aún estaban en la Quinta del Sordo). Aquí tenemos que tener en cuenta, que el color rojo, igualmente, es un signo para Goya en las Pinturas Negras y que lo aplica para distinguir personajes directamente relacionados con el sector liberal que defiende la Constitución de Cádiz de 1812.

Por si es de vuestro interés, mucha de la información que expongo en estos textos, se encuentra en el Libro “Goya al Descubierto en las Pinturas Negras y El Coloso” de Carlos Foradada, que es un gran estudioso del tema. En este apartado, concretamente, nos dice que para Goya, “el color rojo en las Pinturas Negras, tiene una clara intención, dado que dicho color figura únicamente en cuatro obras: La Leocadia, Saturno, Duelo a Garrotazos y Asmodea. Si en Saturno la sangre emana de la figura alegórica de la Verdad, en Duelo a Garrotazos la sangre cubre el cuerpo del personaje liberal apaleado. En Asmodea veremos que la figura femenina que se oculta bajo un manto rojo representa el ostracismo de la España constitucional camino del exilio en 1823. Por estos motivos, el sorprendente color rojo en la boca de Leocadia tiene las mismas connotaciones en su identidad, de modo que representa una posición similar con respecto a la Constitución de 1812, para representar con su gesto melancólico la misma pérdida de las libertades, pero en este caso la acaecida en 1814, dado que se ubica en el inicio del relato que conlleva la serie”.

Esto nos cuenta Carlos Foradada, y es muy interesante por varias razones; una porque nos da una clave para entender la pintura desde otro punto de vista, pero a su vez, nos está diciendo que en toda la colección de las Pinturas Negras, existe una relación y que en su conjunto, nos cuenta un relato. Este concepto en concreto, lo estudiaré un poco más y os lo expondré, supongo, que cuando hayamos analizado todos las pinturas.

Para mí es muy interesante, porque si la intención de nuestro colectivo es la reinterpretación de estas obras de una forma performática, la tesis de Carlos Foradada, nos está ofreciendo un orden expositivo y de igual manera, una historia, una dramaturgia. Además de una reinterpretación de estas pinturas mucho más concreta, más documentada. Al menos, nos está haciendo que indaguemos cada vez más en esta serie y que no nos quedemos con una primera interpretación freudiana, ambigua y quizá, incluso, simple.

Como sabéis las personas que hayáis leído los textos anteriores dedicados a las Pinturas Negras, desde el colectivo y como fin de una residencia de trabajo artístico que hicimos el año pasado, estamos intentado darle una propuesta escénica a estas obras. Decimos que estamos haciendo una retrospectiva performática de las Pinturas Negras. Llegamos a realizar 4 piezas; una reinterpretación de la figura femenina del cuadro El Aquelarre, la pintura Duelo a Garrotazos, el Perro Semihundido y también realizamos una, basándonos en la enfermedad que sufrió Goya, la sordera. Ninguna de estas piezas definitivas, simplemente propuestas primarias de los primeros impulsos creativos. (Aunque eso sí, algunas de ellas, ya tienen un premio en el Festival Internacional de las Artes de Valladolid).

Performances en torno a las Pinturas Negras

Nuestra intención es continuar con las demás piezas, hasta llegar a tener el total esbozado, y finalmente, plantear la obra completa. Pero bueno, todo esto irá poco a poco, según vayan sucediendo las cosas. Mi intención, no es montar un proceso de obra al uso; ensayos, estructura planificada de guión, etc. Sino que las piezas vayan surgiendo del trabajo común, de las reuniones y residencias que podamos tener. Y si finalmente, hemos tenido la oportunidad de desarrollar todos los conceptos de todas las piezas, entonces sí, realizar una propuesta final.

En fin, muy interesante este cuadro ¿no? Un ejemplo de cómo una imagen, a priori, simple; una mujer apoyada en un túmulo de tierra, puede tener esas connotaciones  históricas, sociales y políticas.

Jorge Barros “Bifu”

Texto Leocadia en formato Audio: 23×1 PINTURAS NEGRAS 5 (Leocadia) en La Habitación Semihundida en mp3(25/01 a las 10:22:13) 23:29 64405387 – iVoox

PERFORMANCE Qué, Cómo, Cuándo…

Dentro del arte, existen cosas difíciles de definir. Es complicado obtener un significado que nos consensue una idea, un estilo, una tendencia… ¿Cuándo podemos decir que una tendencia o un movimiento artístico ya está asentado como para considerarlo eso mismo, un estilo o movimiento artístico?

A veces decimos que aquello que se ve por primera vez y que al tiempo, ha creado tendencia y en consecuencia, otras personas comienzan a realizarlo, pues podría ser vanguardia, concibiéndose más tarde como un estilo. Otras, porque se teoriza sobre algo que ya se hacía, pero que en ese preciso momento se han encontrado sus valores, su fórmula y en consecuencia un método. También han surgido estilos de la mezcla, del encuentro de diferentes disciplinas o géneros.

Pero ¿Cuándo realmente, esa unión se convierte en algo único y en consecuencia en un nuevo estilo, un nuevo género o incluso, en una nueva disciplina considerada artística? Hoy día la fotografía o el cine, no nos cabe duda que son ramas artísticas, sin embargo, la floricultura o la elocuencia (que lo eran en un pasado) han dejado de serlo. ¿Cuándo se dictamina que ha nacido una nueva disciplina artística?

Yo pienso que cuando la disciplina o el estilo, realmente cogen valores, condiciones y por lo tanto, reglas. Sí, reglas. Reglas que imponemos en los momentos en los que acotamos ese estilo en concreto para que obtenga esa entidad o ese título como estilo, gremio, movimiento… (Comienzo a pensar que el arte no es tan ambiguo. Quizá incluso, no sea tan libre).

Cuando haces arte, cuando lo practicas o lo observas, finalmente, te acoges a un estilo para poder valorarlo, criticarlo, disfrutarlo, entenderlo, desarrollarlo… Por ejemplo, si vemos una persona que realiza una secuencia de movimiento corporal, podríamos entender que está haciendo danza y según la ejecución de su técnica, entendemos que puede estar utilizando la clásica, la contemporánea, flamenca, jazzística, hiphop… Y para obtener más valores, la puede acompañar de música, escenografía, vestuario… y todo ello nos ofrecerá un conjunto reconocible, por ejemplo, hemos visto un ballet clásico. Y de esta manera comienzan a trabajar nuestros gustos, conocimiento, conceptos sicológicos y, finalmente obtenemos la valoración.

El hecho de cambiar el vestuario típico de ese estilo, o desvirtuar un poco la música, no quiere decir que estemos viendo otra cosa. O sea, que la propuesta mantiene sus reglas, digamos con un añadido distinto, un adorno. Pero seguimos entendiendo que hemos visto un ballet clásico. En consecuencia podemos seguir valorándolo, criticándolo.

Performance Joseph Beuys

Pero ¿Qué ocurre cuando nos encontramos con esto de lo que vamos a hablar hoy? Un estilo muy interesante, porque busca desbancarte de tu espacio de confort, donde conoces todos los parámetros iniciales para disfrutar o entender la propuesta y en consecuencia te trastoca, te cuestiona y te derriba. Hablamos del Performance. Pero, el performance ¿tiene reglas?

Al creer que existe libertad para exponer una performance, vemos una y otra vez (por desgracia demasiadas veces) verdaderas pamplinas repetitivas, conceptos o piezas muchas veces vistas.

Y me diréis; ¿Pero una persona que pinte cuadros y haga un estilo realista o romanticista se repite igualmente ¿no? Pues sí, pero el valor heterogéneo, el que está más al alza en esa disciplina (por ejemplo en el realismo), sería la técnica. O sea, que si el pintor, aunque repita una y otra vez aquello que surgió a mitad del siglo XIX, si realiza bien la técnica, podemos valorar el cuadro positivamente, pues como ya digo, su valor más al alza sería la técnica. Luego intervendrá el motivo pintado y otras cuestiones que sigan subiendo la obra a la zona artística.

Pero en esta disciplina en concreto (La performance), su valor heterogéneo más al alza sería lo subversivo, la ruptura. Por ello, si ese valor, el más importante, no lo obtiene, porque la propuesta no deja de ser una copia de otras anteriores, por supuesto que no nos motiva y no nos sorprende. Si además carece de emociones, de técnica y su segundo valor más importante (el concepto), es banal, pues lógicamente, eso que estamos viendo, no podríamos categorizarlo como arte. No nos estimula, y la indiferencia dentro del arte pienso que no existe.

El problema, es que por tendencia, muchas cosas se presentan de este modo, pensando que es moderno, o una rama fácil, pero nada más lejos de la realidad, es algo que ya viene de los años 60 y su realización es compleja.

Por otra parte, algunas veces, mal usamos (me incluyo) esta palabra para categorizar o hablar sobre una pieza, un show, una acción, que no son un performance.

Allan Kaprow

Pero ¿Qué es un performance?

En realidad, es algo que viene del Happening y Allan Kaprow, para muchas personas, codificador de este fenómeno, lo determina como “una forma de arte relacionada con el teatro que se lleva a cabo en un tiempo y un espacio dado. Su estructura y contenido son la extensión lógica de los entornos”.

El propósito es implicar al espectador, al propio cuerpo del espectador dentro de la obra. Pero sobre todo es una propuesta donde el público no se limita simplemente a mirar.

Esta era una alternativa al arte al uso y que comienza a aparecer en los años 60. Pero el Happening dará sus frutos años más tarde, cuando se rompe definitivamente con la noción de marco. Entendiendo marco, como la acotación de la obra.

Happening Allan Kaprow

Nos habla Estrella de Diego en su libro “Arte Contemporáneo II” (Lo recomiendo, e igualmente recomiendo el I, escrito por Alberto Villar, este más enfocado a la primera etapa contemporánea. Pero no dejan de ser libros de comprensión sencilla, sin demasiados tecnicismos que a veces nos sacan de la materia, por la forma de escritura pomposa. No sé, al menos a mí, se me hicieron muy amenos de leer). Como decía, Estrella de Diego, nos dice que en el Happening quería, además de jugar con el azar y lo inesperado, animar al público a desencadenar eso mismo, lo inesperado, con su consentimiento, o incluso mostrando indignación. Y aunque poco a poco estas actividades se irían convirtiendo en performances, esto dio la posibilidad de armar obras de arte que influirían, de alguna manera, en prácticamente todas las obras de hoy día que lleven el subtitulo de contemporáneo o conceptual.

¿Cuál es la diferencia entre Happening y performance? Digamos que el performance es la evolución del happening, donde el guión está más cerrado. Y quizá no en todas sus vertientes existe una parte de improvisación.

A estas cuestiones, hoy día, también se les llama “Artes Vivas” que viene de la expresión inglesa Performance Art.

Es un estilo bastante complejo donde se vislumbran obras experimentales. Por ejemplo, la artista Sherman, utiliza la fotografía para realizar sus obras artisticas, pero nos habla de que la obra no es la foto resultante sino la acción de hacer la foto. Pues no es el objeto lo estimulante, sino el sujeto lo que se convierte en algo constitutivo de la obra artística. Pero ¿qué ocurre con todo esto? Pues que al final, lo que vendía, lo que comercializaba, era la foto, y pasamos de un concepto de arte “no vendible” a un producto de mercado.

Puedo entender que lo interesante, es como fue realizada la foto y no la calidad o el resultado de la misma. Aunque, personalmente, siempre me ocurre lo mismo en estos casos, y es que veo situaciones, quizá más anecdóticas que artísticas.

Obra de Cindy Sherman

Quizá penséis, por lo que estoy diciendo en este texto, que es un estilo que no me gusta o no me interesa. Y nada más lejos de la realidad, me interesa y mucho. Lo que pasa es que creo que hay bastante confusión con propuestas a las que se les da el nombre de performance, cuando no lo son. Y las que lo son, no todas rompen, cuestionan, y como parece algo sencillo, pues, de estas propuestas, hay muchas.

Es un estilo difícil, porque su mayor exponente radica en las nuevas propuestas, en conceptos rompedores, valores subversivos. Y es fácil caer, sin saberlo, en la repetición  de propuestas ya realizadas. 

Como ya he comentado, el performance surgió en los inicios de los años 60 en Estados Unidos y fue originariamente utilizado para describir un evento artístico en vivo, en el que se incluía diferentes disciplinas de artes relacionadas con las artes escénicas.

Antes de esta maduración, entre el 1908 y el 1916, con movimientos como el Futurismo o el Dadaismo, se incluían estas características en sus propuestas. Tampoco podemos obviar que la Bauhaus, en 1920 aproximadamente, experimentaba con el teatro, donde exploraba las relaciones entre espacio, sonido, luz… Y no sé si me atrevería a decir que los rituales, desde la prehistoria, podrían tener estos valores, no de una forma consciente o teorizada como sí ocurrió en los 60, pero, desde mi punto de vista, la propuesta es cercana (sólo lo digo para que lo tengamos en cuenta. Porque para mí, lo único que lo diferencia es la conciencia, la intencionalidad).

Allan Kaprow fue en este tiempo, en los años 60, cuando este estilo maduró, su baluarte. Un artista Norteamericano que realizó infinidad de Happenig. Evolucionando sus prácticas a las que más tarde llamó “actividades”; una mezcla de comportamientos cotidianos con el estudio de acciones básicas. Los trabajos de Kaprow intentaban integrar el arte y la vida, a veces, separadas por una estrecha línea borrosa que hacía, o hace, difícil la diferenciación.

Diedrica Joseph Beuys

Ya en 1970, el “Performance Art” era un término global y su definición un poco más específica. “Performance Art” significaba que era un arte en vivo y se separaba de lo que se conocía como teatro. Una cosa importante es que se categorizaba como un arte que no podía ser comprado, vendido o intercambiado con comodidad. En aquel momento, se veía como un movimiento que proponía un medio para expresar un arte corporal, directamente conectado al público. Aunque esto parece ir variando y hoy día, (bueno, desde el inicio de los años 80), a estas propuestas se les han ido incorporando otros medios, como los tecnológicos y quizá, de alguna manera, se desarrolló lo que hoy día conocemos como Instalación.

Si yo tuviera que definir de la forma más clara posible lo que es un performance, diría que es una propuesta escénica, en la que existe una ruptura de lo cotidiano del espacio donde se realiza. Su concepto busca fervientemente romper los cánones establecidos y obtener valores subversivos. Que existe la posibilidad e incluso, es bien valorada la  improvisación y la integración y participación del público. Y por último, una cosa que creo que es importante, es que el objeto no constituye el foco, ni el fin de la obra artística.

Hoy día también llamamos a estas propuestas Arte Vivo, Arte de Acción o Intervenciones. (O sea, quiero decir, que cuando escuchemos estos términos, entendamos que nos movemos por los mismos ámbitos).

Bueno, espero que hayamos aclarado un poco la composición de este estilo. Que, al menos, hayamos entendido cuáles son sus parámetros iniciales y sus reglas. Porque sí, tiene reglas. Quizá sea un estilo con márgenes amplios, pero de igual manera, tiene límites acotados.

Jorge Barroso “Bifu”

Texto en Formato Audio: 22×1 PERFORMANCE qué, cómo, cuándo… en La Habitación Semihundida en mp3(18/01 a las 10:14:39) 22:20 64063232 – iVoox

Blog de WordPress.com.

Subir ↑