10 COMICs DE ARTE (Parte 1)

Hoy vamos a tener un texto que llevaba tiempo queriendo hacer, porque el año pasado, (la temporada pasada) surgió un debate, sobre un comentario que realizó Nuria Enguita la actual directora del IVAM (Instituto valenciano de Arte Moderno), en una entrevista que le realizaron por su nuevo nombramiento, en la que le preguntaron si el cómic, como medio de expresión artístico, merecía tener presencia en este museo. A lo que ella contestó “que primero deberíamos valorar si el comic es arte o no”.

Concretamente dijo: “La misión de este museo es el arte contemporáneo. La pregunta sería si es el cómic un arte. A mí me interesaría mucho que hubiera lugares donde se investigara sobre cómic, sobre diseño, fotografía, etc. Debe haber instituciones donde eso sea posible. ¿Va a estar el cómic en este museo? Tendré que verlo en el contexto de la programación y de la colección”.

Esto provocó un gran revuelo entre los profesionales y aficionados del comic, entre los que se cree, por diferentes declaraciones que este gremio ha expuesto, que éste, ya era un dilema resuelto.

“Este es un debate ya superado” dijo, por ejemplo, Paco Roca, autor de “Arrugas” o “Memorias de un hombre en pijama”, “Los Surcos del Azar”, entre muchos otros títulos que tiene este reconocido autor y que precisamente, expuso en el IVAM en 2019, un proyecto titulado “EL Dibujado”.

Museos como el Prado, el Louvre, el Reina Sofía e incluso el propio IVAM, han realizado exposiciones en torno al mundo del comic. De hecho y casualmente, en el Museo Picasso de París, prácticamente ha estado un año, hasta el 3 de junio de 2021, la exposición “Picasso et la bande dessinée”, que se centra en las conexiones entre el artista y el cómic, y de cómo el autor utiliza códigos específicos del llamado “noveno arte” en algunas de sus obras.

Pero me parece interesante destacar la declaración que realizó Tomeu Seguí, dibujante de la obra “Tatuaje” o “Pepe Carvalho”. Dijo que no creía que se le tuviera que prestar demasiada atención a ese comentario y añadió que el comic es un arte indiscutible, eso sí, no todos los comic son arte, al igual que no todo lo que está representado en un lienzo es arte tampoco.

Y para mí, es aquí donde está el quid de la cuestión. Porque parece que seguimos valorando, o considerando arte, a gremios determinados, profesiones determinadas y como ya sabéis las personas que leéis este blog, para mí el arte tiene que ver más como su heterogeneidad que con una disciplina en concreto. Y me da la sensación que esta directora, Nuria Enguita, pretendía decir eso mismo.

Enguita asegura que su intención es seguir trabajando y colaborando con el sector del cómic, y afirma que “el museo ha de ser catalizador e impulsor de sinergias a partir de la diversidad, complejidad y riqueza de las prácticas artísticas”.

Pero, ¿Cuáles son esas prácticas artísticas?

Desde mi punto de vista, el comic es arte, según de qué manera esté realizado y, por supuesto, según los valores heterogéneos de los que se componga.

Por ello, hoy, me gustaría hablaros de 10 comics (el texto lo he dividido en dos, para que no sea excesivamente largo), entonces en este texto tendremos 5 comics, en realidad 5 + 1, que para mí, (Que esto también hay que dejarlo claro, pues esta lista es, totalmente, subjetiva), indudablemente, pertenecen a la categoría de obra de arte.

Primeramente voy a aclarar, que esta lista , es totalmente subjetiva, tiene que ver con mis gustos y lo que yo mismo leo. Y como veréis, no hay mucho de superhéroes aquí, porque no suelo leerlo, no han sido temáticas que me interesaran demasiado. Pero, oye, claro que existen algunos comic de superhéroes interesantes, y que igualmente, se podrían considerar obras de arte.

Muchas personas admiran el dibujo, otras el guión. Desde mi punto de vista, el dibujo tiene que estar al servicio del guión, y el guión debe ser interesante. Creo que muchos comic mainsteam, tienen un buen dibujo, incluso una buena narrativa visual, pero el guion es bastante flojo. Incluso a veces, ese dibujo usado arquetipizado no me termina de convencer, quizá, incluso, sea demasiado empalagoso. Oye, que no digo con esto que no dibujen bien, pero a mí me chirria.

Pero ya os digo, haber, los hay. Y por diferentes razones, por ejemplo, año uno de Batman, Watchmen o Daredevil: Born Again, o La Broma Asesina, podrían ser obras de arte.

Alan Moore, que escribió, por ejemplo Watchmen o La Broma Asesina, en esta lista, propongo un comic, pero en realidad es un guionista a seguir, porque en muchas ocasiones le ha dado la vuelta, con sus obras al paradigma del comic del momento; paso con la Cosa del Pantano, V de Vendeta, Providence, Wachtmen…

Concretamente Wachtmen por ejemplo, no lo tengo incluido en esta lista, porque aunque para un amplio sector del comic, éste es el comic por excelencia, creo que antes de leer esta obra, hay que leer mucho comic para realmente admirar la destreza de todo lo que planteó este señor aquí, y el juego psicológico que introdujo a los superhéroes. Pero claro, para realmente admirarlo, entonces, antes, tendrías que haber leído mucho de superhéroes, si no, puede que lo veas como una historia más (bien contada, pero una historia más) Y en realidad no es así.

En fin, lo que propongo en este texto, es una lista de diez comics, (en este caso 5 + 1, porque dividiré el texto en dos) estos comics, en todos los casos son auto-conclusivos y no tienes que haber leído nada con anterioridad para disfrutar y admirar estas obras. Y os garantizo que, algunos de esta lista, os harán pasar un buen rato, os harán preguntaros y cuestionaros algunas cosas, os conmoverán y os despertaran diferentes sensaciones y emociones… en fin, lo que suele hacer una obra de arte.

Maus

Vamos a comenzar con uno, que de hecho, es el único que ha recibido el Premio Pullizer. Un comic que muchas personas rechazan por lo que hemos hablado antes, por el dibujo, por parecer simplista, o incluso sucio, pero nada más lejos de la realidad; la narrativa visual que derrocha, acompaña perfectamente al guión. Hablamos, naturalmente de la obra cumbre del norteamericano Art Spiegelman; MAUS.

Una de las obras más impactantes y trascendentes a día de hoy.

Muchas cosas de este comic son importantes, y todas hacen que sea una gran obra artística, pero pienso que la historia que nos cuenta es fundamental, ya que se trata del testimonio real del propio padre del autor, el señor Vladek Spiegelman. Judío que sufrió las terribles infamias de la Segunda Guerra Mundial y del régimen nazi.

La cuestión es, que no solo nos cuenta eso, es cómo nos lo cuenta. Cuando nos presenta al personaje principal, nos hace dudar de su personalidad, nos lleva a sentir la desesperación que el propio autor siente dentro de la relación con su padre; diferentes comportamientos que no llega a entender, secuelas psicológicas que su hijo, por supuesto, no puede ni vislumbrar… pero poco a poco, nos va desvelando de donde viene todo esto. Y es cuando comienza a contarnos la horrible historia.

Creo que es, prácticamente, imposible, que al leer este comic, no entres en una sensación de absoluta tristeza y desesperación, al ver las atrocidades que el ser humano ha sido capaz de hacer. Y a la vez en una comprensión del estado del Vladek.

Maus, no es una historia más sobre judíos y el Holocausto. Umberto Eco, nos reseña:
«Lo cierto es que Maus es un libro que no se puede dejar de leer, ni siquiera para ir a dormir. Cuando dos de los ratones hablan de amor, te conmueven; cuando sufren, lloras. Poco a poco, a través de este pequeño cuento que incluye sufrimiento, humor y superar las pruebas de la vida cotidiana, quedas cautivado por el lenguaje de esta vieja familia del Este de Europa y atrapado por su ritmo gradual e hipnótico. Cuando terminas Maus te da pena haber abandonado este mundo mágico (suspiras por la secuela que te hará regresar…)»

Bueno, deciros que Art Spiegelman opta por utilizar un estilo de dibujo sencillo, utilizando el estilo  “funny animals” (nombre que se le da a los cómics o animaciones donde personajes humanos adoptan figuras de animales) Esto  simplifican el peso gráfico de la obra. La idea es que el ojo del lector/a se centre en la descripción de la viñeta y sea más receptivo a lo que está narrando el cómic.

Por supuesto, es en blanco y negro, con un enfoque “indie”, lo que nos da un tono serio, con trazos de plumilla y pincel que, en numerosos casos, donde la historia se vuelve dura y cruel, el acabado de la viñeta se vuelva casi opresivo, desmoralizante, como si el autor nos estuviera transmitiendo sensaciones más que información.

He dicho que los humanos adoptan figuras de animales, así, los judíos son representados como ratones, los Nazis como gatos, los franceses son ranas, los americanos perros y los polacos cerdos. De esta forma, inteligentemente, nos simplifica su lectura y vuelve más gráfico su despliegue argumental.

Deciros que “Maus” fue concebida a lo largo de los años 70 y 80, y se publicó en dos partes: “Mi padre sangra historia”, obra publicada en 1986 en Estados Unidos, nos narra los acontecimientos vividos por Vladek hasta su llegada al campo de Concentración de Auschwitz (Polonia) en 1944. El éxito mediático de esta primera parte fue arrollador.

Posteriormente, la segunda parte de “Maus” vio la luz en 1991 y lleva por título “Y aquí comenzaron mis problemas”, centrado fundamentalmente en los aterradores meses vividos por su padre Vladek en el campo de concentración de Auschwitz, hasta el final de la guerra en 1945.

Este comic, está editado en España, en un solo tomo, por Penguin Random House a través de su sello Reservoir Books, quien lo sacó al mercado en 2007 en una edición que tiene una presentación impecable, con encuadernación en cartoné y sobrecubierta. Y que no tendréis problemas en encontrarlo en cualquier librería especializada.

Un comic, que todo el mundo debería conocer y leer por lo menos una vez en su vida. Maus.

La Levedad

– A mí, después del 7 de Enero, de repente lo que me parece más valioso es la amistad y la cultura.
–A mí, la belleza.
– A lo que responde la amiga: Es lo mismo.

Esto es un diálogo que nos encontramos en la novela gráfica de Catherine Meurisse. También lo vemos en la contraportada de este comic ganador del premio Prix Wolinski de 2016

Catherine Meurisse es una autora de cómics francesa nacida en 1980, y que en 2005 se unió al equipo de dibujantes de la revista Charlie Hebdo.

El 7 de enero de 2015, la alarma del despertador de la dibujante Catherine no sonó, así que llegó tarde a la reunión del equipo de diseñadores de la revista. Este descuido le salvó la vida, pero no la libró de afrontar la violencia de un terrible atentado en el que perdió a amigos, maestros, mentores…

Para quien no esté muy puesto en el tema, recordaré que el atentado contra Charlie Hebdo, consistió en un tiroteo que se llevó a cabo en la sede de la revista, en la ciudad de Paris el 7 de enero de 2015, por unas caricaturas que publicó sobre Mahoma.

Dos hombres enmascarados y armados con fusiles de asalto, entraron en las oficinas de dicha revista, matando a 12 personas e hiriendo a otras 11. El grupo Al-Qaeda asumió la responsabilidad del ataque.

Bueno, pues como he dicho, Catherine Meurisse, dibujante de dicha revista, llegó tarde a su reunión de trabajo, y eso, le salvó la vida.

Pero las secuelas que te deja una vivencia así, son considerables. Tanto, que no pudo volver a trabajar ni a dibujar durante mucho tiempo.

Decidida a encontrar un nuevo punto de partida, la autora, emprende, en medio del caos y la aridez estética que siguió a aquellos días en Paris, un viaje en busca de su contrario: la belleza. Y de todo ello, trata el comic La Levedad.

De alguna manera este comic trata la sinrazón de no comprender el humor, la crítica, la ironía… y que lleva a una serie de fanáticos a cometer un acto terrorista, atentando despiadadamente contra las personas que trabajaban en esta revista satírica.

Este atentado ocurrió, como ya he comentado, por unas caricaturas de Mahoma, y me pregunto; ¿qué nivel de libertad tenemos si no tenemos libertad de expresión?

La historia del comic, podríamos decir que se divide en dos partes, la primera que se desarrolla en París donde vemos a Catherine víctima del shock postraumático que la ha convertido en una sombra incapaz de sentir y reaccionar. Una terrible depresión se ha apoderado de ella.

En la segunda parte, cuando ha decidido, acabar con toda esa oscuridad, con toda esa estupidez, y se embarca en un viaje con la intención de encontrar la belleza. Me parece precioso que lo haga desde el arte. Así nos traslada a Roma, intentando contagiarse del Síndrome de Stendhal.

Es un comic, una historia, que a pesar de todo, el humor sigue presente, un humor de iguales características que la revista donde trabajaba. Su dibujo, igualmente, sigue ese estilo. (Digamos que esa revista es como El Jueves en España), y es ese el tipo de dibujo que tiene; es caricaturesco, espontáneo, pero en realidad, muy técnico, porque con pocos trazos te lleva a la sensación que va pidiendo el guión, a la que siente el propio personaje.

Pero no dejéis engañaros por lo que digo de su estilo, hay viñetas que son absolutamente preciosas, poéticas… y que, como digo, nos hacen viajar por un cúmulo de sensaciones y emociones, que de alguna manera, nos acercan al estado por el que está pasando su autora y protagonista.

Por último os diré, que el comic, para mí, es una reflexión sobre el dolor y su curación a través de la belleza. (Me parece maravilloso). Y no deja de ser un homenaje a sus compañeros de Charlie Hebdo.

En España está editado por la Editorial Impedimenta, en cartoné tapa dura, 136 páginas.

Precioso “La Levedad”.

V de Vendeta

El 5 de noviembre “la Bonfire Night (la Noche de las Hogueras) en el Reino Unido. 

Esta fiesta conmemora al personaje Guy Fawkes que fue quien quiso volar por los aires el Parlamento Británico. Quería realizar este atentado porque el catolicismo sufrió, de la mano de la monarquía, una represión, convirtiéndolos en enemigos para los protestantes. 

Fawkes llego a introducir en el sótano del parlamento sacos de pólvora, pero antes de cumplir su cometido fue detenido y ahorcado. De esta manera se convirtió en villano nacional, pero nadie olvidó su hazaña y cada 5 de noviembre se le recuerda con hogueras y fuegos artificiales.

Esta acción real, ha cogido diferente simbología, y ya no en defensa del catolicismo simplemente, sino de la propia libertad del pueblo. Muchas personas que celebran esta fiesta hoy día, han readaptado y se han apropiado de esa acción para exponer su queja ante los gobernantes.

De igual manera, Alan Moore, el autor de este fantástico comic, creo su personaje V. Así, está claro que vamos a hablar del comic V de Vendetta.

Este comic sitúa su historia en 1997. En el momento de su publicación, esa fecha era un futuro inmediato, y nos mostraba un mundo inundado por el fascismo, la violencia, la opresión… ¿Y quién nos dice que la historia no era visionaria? Hoy día existe un gran desacuerdo de la ciudadanía ante los políticos, nos vemos arrastrados por una dictadura de mercados, pero finalmente, como ha pasado a lo largo de la historia, tenemos “pan y circo”, quiero decir, que tenemos algunas, que no todas, las necesidades básicas cubiertas y elementos de distracción, y parece que con esto ya es suficiente. El pueblo se conforma, cuando los derechos fundamentales se están violando constantemente.

Leer V de Vendetta, de alguna manera, nos invita a abrir los ojos, a descubrir que los políticos se mueven por intereses del mercado y los bancos, o sea, poder, poder económico y, quizá lo más triste, la supuesta seguridad que nos ofrecen, a cambio de perder la integridad, bajo vigilancia, y una constante propaganda del miedo.

David Lloyd, que es el dibujante del comic, dijo que “V de Vendetta es para las personas que no apagan las noticias”

Por suerte, siempre queda gente que pretende luchar por nuestras libertades. Como este antihéroe romántico creado por Alan Moore.

Un personaje profundo, complicado, lo que no creemos que vamos a encontrar en un comic. Siempre pensamos que son historias más livianas, pero nada más lejos de la realidad, Moore nos presenta a un protagonista, que en un principio,  no deja de ser un terrorista, con cierta filosofía anarquista que lucha contra el fascismo. Pero claro, con un pasado tortuoso, como descubriremos en la historia. Pero profundiza más, el personaje es un intelectual, culto y todo esto lo veremos en las conversaciones que tiene con una chica (Evey), a la que salva de unos villanos nocturnos, y que en torno a todo esto girará esta monumental historia.

Finalmente no deja de ser una lección, para devolverle la responsabilidad de su existencia a cada ser humano. Quizá todo esto venga de la misma opresión que sufría Moore en Londres por el gobierno de Margaret Thatcher.

Es interesante porque la historia, por momentos nos hace pensar más en qué mundo vivimos nosotros y nosotras, más que en la propia historia o misterios del tebeo.

Respecto al dibujo, Lloyd era un gran amante de los cómics de corte similar al cine negro (nuar) y se nota en su dibujo, por su juego de luz y sombra, y que creo recordar, que su primera publicación en la revista Warrior, creo que fue en blanco y negro y que después en publicaciones posteriores, fue coloreado.

En la revista Warrior, no se completo la serie, porque cerró. Fue entonces cuando cogió los derechos DC y publica V de Vendetta. Y este comic tiene bastante culpa de que naciera el sello Vértigo, dentro de DC. Un anexo a la editorial que se decantaba más por comics adultos y quizá más experimentales.

También fue David Lloyd quién propuso a Moore que el personaje llevara la máscara de Fawkes. Y muy acertadamente, porque le da un toque de misticismo al personaje brutal.

Esta máscara, como sabemos, se ha convertido en un símbolo contemporáneo del desacuerdo con la política, la opresión y la represión, pero también y sobre todo, del movimiento de Hackers “Anónimus”.

Bueno, solo me queda deciros que este comic tiene una adaptación a una película, que desde mi punto de vista, no está del todo a la altura. Así que os recomiendo la historia en comic, que no tendréis problemas en adquirir en cualquier librería especializada. Lo tienen en dos tomos y últimamente salió uno conclusivo. O sea, que está en un solo tomo. Y no suelen ser ediciones demasiado caras.

“Eso es porque tienes miedo, Evey. Tienes miedo porque puedes sentir la libertad dentro de ti. Tienes miedo porque la libertad es terrorífica”

El Arte de Volar y El Ala Rota

Ahora le toca el turno a un comic que tiene el premio nacional, en España, a los que habría que sumar premio en el Salón del Comic de Barcelona, Premi Nacional de Catalunya, Premio Cálamo, Premio de la Crítica… y bueno, aunque yo no soy muy de valorar por los premios, pero cuando el rio suena…

Efectivamente es así, es indiscutible, la importancia de esta historieta para el gremio del comic a nivel nacional.

Su autor Antonio Altarriba. No hablo de otro que “El Arte de Volar”

Aquí ocurre un poco algo parecido a Maus, Antonio Altarriba, nos cuenta, de primera mano la historia de su padre. Un doloroso ejercicio de introspección personal.

No os quiero desvelar nada, pero por una situación familiar, parece que Antonio Hijo, no comprende la personalidad y las acciones de Antonio padre, hasta que encuentra unas notas que le muestran un ser humano distinto al que él creía conocer.

Así que este guionista zaragozano lo que realiza en este comic es una reconstrucción de la figura de su padre, desde el niño que se divertía y reía con la ilusión de poder volar, hasta el joven que pronto conoció la dura realidad de una guerra, del hambre de la posguerra y el horror de la dictadura.

Pero aún nos cuenta más, realmente, la historia también nos habla de ese difícil tiempo en el que personas exiliadas, que lucharon contra el régimen fascista, vuelven a su país como perdedores, y se encuentran con una realidad atroz. Nos habla de cómo tienen que sobrellevar tan traumática situación; una vida de ideologías y credos ajenos.

Editado por Norma Editorial, Cartoné, 224 maravillosas páginas en blanco y negro. Guion exquisito, narrativa visual, a cargo de Joaquim Aubert, más conocido como “Kim”, es perfecta, final impactante. Profundidad, emotividad, sinceridad y capacidad de llevarnos a una reflexión de nuestra propia historia como país… Sin duda, una obra maestra “El Arte de Volar”.

Esta obra fue publicada en 2009 y bueno, si os quedáis con ganas de más, en 2016, Antonio Altarriba, publica “El Ala Rota”. Si en el primer comic, vemos la visión de su padre, en este caso, y de igual calidad, nos muestra la historia y las vivencias, de ese tiempo incierto, de su madre.

Por eso tenía en el título de este programa 5 + 1, porque aquí está el uno más. No es necesario leer ninguno antes que otro. Se pueden leer por separado, pues ambas historias son autoconclusivas. Pero bueno, ya que estamos, yo recomiendo, encarecidamente, la lectura de los dos.

Persépolis

Creo que es imprescindible, en esta primer lista, poner este título. Una obra que nos habla, casi de una forma naif, de una situación inentendible para muchas personas. Pero que así ha ocurrido, y por desgracia, sigue pasando. No me malinterpretéis con el adjetivo de “naif”, no penséis que es infantil, todo lo contrario; su narración es técnica, es puntillosa, pero la visión de la temática está expuesta, desde el punto de vista de una niña.

Marjane Satrapi denuncia, en este comic, de forma magistral, la censura, el machismo, la falta de libertad…

Nos cuenta, de primera mano, su propia historia. Nos relata los cambios políticos en Irán desde 1979, cuando la caída del Sha de Persia, pasando por la Guerra de Irán e Irak y llegando a los años 90. Este conocido comic es; Persépolis.

Estas obras que os cito, y que algunas están basadas en las propias vivencias del autor o autora, para nada tienen un punto de vista victimista, tratan sobre momentos vitales en sus vidas. En este caso, el día a día de esta artista cuando era una niña de tan solo 10 años, de su visión sincera y arrolladora sobre el tortuoso cambio político de su país y de cómo va creciendo hacía un futuro incierto.

No es una historia cómoda para nadie, ya que critica a su país por el cambio sufrido, con una coartada de libertad y un fanatismo religioso sin parangón, pero también de los intereses occidentales de mantener al Sha de Persia, siendo corrupto y dictatorial, por sus propios intereses comerciales.

Igualmente hay algo doloroso en la visión que tenemos en el comic, cuando, desesperados por la situación, sus padres deciden enviar a su hija a Europa. Aquí veremos, claramente, el desamparo y la falta de identidad que sufren los y las inmigrantes al llegar a Europa y su inminente y arduo retorno a su país. Para, de nuevo, encontrarse con el velo, la insidiosa adulación constante a los mártires de guerra, los guardianes barbudos fundamentalistas, la esquizofrenia de una vida pública temerosa, en contraposición a la realidad en la vida privada.

Pero como ocurre en el comic La Levedad, esta trágica e incomprensible historia, no está carente de humor. Cosa que nos hará disfrutar de lo que leemos a cada instante, aunque a veces pensemos; ¿de qué me estoy riendo?

Bueno, respecto a la parte visual, el dibujo es sencillo, en blanco y negro, que acompaña muy bien a la historia y a su propio significado.

En un inicio, se publica en París en cuatro tomos, saliendo el primero a la venta en el año 2000. En España entre el 2002 y 2004. Ahora, lo tenéis en un solo tomo, tanto por Norma Editorial como por la editorial Reservoir Books, cartoné, tapa dura, 360 páginas… ya van por la séptima edición, creo…

Este comic tiene innumerables premios y una adaptación a cine, que no está nada mal, supongo que porque también participó en la dirección la propia Marjane Satrapi. El film también consiguió diferentes premios, por ejemplo el de Cannes, e incluso estuvo nominada a los Oscar y a los Globos de Oro.

Tanto comic, como película, tienen excelentes críticas.

Un comic que invita a la reflexión. Un comic que se abre de par en par, de una forma sincera, para mostrarnos una realidad difícil de entender. Un comic, que sin ninguna duda, hay que leer. Persépolis.

Hasta aquí este primer texto de 2 sobre 10 comics de arte. En este primero 5 + 1 imprescindibles:  Maus, La Levedad, V de Vendeta, El Arte de Volar (con esta especie de secuela o acompañamiento como es “El Ala Rota”) y Persépolis. Espero que lo disfruten.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×4-diez-comics-de-arte-parte-1-audios-mp3_rf_75978783_1.html

HISTORIA DEL ARTE 9: Arte Románico y Gótico

Hoy nos espera un programa de estos que llamé en serie, artículos que tienen una continuidad con algunos de los que ya salieron en la primera temporada. En este caso, vamos a seguir con la Historia del Arte, concretamente el número 9. Así que yendo de una forma cronológica, de lo que nos toca hablar es de la Edad Media Europea, lo que comprende el Arte Románico y el Gótico.

Este apartado del que vamos a hablar, se refiere a la Edad Media Europea, y podríamos decir que viene de cuando Teodosio I, emperador romano en el Siglo IV, hace del cristianismo la religión oficial del Imperio, prohibiendo el resto de culto. Así, la iglesia se institucionaliza y se dota de patrimonio y jerarquía.

(Como siempre digo, es interesante, (o bueno, más que interesante, imprescindible), saber el contexto histórico en el que navega el estilo artístico que queramos tratar, pues así, comprenderemos mejor su causa, su nacimiento, los valores que en aquella época tenía, para que servía en ese momento…)

En fin, pues nos encontramos en ese momento en el que oriente y occidente, a la caída del Imperio Romano, toman rumbos distintos; oriente mantendrá el Imperio Bizantino y occidente, a la caída de Roma, se divide en territorios con jefes militares.

En ese momento los poderes universales son el Imperio y el Papado, que aunque se respetan entre sí, ambos quieren ser la autoridad suprema del mundo cristiano.

Durante el Imperio Carolingio, Carlomagno (el día 25 de diciembre del año 800) recibe de la mano del Papa León III, la corona imperial que le acreditaría como Emperador de occidente. Su territorio, comprendía la Galia, Italia y Germania (y una parte de España), con lo que de alguna forma, quedó restablecido el antiguo Imperio Romano de Occidente. Y el Papado pudo alzarse como cabecera religiosa e ideológica en Roma.

Tras la muerte de Carlomagno, le sucede su hijo Ludovico Pio, que a su vez, divide el Imperio en tres y se los cede a sus hijos: Lotario (Italia), Carlos el Calvo (Francia) y Luis el Germánico (Germania), firmando el tratado de Verdún.

Tratado de Verdún

Podríamos decir que aquí, desaparece el Imperio Carolingio y entra un sistema político, social y económico, que conocemos como feudalismo.

Europa queda en manos de monarcas guerreros (Entre los siglos X y XIII) y tras la continua amenaza del pueblo musulmán, el papado y las monarquías se ven obligados a pedir ayuda a hombres de armas. Éstos, a cambio, recibieron rentas y tierras (feudos) de los monarcas y es cuando estos hombres armados, cogen poder, convirtiéndose en la nobleza de la época. Un sistema jerárquico que dependía de los terrenos y feudos que tuvieras. (Por ello lo conocemos como feudalismo).

En resumidas cuentas, podríamos decir que la economía era autosuficiente, con lo que el comercio decayó. La sociedad era estamental, o sea, se dividía en clases sociales. La nobleza se dedicaba a la guerra, el clero a la oración y los campesinos a la agricultura o la guerra. Ninguna persona podía cambiar de estamento salvo que fuera a la guerra.

El feudo se componía por el castillo, la extensión de tierra que lo rodeaba, donde se encontraban las tierras cultivables, los pastos del ganado y las viviendas de los campesinos. Normalmente también había bosques cercanos que usaban para la leña y la caza.

Es el momento en el que renace el concepto de CIUDADES. Algunas se restauraban de ciudades antiguas en decadencia, otras nacían nuevas alrededor de un castillo o un monasterio.

Rara vez, estas ciudades pasaban de 1.000 personas. Pero a partir del siglo XIII, ya podemos ver ciudades de entre 5.000 y 10.000 personas y las más grandes como París y Roma, podían pasar los 50.000 habitantes.

El crecimiento de las ciudades, dependía de las oportunidades de trabajo que ofreciera y de la libertad en la vida urbana. Y en este caso, es fundamental el renacer del comercio, se hacían ferias y mercados anuales, donde se comerciaba normalmente, ganado y herramientas. Algunas de estas ferias se conocieron en gran parte de Europa, como la de Medina del Campo en Valladolid.

Las ciudades estaban rodeadas por murallas y en sus entradas, había casetas donde se cobraban impuestos por las mercancías que entraban o salían. El poder de las ciudades se afirmaba por sus murallas. Una vez dentro, el centro lo dominaba una catedral, la plaza del mercado y el Ayuntamiento. Los nuevos barrios se organizaban en torno a las parroquias.

Las casas eran de madera, excepto la de los artesanos que la realizaban en ladrillo y adobe, y normalmente tenían dos plantas; la primera para vivir y la planta baja como taller (A veces tenían bodegas). Los palacios, las iglesias y los castillos, estaban construidos en piedra.

Nace un nuevo concepto; El Burgués, personas de cierta riqueza y poder, normalmente, dedicadas a ser mercaderes o maestros de los edificios más emblemáticos. Un poco más abajo en la escala social, estarían los artesanos y comerciantes más modestos. (Los artesanos de un mismo oficio se unían en lo que llamaban gremios, y estipulaban los precios). Incluso más abajo en la escala social, se encontraban los campesinos, que eran aún más podres y marginados. (Eran la mayoría de la población).

En algunas ciudades existía otra clase de marginación, por etnia o religión. También es el momento en el que aparecen nuevas órdenes que llamaban Mendicantes (Carmelitas, franciscanos, dominicos…) en las cuales se hacía voto de pobreza y vivían de la limosna.

Pero ¿Cuáles son las vertientes artísticas que surgen en esta época?

El Románico fue el primer estilo artístico de una Europa unida culturalmente por el Cristianismo. Las influencias romanas en él son innegables, de ellas procede el concepto de Románico, pero también hubo otras, paleocristianas, bizantinas, prerrománicas e, incluso, islámicas. Cronológicamente el Románico alcanza su plenitud en los siglos XI y XII.

La decadencia de la Iglesia Católica de la etapa anterior se vio detenida, cobrando nueva fuerza la institución del Papado y renaciendo la vida monástica. Y en ello, tuvo un papel importante el arte, pues su principal temática fue la difusión del mensaje religioso.

Iglesia de San Miguel en Foro, Lucca

La arquitectónica es fundamental en el Románico (sobre todo en las iglesias), supeditándose a ella la escultura y la pintura. En ella se generalizan las plantas de cruz latina y podríamos decir que casi todos los elementos (muros de sillares, columnas y pilares, arcos de medio punto, bóvedas de medio cañón y de aristas) pueden encontrarse en los estilos precedentes.

Las características más destacables (vamos a nombrar algunas rápidamente, pero si necesitáis más información, creo que hay que ir a un lugar o libro más especializado, porque románico, prerrománico, paleocristiano… todos estos estilos, pueden llegar a confundirnos, porque se parecen bastante en sus formas y, si no estamos familiarizados, puede ser complicado diferenciarlos). En fin, vamos a ver algunas características de la arquitectura Románica.

  • En las naves laterales de las iglesias suelen haber bóvedas de aristas formadas por dos bóvedas de medio cañón que se cruzan perpendicularmente. Las tribunas, galerías altas sobre las naves laterales, son frecuentes en las iglesias de peregrinación con la finalidad de aumentar su capacidad.
  • Los ábsides y absidiolas se cubren con bóvedas de cuarto de esfera.
  • En el espacio central del crucero suele disponerse una cúpula, sobre trompas si su base es octogonal o sobre pechinas si es circular.
  • Las portadas generalmente quedan formadas por una serie de arcos concéntricos que van disminuyendo progresivamente de tamaño conforme se introducen en el muro, las arquivoltas.
  • El acceso, propiamente dicho, suele ser adintelado, dando lugar así al tímpano, espacio comprendido entre el dintel y el arco, que es uno de los lugares preferidos para situar la decoración escultórica.

Los primeros edificios se construyen en Cataluña ya en la primera mitad del siglo XI (San Martín de Canigó, San Miguel de Cuixá, San Pedro de Roda, Santa María de Ripoll); y, posteriormente, desde mediados hasta finales del siglo XI, se irá extendiendo a lo largo del Camino de Santiago: Aragón (Catedral de Jaca), Navarra (San Pedro de Leyre, Iglesia-castillo de Loarre), Castilla (Santo Domingo de Silos), León (San Isidoro de León, San Martín de Frómista) y la propia Catedral de Santiago de Compostela, que podríamos decir, que es la meta de los peregrinos, siendo la culminación del Románico español y europeo.

Catedral de Santiago de Compostela

Las obras de esta iglesia se iniciaron en 1075 por el Obispo Diego Peláez y terminaron en 1105, siendo consagrada por el Arzobispo Diego Gelmírez. Encontramos el esquema de iglesia de peregrinación visto en las características generales (planta de cruz latina con girola y absidiolas, de tres naves, la central de medio cañón con arcos fajones y las laterales con bóvedas de arista, tribuna, etc.), por influencia francesa. También encontramos influencias musulmanas en la tendencia a la herradura y los lóbulos decorativos de algunos arcos, en la Capilla Mayor y la Fachada de las Platerías.

A finales del siglo XI se había extendido la idea de que todas las personas, todos los oficios y hasta los propios reinos tenían sus santos protectores, de esta manera, se veneraban reliquias  y esto atraía a numerosos viajeros y peregrinos. Pasó en Jerusalén, en Roma, y en Santiago de Compostela, a principios del siglo IX se creyó haber encontrado el sepulcro del apóstol Santiago, el más venerado de la Península y muy pronto, alentados por los reyes y por la Iglesia, llegaron a Compostela peregrinos de toda Europa, atraídos tanto por el espíritu religioso, o la necesidad de cumplir una promesa, como por el deseo de aventuras y la esperanza de encontrar fortuna.

San Clemente de Taull

La pintura románica continúa el estilo y características de la pintura bizantina, siendo esencialmente mural al fresco sobre paredes y bóvedas, de temas religiosos, por supuesto.

En España sobresalen las pinturas de San Clemente de Tahull, de principios del siglo XII. Perteneciente al conjunto de la decoración mural de la iglesia de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí (en Cataliña). En esta zona se encuentra la mayor concentración de arte románico de toda europa, con una iglesia por cada 25 km2. Actualmente, se expone en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

También podemos destacar el Panteón de Reyes de San Isidro de León, denominado la “Capilla Sixtina” de la pintura románica. Es de principios del siglo XII, y consiste en seis bóvedas decoradas con pinturas al temple de clara tendencia narrativa.

Relieve representando la duda de Santo Tomás. Monasterio de Silos

La escultura románica está profundamente ligada a la religión, como, prácticamente, toda expresión artística del momento.

Está subordinada a la arquitectura y sirven para crear una determinada atmósfera en las iglesias. Su espacio y talla, depende de la propia arquitectura, adaptándose a la superficie a cubrir. Se concentran principalmente en capiteles y fachadas y como deben adaptarse al espacio, pues podemos observar figuras plegadas, retorcidas o reducidas, según la función del espacio que ocuparan.

En cuanto a los materiales, suelen estar realizadas en piedra caliza, granito o mármol, pero también en madera o marfil. Son relieves planos de escenas con escasa complejidad. La figura humana es esquematizada, espiritualizada, y estática. Aunque a finales del siglo XII va evolucionando hacia el naturalismo y  podemos encontrarnos con figuras mucho más expresivas que van perdiendo su rigidez.

ARTE GÓTICO

Durante el Gótico que abarcaría desde el Siglo XII al Siglo XIV se va a producir una evolución del pensamiento; una tendencia que deja de obsesionarse sólo por Dios y descubre al “hombre” y a la “naturaleza” que le rodea. O sea, el arte gira en torno a la naturaleza, con lo que se hace “naturalista”, se produce el despertar del “humanismo”.

En primero de historia del arte, nos dicen que fue importante en el triunfo del humanismo y el naturalismo:

  • La vuelta a la filosofía aristotélica, gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino.
  • También importante, la Orden del Císter, que tras la reforma de San Bernardo, que será decisiva en la difusión del Gótico, se regula desde el principio la arquitectura de sus templos.
  • Otro factor importante fue el desarrollo de las ciudades, que se convierten en foco de atracción de la población rural y dan lugar a una nueva estructura social gracias a la expansión de los artesanos y comerciantes, que permitieron el triunfo de la burguesía, cuyas nuevas formas y estilo de vida repercutieron en un arte más rico y decorado.
  • Por último destacar el papel de la catedral, edificio más representativo de la arquitectura gótica, núcleo principal de la ciudad y centro de la vida medieval. Son arquitecturas enormes que se construyen durante largos períodos de tiempo.

Las dos obsesiones de los nuevos constructores son:

  • La verticalidad, la elevación, la gran altura e increíble esbeltez que simboliza el deseo de ascensión hacia Dios.
  • Por otra parte, la luminosidad. Con las innovaciones arquitectónicas del Gótico el muro pierde su papel estructural, siendo sustituido por las vidrieras, ya que el nuevo sistema constructivo concentra los empujes en puntos concretos, transformando los muros en cubrimientos exteriores, no en soportes.
Catedral de Milán, Italia

La catedral, como base de la Arquitectura Gótica, como he comentado al principio, preside las ciudades, contrastando claramente con la iglesia rural o los monasterios del Románico.

Esta se compone de:

  • planta de tres o cinco naves, principalmente.
  • El crucero sobresale poco y está más centrado que en la catedrales románicas.
  • En la cabecera debemos distinguir entre el presbiterio y el coro, la girola, que ahora puede ser doble, y las capillas radiales, generalmente poligonales.
  • En los elementos del Alzado destaca la gran altura de las naves, sobre todo la central.
  • El triforio sustituye a las verdaderas tribunas de las grandes iglesias de peregrinación románicas. Estrecha galería, abierta primero solamente al exterior y pronto lo hará también al exterior con vidrieras.
  • El claristorio es un tercer cuerpo recubierto de grandes ventanales con vidrieras, subrayando junto con el triforio la obsesión gótica por la luminosidad.
  • Las torres, ahora de elevación desmesurada, se dividen en varios cuerpos y culminadas por un remate agudo y calado con tracería gótica llamado chapitel o aguja.
  • El arco y la bóveda condicionan el resto de la obra en la arquitectura gótica.
    • El arco apuntado u ojival: Con menor empuje lateral que el de medio punto, generalmente aparece decorado con tracería calada en los vanos.
    • La bóveda de crucería, de nervios u ojival. Es un elemento principal del estilo, el que revoluciona la arquitectura y permitirá construir a alturas considerables.
  • Y bueno, tenemos también el Pilar baquetonado. Se trata de un pilar cuyos elementos se complican al multiplicarse los nervios de las bóvedas, ya que son su continuación. Son por tanto semicolumnas muy estrechas, llamadas baquetones, y están adosadas al pilar.

(Bueno, estas son las principales características, pero igualmente que he dicho sobre la arquitectura Románica, en este caso ocurre exactamente igual, es un tema complejo en el que si necesitas más información, te recomiendo acudir, lógicamente, a libros especializados. Bueno, digo en qué consisten 4 elementos fundamentales, para tener un poco más de información y continuamos con el tema de la decoración que es importante).

Las bóvedas de crucería son aquellas que las conforman bóvedas entrecruzadas, que a su vez, son atravesadas por arcos ojivales o de terminación en punta.

Y qué son los arcos ojivales, pues los que terminan en punta, normalmente de ventanales y puertas, con lo que dan una mayor sensación de altura. A veces este ornamento se repetía de manera decreciente hacia su interior, o sea, hacia los límites de la puerta o la ventana.

Lo otro muy característico son las vidrieras, que se refiere a extensas paredes de cristal, de diferentes colores e imágenes religiosas, que lo que hicieron fue darle mayor importancia a la luz, consiguiendo una experiencia emocional y expresionista que reforzaba el concepto de teocentrismo.

Y claro, por último os diré en qué consistían los arcos arbotantes, algo también muy característico, ya que son los medios arcos construidos en la parte externa de la edificación y que fue lo que hizo que esos edificios, por una parte, pudieran despojarse del muro e introducir las vidrieras, y por otra, le dio la posibilidad de estiramiento, de crecimiento. Por eso, las catedrales góticas son tan esbeltas.

Vamos a continuar, porque nos queda el tema de la decoración que es otra parte importante de lo que llama la atención de este estilo, por sus formas y recargamiento ornamental, las grandes vidrieras como hemos dicho, la escultura y el relieve, que aunque adquieren cierto valor en sí misma, sigue estando al servicio de la arquitectura, adornándola, o sea, que complementan la arquitectura como decoración, sobre todo en los tímpanos, arquivoltas, jambas, y parteluz en las portadas de catedrales e iglesias. Es decir, la parte de la fachada principal, o de las fachadas donde hubiera entradas.

Puerta Asunción Catedral de Sevilla

Los temas de figuras de santos, vegetales y animalísticos, que ornamentan capiteles, frisos o arquivoltas ahora poseen un fuerte naturalismo aunque siguen representándose seres fantásticos y bestias monstruosas.

Catedrales del gótico, tenemos  la Catedral de Notre-Dame de París (1163- 1250), y por ejemplo, catedrales españolas La Catedral de Toledo, (iniciada en el siglo XIII aunque las obras duraron hasta el XV), una de las más grandes de España. Tenemos también La Catedral de Burgos, ya del siglo XV, más homogénea por su rápida construcción. La Catedral de León, ésta, por lo que he leído, parece ser la que está más cerca del estilo gótico francés. Y por último nombraré La Catedral de Palma de Mallorca, (siglo XIV) de enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes y su escasa separación. Es la segunda más alta de Europa y una de las más anchas. De tres naves con capillas entre los estribos.

Matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck

La pintura Gótica fue reconocida como tal a partir del siglo XIV. Y bueno, en un principio, se continuaba con esa narración de escenas religiosas o bíblicas. Y, normalmente, se empleaban para decorar las imponentes construcciones arquitectónicas.

Entre sus principales características destaca la técnica de murales en fresco, la pintura sobre tabla al temple y al óleo. (Que ya en un programa anterior dijimos que es el momento en el que la pintura pasa de revoco a lienzo). En la pintura, se juega más con la luz, que coge protagonismo y eso hace que se comience a dar sensación de volumen y realismo. Y también es el inicio de un estudio más concreto de la perspectiva.


Representativa es La Escuela Italiana de Florencia (Siglo XIII) donde podríamos decir que puede ser la precursora de las innovaciones que cambiarán la marcha de la pintura occidental en el Renacimiento.

Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en la Pintura Europea. En sus obras , que se caracterizan por la evidente observación de la naturaleza, las planas y simbólicas figuras del Arte Bizantino dan paso a otras modeladas e individualizadas en perspectiva, además adoptó el lenguaje visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras. Por ejemplo, “La Virgen en el Trono”, obra en la que la composición y el fondo dorado hacen pensar en una concepción gótica de origen bizantino, pero el naturalismo y la monumentalidad de la Virgen nos muestran el personalísimo sello de Giotto.

Otro ejemplo podrían ser los frescos sobre la vida de San Francisco en la iglesia de Asís: plenamente naturalistas, donde las figuras cobran volumen y las escenas con pasajes de la vida del santo, se observan en perspectiva, disponiéndose en profundidad en diversos planos.

Giovanni del Biondo, (también italiano) Lukas Moser (Alemán), Michael Pacher (Austriaco). En España tenemos a Miguel Alcañiz, Fernando Gallego… pero nos vamos a quedar con una de las figuras más representativas de la pintura gótica; Jan Van Eyck.

Pero esto, será en el siguiente blog. Un saludo.

Jorge Barroso “Bifu”

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ESTHER BEJARANO (De la Banda de Música de Auschwitz a Artista por la Paz)

El pasado mes de julio, concretamente el día 10, murió Esther Bejarano La rapera franco-alemana de 92 años superviviente del campo de concentración de Auschwitz.

Conocí la figura de esta señora, hace un par de años, un día que fui a un festival de música creado y en apoyo a personas refugiadas que se celebraba en un club de Hamburgo.

Llegó el momento del grupo Microfhone Mafia, y salieron al escenario unos chicos, con pinta de raperos, acompañando, cogiendo del brazo a una señora que apenas podía caminar (Claro, en aquel entonces Esther Bejarano tenía 90 años). Y allí, ella dio paso a que se iniciara la base musical y comenzó a rapear.

El público estalló en una rotunda ovación, por su puesto por su hazaña, pero también por lo elocuente y contundente de sus letras.

“Tuve mucha suerte de que una noche la Sra. Tschaikowska, una profesora de música polaca, buscara mujeres que pudieran tocar un instrumento en el bloque donde me alojé. Las SS le ordenaron que creara una orquesta de chicas. Yo dije que podía tocar el piano. Aquí no tenemos piano, dijo la Sra. Tschaikowska. Si puedes tocar el acordeón, te pondré a prueba. Nunca antes había tenido un acordeón en la mano. Pero tenía que intentar tocarlo para evitar tener que arrastrar piedras. Así que me ordenó que tocara la canción alemana “Mit Frauen hast du Glück“ (Tienes suerte con las mujeres), de Bel Ami. Por suerte, sabía ese tema con el piano, les pedí que tuvieran paciencia durante unos minutos… Fue como un milagro. Incluso toqué el hit con acompañamiento de acordes y fui aceptada en la orquesta. Eso me salvo la vida”.

Esther Bejarano nació el 15 de diciembre de 1924 en Saarlouis, territorio al suroeste de Alemania, ocupado en aquella época por Francia desde el final de la Primera Guerra Mundial.

Fue registrada con el nombre de Esther Löwy, hija de un cantante Rudolf Loewy y de la profesora de Turingia Margarete Loewy. Ellos impartían clases en una escuela de la comunidad judía. Él fue quien la animó a interesarse por la música.

En 1934 comenzaron los primeros incidentes antisemitas en la zona del Sarre.

Esther Bejarano

El padre de Esther Bejarano es un claro ejemplo de la incongruencia del Reich de la época, ya que él se veía a sí mismo como un patriota e incluso sirvió como soldado en la Primera Guerra Mundial consiguiendo la Cruz de Hierro. (Reconocimiento que se concedía a militares que habían conseguido en la guerra alguna azaña. El mismo Hitler tenía una). Sin embargo, años después, era perseguido por el mismo país que había defendido.

En 1937 emigraron los dos hermanos mayores: su hermano a los Estados Unidos, la hermana mayor a Palestina. Un año después, su segunda hermana también fue a un campo preparatorio para la emigración a Palestina. Esther Bejarano se quedó sola con sus padres.

Viendo como sucedian las cosas, su padre perdió toda esperanza de que la situación volviera a la normalidad e intentó preparar una partida rápida, pero les fue imposible. Incluso fue detenido para llevarlo al Campo de Concentración de Dachau. Aunque 3 días después lo pusieron el libertad porque lo consideraban medio judio.

Y esto es muy curioso, lo consideraban medio Judío, porque impartia clases en una escuela judía, o porque parte de su familia era judía. Pero, en fin, creo que no es necesario hablar de todas las incongruencias de la guerra, de su estupidez y decisiones injustas e injustificadas.

Bueno, el caso es que comenzó la guerra y en 1941 Bejarano, a la edad de 15 años, intentó emigrar a Palestina, pero no lo consiguió. La SS arrestó a todo el profesorado y el alumnado de la escuela donde su padre impartía clases y fueros trasladados a un campo de concentración de Berlín.

Finalmente, sus padres fueron asesinados por los Nazis en Kovno en noviembre del 41 y su hermana en Auschwitz en diciembre del 42.

“Al principio no sabía cómo murieron mis padres; Solo me enteré más tarde. Encontré sus nombres en un libro que enumeraba los transportes de Wroclaw a Kovno. Los nazis registraron burocráticamente sus crímenes. Y cuando me doy cuenta de que mis padres tuvieron que desnudarse en un bosque, que estaban alineados con otras víctimas, luego simplemente dispararon y luego cayeron en una zanja, eso es lo peor y mucho más horrible para mí que cualquier cosa que haya experimentado en Auschwitz “.

En abril de 1943 fue deportada a Auschwitz con el número de prisionera 41948. Ese número, se lo habían tatuado en su piel. Años más tarde, en 1980 decidió borrar ese tatuaje.

Fue una etapa dura, donde tuvo que cargar con piedras, bueno, en realidad, como muchas personas, estuvo realizando trabajos forzosos.

Pero aprovechaba algunos momentos de tranquilidad para interpretarle a ancianos de su bloque, canciones de Schubert, Mozart o Bach. Fue por ello que estos ancianos sugirieron su nombre para que formara parte de la Orquesta de Mujeres de Auschwitz. Y esto, podríamos decir, que le salvo la vida.

Banda de Música de Austwistz

Como he citado, al principio de este texto, por suerte Bejarano tocaba el piano, y aunque no tenían ese instrumento en el campo de concentración, sí tenían un acordeón y, con un poco de suerte y al ser un instrumento relativamente parecido al piano, pudo ingresar en la orquesta con su directora Sofia Czajkowska, e interpretó temas junto a otras musicos como Hilde Grünbaum o Sylvia Wagenberg.

Aunque todo esto no facilitaba las cosas. Esther Bejarano contó en una entrevista que “Las SS nos ordenaron estar en la puerta y jugar cuando llegaban nuevos transportes en trenes en los que estaban sentados innumerables judíos de todas partes de Europa, conduciendo por las vías hasta las cámaras de gas y todas esas personas fueron gaseadas. La gente nos saludó con la mano, pensaban que donde se estaba realizando música, no podía ser tan malo. Esa fue la táctica nazi. Querían que toda la gente fuera a la muerte sin luchar. Pero sabíamos adónde iban. Jugamos con lágrimas en los ojos. No podríamos habernos defendido porque los matones de las SS estaban detrás de nosotros con sus rifles”.

Esther Bejarano enfermo de fiebre tifoidea y fue trasladada a la enfermería. Cuando regresó cuatro semanas después, su lugar de acordeonista estaba ocupado. Pudo quedarse en la orquesta como grabadora y poco tiempo después los judíos de „sangre aria“ (un termino, cuanto menos, curioso) fueron trasladados al campo de concentración de Ravensbrück en noviembre de 1943.

Cuando Bejarano estaba en Auschwitz, la Cruz Roja Internacional buscó a los presos bastardos. Debido a que tenía una abuela paterna cristiana, los nazis consideraban a Bejarano una bastarda, una persona de ascendencia mixta judía-aria. Por lo tanto, de acuerdo con la ley nazi, no debería haber sido deportada a un campo de exterminio.

Sus amigos la convencieron de que se presentara ante la Cruz Roja como una bastarda porque le ofrecía la oportunidad de salir de allí. Así Bejarano con 70 mujeres más salió de Auschwitz.

En el campo de concentración de Ravensbrück se le asignó el número de prisionera 23139. Volvió a los trabajos forzados. Después de 2 años fue „arianizada“, es decir, le quitaron la estrella judía y le dieron el triángulo rojo, que marcaba a los presos políticos.

Esther Bejarano se vio obligada a participar en las infames „marchas de la muerte“. Así, en una de estas marchas, lejos del campo de concentración, concretamente entre Karow y Plau am see, consiguió escapar y el 3 de mayo de 1945, fue encontrada y liberada por tropas estadounidenses.

Ya, en el campo de personas desplazadas en Lüneburg, buscó oportunidades para salir de Alemania. El camino los llevó primero a Bergen-Belsen donde también se enteró de que sus padres habían sido asesinados.

No pudo encontrar parientes vivos en Alemania. Junto con amigos, hizo autostop a Frankfurt am Main e investigó la dirección de su hermano, que había luchado en el ejército de los Estados Unidos, estaba herido y en ese momento se encontraba en los Estados Unidos. Su hermana Tosca también había sobrevivido a la guerra y había conseguido llegar a Palestina donde vivía. Entonces decidió irse del país.

Esther partió hacía Palestina a mediados de agosto de 1945. Primero en Marsella consiguió papeles falsificados que le facilitaron el viaje y por fin llegó a Haifa el 15 de septiembre de 1945. Vivió un tiempo con su hermana Tosca.

“Queríamos desarrollar el país junto con los palestinos”, recuerda. “En general, los palestinos nos ayudaron. No solo a nosotros, sino también los primeros judíos que vinieron al país. Queríamos trabajar la tierra juntos. Pero fue diferente con David Ben-Gurion y Golda Meir, (dice, refiriéndose a los líderes sionistas fundadores de Israel). Dieron la vuelta al sionismo y luego los sionistas dijeron ‘nosotros somos los dueños de la tierra’. Esa no era nuestra idea”. Concluyó.

Conoció a Nissim Bejarano con el que se caso el 23 de enero de 1950. La familia se mudo a Ramat ha-Chajal y más tarde a Beer Sheva. Tuvo una hija en el 51 y un hijo en el 52 y a partir de entonces, se enfrentó al desafío de ser ama de casa y madre, ya que su esposo viajaba mucho como camionero.

“Mi esposo y yo no podíamos soportar la política israelí. Fue una catástrofe. La vida fue difícil porque no estábamos de acuerdo con las cosas terribles que se hicieron a los palestinos. Israel luchó contra ellos, echó a los palestinos; no se fueron solos, se vieron obligados a irse. Simplemente no podíamos soportar eso”.

Ella dijo que había sido llamada antisemita por hablar en contra del tratamiento inhumano que Israel inflige a los palestinos. Pero Bejarano no tenía miedo y continuaba elevando su voz, calificando al Gobierno de Israel de “fascista” y diciendo que apoyaba el BDS, el boicot, la desinversión y las sanciones, si eso ayudaba a desafiar la persecución de Israel a los palestinos.

En fin, después de trabajar en varios lugares, comenzó sus estudios de canto en Tel Aviv con Emma Gillis. Pero en 1948 fue reclutada para el servicio militar en Jaffa, durante la Guerra de la Independencia.

“Fui soldado en la guerra por la independencia contra los británicos. (Decía Bejarano). Sentí que estaba justificado pelear”, pero su marido Nissim era pacifista y después de participar en dos guerras ya no quería volver a hacerlo.

Rechazar el servicio militar también fue difícil. “Habría terminado en la cárcel, así que no tuvimos más remedio que irnos” por lo que volvieron al país de su nacimiento.

“Fue muy difícil porque era el país de los perpetradores”. Dijo.

Finalmente, pudo retirarse definitivamente del servicio militar. Trató de unirse a la Asociación de Artistas de Israel, pero debido a su trabajo para el coro de trabajadores, que también cantaba canciones comunistas, se le negó el acceso.

Así que, finalmente, decidieron emigrar, regresando a la República Federal Alemana. Primero en Saarbrücken, después Saarlouis y finalmente Hamburgo.

Trabajó en una lavandería, una discoteca, montó una Boutique y ahí fue cuando comenzó a tener conciencia política y eso le animó a investigar su propia historia y a documentar su vida.

Esther Bejarano

A partir de entonces tiene una larga carrera como activista política llegando a precidir la asociación de perseguidos por el régimen nazi, llegó a ser una de las 200 artistas que actuaron en el concierto celebrado por la paz en el Ruhrstadion de Bochum.

En 1986 Esther Bejarano fundó el Comité de Auschwitz para la República Federal de Alemania, que se reunía todos los sábados en su apartamento. (El comité, todavía existe hoy). Organizaba viajes educativos a campos de concentración, charlas presenciales en escuelas y eventos contra el olvido. El Comité de Auschwitz también publicó su biografía We live anyway: Esther Bejarano. De la orquesta de niñas de Auschwitz a la artista por la paz.

(Pero yo no he encontrado su biografía en español. No estaría de más que alguna editorial española la publicara, la verdad).

En 1987 lanzó el LP canciones de la resistencia. También funda el grupo Coincidence, con canciones del gueto y canciones judías y antifascistas. Bueno, y así varios LPs y discos.

Esther Bejarano

Me gustaría nombraros el trabajo que realizó con el grupo de rap Microfhone Mafia, que fue con quien tuve la suerte de verla actuar en Hamburgo. Con este grupo de Colonia, sacó dos álbumes „Per la Vita“ y „La Vita Continua“ con los que realizó más de 170 conciertos (esto hablamos de que ya esta mujer tenía unos 80 años largos). Uno de estos conciertos, se realizó en Cuba, y esta documentado y recogido en un libro ilustrado.

En 2015 formó parte de la serie de Spiegel Los últimos testigos , que documentó conversaciones con sobrevivientes de Auschwitz.

Y en junio de 2018, la obra de teatro musical The Children of the dead city,  fue lanzada como una obra musical y una obra sonora para radio; Basándose en su propia biografía como miembro de la Orquesta de Auschwitz. Esther Bejarano asumió el papel de pianista y oradora. El objetivo del proyecto era entender que es bueno realizar actuaciones en las escuelas con el fin de ofrecer enfoques didácticos alternativos a través de la música en el sentido de una cultura del recuerdo.

Esta señora recibió la Medalla Biermann Rajten en Hamburgo, y bueno, qué decir más; participó en infinidad de manifestaciones, defensora de la declaración de Berlin, fomentando una politica distinta para Palestina, ha realizado infinidad de conferencias a favor de los refugiados de Lampedusa.

Dijo: „las acciones policiales conta los africanos refugiados, son una vergüenza para la ciudad. Los controles de identidad a los que estan sometidos estos refugiados son tan inhumanos e inaceptables como toda la política europea de asilo“.

Esther Bejarano, murió el 10 de julio de 2021 a la edad de 94 años.

“No tienes la culpa de vivir este tiempo. Pero eres culpable de no querer saber nada de esta época. Tienes que saber todo lo que pasó en ese entonces. Y por qué sucedió”. Esther Bejarano.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×1-esther-bejarano-de-banda-musica-audios-mp3_rf_75037055_1.html

CURSO Teórico/Práctico sobre Creación de Número Escénico

Pedagogía teatral y práctica creativa. Creación de método para el desarrollo de la personalidad creadora del alumnado. Impartido por Jorge Barroso “Bifu”.

TEMA: Creo que es imprescindible, para la comprensión de esta temática, que la práctica sea prolongada, con un enfoque pedagógico coherente, sistemático, que enseñe al alumnado el manejo de herramientas y los procedimientos básicos para la creación de un número escénico. Sin acotaciones, con la intención de ampliar las visiones sobre dramaturgia, personaje, uso del elemento escénico, acento y equilibrio… y sobre todo, conocer y comprender qué es aquello que hacemos.

Curso anual: 2 cuatrimestres, de Octubre de 2021 a Junio de 2022. 1 clase por semana, con un total de 33 clases.

Desde mi experiencia, pienso que éste, es tiempo suficiente para la creación de un número, pero lo más importante, para la adquisición de herramientas que me ofrezcan fórmulas inspiradoras para llegar a la creación. O sea, métodos replicables que después podré utilizar en cualquier caso.

El curso es presencial en la ciudad de Sevilla (Espacio por determinar)

Jorge Barroso “Bifu”

PINTURAS NEGRAS 7 de 15 (La Romería de San Isidro)

Hoy, de nuevo, nos adentramos en la quinta del Sordo. Nos quedaremos en la planta baja y hablaremos y analizaremos otra de las pinturas de gran tamaño, concretamente la que se encontraba frente al Aquelarre; La Romería de San Isidro. Con este, son 6 las obras que hemos abarcado de esta colección. Una serie de pinturas enigmáticas, una época clara de transformación de su autor, que aunque no fue de golpe, es en este momento cuando podemos ver el cambio radical de su estilo pictórico, no sé si decir, de pinceladas más libres, o más rabiosas, desde luego y aunque lo parezca, para nada caprichosas… y que como hemos ido comentando en, prácticamente, todos los textos anteriores, hablamos de las pinturas que, posiblemente, abrieran las puertas a las pinturas modernas (Impresionismo y expresionismo).

Entramos en esa planta baja y a la izquierda, ocupando, prácticamente, toda la pared, vemos el cuadro Aquelarre. A la derecha, justo enfrente y entre las dos ventanas; La Romería de San Isidro.

Comparación cuadros “La Pradera de San Isidro” y “La Romería de San Isidro”

Esta obra, nos muestra una visión de esta romería hacia la ermita de San Isidro de Madrid. Lo que me parece curioso y que claramente nos cuenta la transformación de su autor con el tiempo… dicen que por la enfermedad que sufrió, la sordera permanente, pero quizá, también por una cuestión socio política, pues Goya veía como después del “2 de mayo” y la Guerra de la Independencia, sus valores e ideales, se evaporaban.

Lo que quiero decir, es que 20 años atrás, 20 años antes de la ejecución de esta pintura, Goya había pintado ya “La Pradera de San Isidro”. Y si trataba de reflejar las costumbres de un día festivo de los habitantes de Madrid y proporcionar una vista bastante fiel de la ciudad, ahora la escena refleja un grupo de personajes en la noche, al parecer ebrios y cantando con rostros desencajados…

La Pradera de San Isidro es un cuadro pintado en 1788, destinado a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo. En un inicio pretendía que midiera 7 metros de longitud, pero a la muerte de Carlos III, el proyecto de tapices, quedó inacabado, con lo que solo tenemos un minucioso apunte que mide 42 cm por 94 cm de longitud.

Claramente, aquí podemos ver a aquello a lo que Francisco de Goya quería pertenecer, ese mismo entorno burgués que describe. Con el paso del tiempo y el régimen absolutista de Fernando VII, la visión que muestra sobre este día festivo es bastante más desoladora.

Detalle de La Romería de San Isidro

¿Existe deshumanización o teatralización? Bueno, desde mi punto de vista, ambas cuestiones son acertadas. Creo que Goya en este cuadro juega con las clases sociales, que las entremezcla en la pintura. Aparecen, en primer término, un grupo de clase social humilde; más al fondo, sin embargo, se ven sombreros de copa y tocados de monja. Pero en primera instancia, nos muestra un ciego tocando la guitarra. Es como si nos viniera a decir que la sociedad del momento seguía a alguien que no ve.

Carlos Foradada, autor del libro Goya al descubierto en las Pinturas Negras y el Coloso, en este apartado, nos cuenta que esa escena tiene paralelismo con el cuadro “Parábola de los Ciegos” de Pieter Brueghel “como confirmación de lo incierto y del azar, cuyo destino es definitivamente ajeno al dominio de la razón”.

Y continua “España seguía poniendo de manifiesto su minoría de edad que la afirmación ilustrada pretendía superar, tal y como rebelan con especial crudeza las Pinturas de La Romería de San Isidro y el Aquelarre. España era un país atrasado cuya población vivía fundamentalmente de la agricultura y subyugada a los grandes propietarios y al clero, de manera que este contexto propició el advenimiento del absolutismo más extremo tras la Guerra de la Independencia, y presidido por Fernando VII. Finalmente, Goya, vivió un pequeño respiro a partir de 1820, cuando los Liberales dieron fin al primer periodo absolutista, tal y como se representa en Judith y Holofernes, para llevar a cabo el proyecto elaborado en la Constitución de Cádiz de 1812”.

Esto, como ya os he comentado en otros audios dedicados a las Pinturas Negras, parece ser que estas pinturas tienen un orden correlativo. Creo que igualmente complejo pero cronológico al fin y al cabo. Por eso nos habla de la consecución de Judith y Holofernes y también cita a Saturno Devorando a su Hijo. Todas estas pinturas pertenecientes a la planta baja de la Quinta del Sordo.

Un cuadro de tonalidades oscuras y terrosas, como siempre en esta serie de pinturas. Esa deshumanización de los individuos protagonistas. La textura y la forma de las pinceladas… todo ello, nos lleva a lo enigmático de esta serie, preludio de la ausencia de mímesis del arte contemporáneo.

Negativo Fotografía de La Romería de San Isidro (James Laurent)

Bien, como, prácticamente, todas las Pinturas Negras, éstas están realizadas sobre otras pinturas, que aún se debate si, igualmente pertenecieron a Goya o no.

Todas sufrieron una restauración, por su paso de revoco a lienzo, realizada por Martínez Cubels. Y por suerte, de todas ellas tenemos unos negativos de las fotografías que realizó en 1874 James Laurent cuando aún se encontraban en las paredes de La Quinta del Sordo.

Por ello, ahora podemos observar, sutiles y no tan sutiles cambios que sufrieron las pinturas en su restauración. En este cuadro en concreto una de las cuestiones que vemos más evidente, era la técnica que Goya usaba, que también la usaba Velázquez, la cual llamamos perspectiva aérea. Y es que entre medio de los protagonistas y el observador, Goya usaba una especie de veladura, como si pintara el aire que pudiéramos ver entre medio. Y, lógicamente, Martinez Cubells, parece ser que no lo tuvo muy en cuenta, a la hora de restaurar el cuadro, con lo que pierde técnica, expresividad…

En otros cuadros, ya hemos visto elementos que han desaparecido, o que por la forma de pintarlos, incluso cambia el sentido de lo observado. En este caso, y en primer plano, vemos el ciego tocando la guitarra, el trabajo casi detectivesco de Carlos Foradada, nos habla del cambio sufrido en esta figura, concretamente en su mantilla blanca.

En el cuadro, tal cual está ahora mismo, esa mantilla, realmente parece la camisa del personaje que tiene justo detrás, pero en los negativos, podemos observar que se crean una serie de juego de luz y sombra que finalmente nos hacen pensar que es una mantilla. Siendo así, y teniendo bastante sentido, pues los cómicos y buhoneros de la época parodiaban con este tipo de vestuario, nos da que pensar con el tema de la teatralización de la escena. Y la historia va un poco más allá; sobre el hombro derecho del ciego con guitarra, parece asomar la cabeza de lo que podría ser una marioneta o un títere, afirmando así esta cuestión y es coherente con la representación de actores cómicos que Goya ha puesto en escena en esta obra.

Detalle Pintura “La Romería de San Isidro”

La representación de estas celebraciones, que algunos autores han asociado con las Saturnalias romanas donde se subvertían las clases sociales, pasaban justo por delante de la Quinta del Sordo, muy cercana a la iglesia de San Isidoro. Por ello, se cree que Goya tuvo sus modelos cercanos, a los que pudo estudiar con serenidad.

Esta obra, limitaba en la casa de Goya con dos obras, ciertamente dramáticas; Judith y Holofernes y Saturno Devorando a su Hijo.

Ninguna de estas dos piezas las hemos analizado aún, pero vendrán ya en la segunda temporada.

Lo que sí tenemos son los programas siguientes (En Audio y texto):

Programa 1×3 Pinturas Negras de Francisco de Goya (Donde hablo de estas pinturas de una forma más genérica, pero creo que es interesante porque hablo de la etapa, del contexto socio político, de la propia vida de Goya… en fin, siempre recomiendo, si no lo habéis hecho, escuchar los programas anteriores, para una mayor comprensión del tema).

También tenéis el 1×8, el Perro Semihundido, 1×15 el Aquelarre, 1×19 Duelo a Garrotazos, 1×23 Leocadia y 1×30 Asmodea.

Jorge Barroso “Bifu”

FORMATO AUDIO: 1×43 PINTURAS NEGRAS 7 La Romería de San Isidro en La Habitación Semihundida en mp3(21/06 a las 19:33:00) 19:32 71713903 – iVoox

1×42 HISTORIA DEL ARTE 8 El Arte Islámico en el Al Andalus

En este texto vamos a seguir con la historia del arte; Dos grandes imperios, de esta época de la que vamos a hablar (Bizancio y Persia), aunque ya en este momento muy debilitados, por la corrupción  y sobre todo porque sus bases ideológicas estaban obsoletas.

La religión islámica daba fuerzas y unidad a los distintos pueblos que la practicaban. Los musulmanes sostenían que luchaban contra el mal, ordenaban hacer el bien y creían en Dios, estas tres premisas les dotaron de valor y fuerzas casi milagrosas.

Por otra parte administración de los califas musulmanes era muy tolerante con los cristianos y los judíos y daban apoyo a la ciencia y las artes, lo cual hizo que obtuvieran el apoyo popular de los nuevos territorios del califato islámico.

Como habéis podido deducir, hoy vamos a hablar del Arte Islámico en el Al Andalus.

La rápida expansión islámica puede ser resumida de la siguiente manera:

1. El Medio Oriente: durante el gobierno de Omar (634-44) se sometió Siria, Egipto y Persia. Luego se extendieron por todo el norte de África.

2. Europa: en el año 711 los musulmanes atravesaron el estrecho de Gibraltar e invadieron la península Ibérica. En menos de 20 años se encontraban ya en Francia y dominaban toda la península ibérica. En el siglo IX los musulmanes entran en el sur de Italia y Sicilia.

Dueños de España, a la cual denominaron “Al Andalus”, los musulmanes cruzaron los Pirineos en dirección al territorio de los francos, pero fueron detenidos por Carlos Martel en la batalla de Poitiers (732)

3.- Imperio Bizantino: Los musulmanes, después de expulsar a los bizantinos del Medio Oriente y África, construyeron una flota con el propósito de romper el poderío del imperio Bizantino en el Mediterráneo.

Sin embargo, no consiguieron su propósito hasta el siglo IX cuando conquistan todas las islas del Mediterráneo.

4. Lejano Oriente: El mismo año de la conquista de España (711), los árabes llegaron hasta el valle del Indo en lo que hoy es India y Pakistán. Intentaron la conquista de China, pero acabaron firmando un acuerdo de protección.

El mundo musulmán

En los primeros tiempos el califato islámico estuvo unificado. La Ley islámica (la sharia) sentó las bases de un estado. Además la paz lograda por los musulmanes permitió al comercio y la tecnología desarrollarse y alcanzar límites nunca antes vistos. Hasta el año 750 su capital estaba en Damasco, pero por motivos políticos, el Califato se trasladó a Bagdad. En el siglo X el poderío del Islam empezó a decrecer. Tanto el Califato de Bagdad como el estado omeya de Córdoba entraron decadencia, hecho que llevó a la cristiandad a iniciar la reconquista.

Esto es, a grandes rasgos, su historia y ahora vamos a adentrarnos en lo que nos compete, EL ARTE ISLÁMICO EN AL ANDALUS.

Mezquita de Córdoba

El arte árabe recoge formas y elementos de los pueblos conquistados. Es decir, que va cogiendo de aquí y de allí. Pero la pintura y la escultura no tuvieron desarrollo, porque el islamismo prohíbe las representaciones humanas. Aunque la decoración con motivos vegetales y geométricos (arabescos) fue muy significativa, tanto en azulejos en paredes y suelos como los trabajos en escayola y madera en los artesonados.

Con respecto a la Arquitectura, los musulmanes, en su expansión, irán adoptando las formas artísticas romanas, cristianas, bizantinas, persas, visigodas… creando un arte plenamente oriental. Los edificios suelen tener poca altura pero de elementos decorativos son muy elaborados y que combinan y cuidan la armonía con el paisaje.

Los principales edificios en las ciudades islámicas son:

a) La mezquita: es un edificio de planta rectangular con varias naves paralelas cubiertas, un patio rodeado de pórticos con una fuente al centro y torres. Las más notables son las de Damasco, El Cairo y Córdoba.

b) La madrasa: está destinada a la enseñanza. Se construye alrededor del patio central de las mezquitas y fueron los embriones de las primeras universidades.

c) Los Palacios: son edificios civiles que también se desarrollan alrededor de un patio, destaca la Alhambra en Granada.

d) El zoco: mercados ordenados según los distintos gremios.

Elementos de construcción ( y esto es importante, porque sí que impregnan una huella que, al menos en mi región, Andalucía, perdura hoy día)

– Las columnas y pilares, al principio aprovechados de edificios anteriores y luego ya originales, son delgados, ya que soportan techos ligeros. Destaca el empleo de cúpulas y bóvedas, siendo abundantes las bóvedas de crucería, pero sin que los nervios se crucen por el centro.

Utilizan una variada tipología de arcos: por herencia del arte visigodo adoptan el arco de herradura, pero a partir del siglo X se generalizan los arcos lobulados y polilobulados; y desde el siglo XIV los de medio punto peraltados y angrelados. También usan los arcos con macárabes.

– La decoración se sitúa casi exclusivamente en el interior, donde es extraordinariamente rica, con temas vegetales, geométricos y epigráficos. En el exterior sólo se cuidan las portadas y las cúpulas.

Mezquita de Córdoba
  1. La Mezquita

– La mezquita es el lugar de reunión de la comunidad musulmana y su estructura deriva de la casa de Mahoma en Medina, aunque también observamos ecos de las basílicas paleocristianas. Sus partes fundamentales son:

* El patio (“sahn”), rodeado de arquerías.

* La torre (“alminar” o “minarete”), junto a la puerta de acceso al patio.

* La fuente para abluciones (“sabil”), generalmente bajo un templete.

* La gran sala de oración (“haram”), dividida en numerosas naves.

* El muro orientado hacia La Meca (“qibla”).

* El nicho o lugar santo en el centro de la qibla (“mihrab”).

* El recinto cercado para el califa o imán (“maxura”).

* El púlpito (“minbar”).

Claro, voy a aprovechar este tema para hablar de la mezquita quizá más monumental que queda en España, La Mezquita de Córdoba:

Es uno de los monumentos religiosos más importantes de toda la Historia del Arte Islámico y, junto con La Alhambra, la máxima representación de este arte en la península ibérica. Fue ideada por Abderramán I, el último heredero de la dinastía omeya.

El edificio tiene un carácter plenamente islámico; eso implica que tiene muy pocas cosas propias de los árabes, y muchas heredadas y recuperadas de los lugares que va conquistando, como iremos viendo. (Pero ya os digo que en su conjunto, finalmente es un estilo propio)

1ª Etapa: El edificio primigenio fue ideado por Abderramán I allá por el año 784, con el objetivo de satisfacer las necesidades de la ciudad. No orientó la mezquita hacia La Meca, como era de esperar, sino hacia Siria, lugar de donde provenía la dinastía omeya, en lo que parece un acto de rebeldía frente a la recién impuesta hegemonía abbasí, con capital en Irak.

Centrándonos únicamente en el aspecto artístico, de esta primera construcción destacan los arcos de herradura, heredados de la tradición visigoda, pero reinterpretados de una manera muy característica: alternando dovelas rojas con blancas, cumpliendo una función no sólo estética, sino funcional, pues al parecer así se evitaba, por la propia naturaleza del material, que los arcos reventaran. Estos arcos se apoyaban sobre columnas recuperadas de edificios anteriores, ya fueran romanos o visigóticos.

2ª Etapa: Unos años más tarde, en torno al 833, será Abderramán II el que intervenga en la mezquita, añadiendo a las once naves del Haram (sala de oraciones) ocho tramos más y eliminando el antiguo muro de qibla (muro hacia donde se orientan las oraciones).

3ª Etapa: Muhammad I será el responsable de restaurar, en la primera mitad del siglo IX, la Puerta de San Esteban, original de la época de Abderramán I. La tipología de esta puerta quedará como el “canon”, y será fruto de copias y reinterpretaciones a lo largo de los años: arco de herradura peraltado, creando un espacio cegado de 3/4 de circunferencia, rodeado por dovelas intercaladas, con eje en la línea de imposta. El trasdós está moldurado y, lo más característico e innovador (aunque se dice que es derivado de la arquitectura romana), todo el arco está rodeado por un alfiz.

4ª Etapa: Quizá la ampliación más importante fuera la de Abderramán III, (945-961). En el momento en que se convertía en Califa proclamando el Califato Independiente de Córdoba, Abderramán ordenaba la construcción de un alminar, hoy tapado por la torre cristiana (como siempre), pero que en su momento sirvió de modelo para todas las mezquitas de la época. También se centró en ampliar el shan (patio), al que dotó de pórticos.

5ª Etapa: Al Hakem II (961-971) amplió el haram y estableció el muro de qibla definitivo, el que ha llegado hasta hoy. El Mihrab fue decorado por profesionales del mosaico traídos del mismo Bizancio.

La ampliación de Abderramán III se marcó con el lucernario, de evidente sentido decorativo, pero con una función clara: aportar luz a una mezquita que se estaba haciendo demasiado grande, y a la que no llegaba luz suficiente.

6ª Etapa: A fines del siglo X Abu Amir Al-Mansur, el Almanzor de las fuentes cristianas, quiere realzar su poder aumentando la mezquita con ocho nuevas naves, llegando a un total de diecinueve, pero en esta ocasión hacia el este, por lo que el mihrab de Al-Hakam II quedará descentrado, y añadiendo también la parte del patio correspondiente.

Junto con la mezquita, el palacio es el edificio más típico de la arquitectura islámica, siendo, lógicamente, La Alhambra de Granada el palacio árabe medieval que mejor se conserva, al no haber sufrido transformaciones posteriores.

Alhambra de Granada

– La Alhambra, construida en una de las colinas de la ciudad, constituye una auténtica ciudad-palacio formada por:

La ciudadela o alcazaba, con función defensiva militar.

* El palacio propiamente dicho.

* Un vasto recinto amurallado que circunscribe todo el conjunto.

– La tendencia islámica a resaltar ante todo los aspectos decorativos, alcanza en la Alhambra un nivel mucho mayor que en Córdoba. No tiene la simple función de resaltar algunas zonas del edificio, sino que se extiende por todos lados hasta transformar totalmente su aspecto original.

– La Alhambra tiene una estructura muy simple, pequeños recintos cubiertos por techos planos y realizados con materiales pobres, lo que ha favorecido la exaltación de lo decorativo frente a lo estructural.

– Los principales materiales utilizados en la decoración de La Alambra son los siguientes:

* La Madera: El trabajo realizado sobre ella produce la ilusión de no ser un elemento constructivo, sino paneles superpuestos a las superficies. Los artesonados reproducían complejos dibujos geométricos policromados.

* El Azulejo: Cubre, en forma de zócalo, las partes inferiores de los muros, representando dibujos geométricos, mediante una técnica especial que produce efectos metálicos.

* El Yeso: Es el material más usado en la Alhambra, al ser ideal para crear una “segunda” arquitectura por su extraordinaria blandura. Se trabaja de distintas formas, combinándose con el azulejo y la madera, y cubre las paredes envolviendo materialmente el edificio original. El estuco, originalmente coloreado, se aplica en forma de paneles que reproducen una decoración epigráfica, geométrica o floral.

Es el yeso, en definitiva, lo que proporciona a la Alhambra la sensación de sorpresa permanente, puesto que forma falsos elementos constructivos (paredes, bóvedas, arcos) que dada su inutilidad constructiva pueden adquirir las formas más fantásticas y caprichosas.

* Y una cosa curiosa; Junto a yeso, azulejo y madera, el agua y la vegetación juegan un papel decorativo de primer orden, formando una perfecta unidad con la arquitectura. Fuentes a la altura del pavimento en los patios interiores, alimentadas por pequeños canales, que dejan correr el agua lo suficiente para que no se estanque, pero no tanto como para impedir que las construcciones se reflejen en ellas. Este efecto de reflejo no es casual, sino premeditado, a lo que hay que añadir el murmullo del agua al correr, etc.

Estás cuestiones son muy características hoy día en Andalucía y en prácticamente todos los antiguos patios de vecinos, casas y parques o jardines, podemos ver esta herencia estructural y decorativa. Aunque, por desgracia, cada vez menos, porque todo se está globalizando y se van perdiendo estos métodos.

El conjunto del palacio tiene una planta compleja, articulada alrededor de tres unidades prácticamente independientes entre sí, el mexuar, el diwan y el harem, que forman un conjunto de unidades independientes ordenadas alrededor de patios, sin un centro arquitectónico bien delimitado y reconocible, lo que hace posible que no se abandonen las dimensiones humanas, predominando lo horizontal frente a lo vertical.

Si nos pusiéramos a describir todos las salas y patios de la Alhambra el texto nos daría para dos o tres días; El Patio de los leones, la Sala de la Barca, los jardines del Generalife… Claro, no lo voy a hacer, pero sí os recomiendo que si os gusta este tipo de cuestiones que busquéis un poco más de información sobre la Alhambra de Granada y lo vais a disfrutar.

El Patio de los Leones (Alhambra)

Pero bueno, sí os diré que La Alhambra es una obra producto de un arte maduro y cuyos rasgos están ya perfectamente definidos, capaz de crear una arquitectura eminentemente pictórica, donde el ilusionismo y lo aparente ocultan la estructura real del edificio mediante una decoración exuberante. El agua, el jardín, la luz… Es una arquitectura donde el edificio está integrado en el mundo exterior gracias al jardín, que penetra en el interior con los patios y al mismo tiempo envuelve a la totalidad del edificio. Una maravilla del Arte Islámico.

Por último, me gustaría nombraros una torre muy conocida de mi ciudad, La Giralda: En un inicio, torre correspondiente al Alminar de la antigua mezquita de la ciudad, a finales de siglo XII en la época de Almohade. Finalmente en el siglo XVI, ya en época cristiana, se le añade una parte superior para albergar las campanas. (Lo que siempre ha hecho la cristiandad).

En fin, la Giralda, no deja de ser por esto un edificio bello que se ha estandarizado como símbolo de la ciudad de Sevilla. (Y que hoy día ya es patrimonio de la Humanidad)

Giralda de Sevilla

Durante el periodo de dominación Almohade, la ciudad de Sevilla se convirtió en la capital de Al-Ándalus, lo que trajo a la ciudad una actualización de sus infraestructuras procediéndose a la construcción de algunas grandes edificaciones. En este ámbito se comenzó el levantamiento de una nueva mezquita mayor en el solar que actualmente ocupa la catedral. La construcción de esta nueva mezquita, que reemplazaba a la existente en la plaza del Salvador, (donde ahora hay otra iglesia) se inició el año 1172 y en 1182 se pronunció el primer Jutba (sermón de viernes) en la mezquita. El alzado exterior de la mezquita tenía influencias de la Mezquita de Córdoba, mientras que la estructura de su planta procedía del modelo de las mezquitas marroquíes de Marrakech y de Tinmal.

Bueno, igualmente, como he dicho de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada o esta misma catedral de Sevilla, sus diseños arquitectónicos y sus historias, son muy curiosas de leer. A lo mejor, más adelante, quizá dediquemos programas completos a estas increíbles arquitecturas. Pero a grandes rasgos, en esto consiste el Arte Islámico y su clara influencia en el tiempo posterior en Andalucía.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio: 1×42 HISTORIA DEL ARTE 8 Arte Islámico en el Al Andalus en La Habitación Semihundida en mp3(14/06 a las 08:49:12) 32:25 71373470 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 7 Arte Paleocristiano y Bizantino

Para situarnos en la historia, como ya sabemos, estos textos de la historia del arte van de una forma, digamos cronológica, así que de lo que nos toca hablar hoy, podríamos situarlo justo después de la caída del imperio romano.

Quizá un arte que surge de la necesidad, en un principio de la clase pagana, por luchar contra las religiones impuestas por el imperio romano y también por la carencia de sitios para enterrar a sus muertos. Estas personas se reunían de forma clandestina en lugares subterráneos, que esto lo pude ver en Roma; unas catacumbas de túneles kilométricos excavados bajo tierra. Y que a partir del año 313, cuando Constantino le concede la paz a la iglesia, oficializando la religión con el “Edicto de Milán”, comienzan a construirse los primeros templos, tomando como ejemplo la basílica romana.

Por ello, estos dos estilos de los que vamos a hablar hoy, digamos que no tienen una estética o una forma característica, sino que cogen modelos de la arquitectura y de la pintura que ya existían… si hay algo que les caracteriza sería la temática que fue eminentemente religiosa, cristiana, claro.

Hoy vamos a hablar del arte paleocristiano y bizantino.

Mosaico de Emperador Justiniano y séquito

El Arte Paleocristiano se desarrolla inicialmente a partir del siglo II y a lo largo del Bajo Imperio (s. IV y V) y el bizantino en el Imperio romano de Oriente desde el s. VI al XV.

Las bases artísticas hay que buscarlas en la simbología y teología cristianas como ya he comentado. En un principio en la clandestinidad y posteriormente, a partir del Edicto de Milán en el 313 d. C. de forma libre.

El Imperio bizantino fue la parte oriental del Imperio romano que sobrevivió a la caída del Imperio de Occidente en el siglo V, su capital fue Constantinopla (la actual Estambul, en Turquía) y su duración se prolongó hasta la toma de ésta por los otomanos en 1453.

Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio romano de Oriente en el 330, después de que Constantino I el Grande, el primer emperador cristiano, la fundara en el lugar de la antigua ciudad de Bizancio, dándole su propio nombre, que de forma gradual se desarrolló hasta convertirse en una verdadera capital de las provincias romanas orientales, es decir, sureste de Europa, suroeste de Asia.

A la muerte del emperador Teodosio I, en el 395, el Imperio se dividió definitivamente en dos: Honorio, su hijo menor, heredó Occidente, con capital en Roma, mientras que a su hijo mayor, Arcadio, le correspondió Oriente, con capital en Constantinopla.

El emperador Justiniano y su esposa Teodora, a mediados del s. VI, sentaron las bases del desarrollo político, religioso, cultural y comercial del Imperio Bizantino. Una de las razones que explican la larga duración del imperio bizantino fue su sólida organización. El emperador o basileus era la cabeza. Concentraba todos los poderes: dirigía el ejército y la administración, y era el jefe religioso. Una extensa red de funcionarios ejecutaba sus órdenes. Estos funcionarios estaban especializados y contaban con una gran formación intelectual. Los diplomáticos eran los encargados de las relaciones con otros territorios y pueblos. Las mismas leyes estaban vigentes en todo el imperio y un poderoso ejército tenía como misión la defensa de las fronteras.

Sabiendo más o menos en qué momento de la historia nos encontramos, vamos a comenzar a hablar del arte de esta época, propiamente dicho. Vamos a comenzar con el Arte Paleocristiano.

Paleocristiano, etimológicamente significa “cristiano viejo”, por tanto, será el arte de las primeras comunidades cristianas que se desarrollaron dentro del Imperio Romano.

Este título se aplica a las manifestaciones artísticas que se desarrollan dentro de las primeras comunidades cristianas que surgieron a finales del s. I d.c. Las personas que practican esta nueva religión son ciudadanos romanos del imperio.

El carácter oriental de esta religión, que en un primer momento sólo se extiende por las provincias orientales del imperio, provocará un cambio dentro de la plástica romana (y esto es importante): la sustitución del realismo clásico por el expresionismo, el arte paleocristiano se convierte en puente entre el mundo clásico y el cristianismo medieval.

La necesidad del artista paleocristiano de representar una “realidad espiritual”, (bueno, necesidad u obligación ¿no? Porque lo que se pretendía era que este arte, estas manifestaciones artísticas, sean el vehículo para que la comunidad (mayoritariamente inculta) pueda asimilar y entender el mensaje cristiano).

Por ello es un arte simbólico y expresivo. Utiliza un lenguaje más sencillo que los fieles puedan entender.

Claro, lo primero que tiene que hacer esta religión es darse a conocer por medio de una forma didáctica, por medio de símbolos y signos de identificación de la fe como el Crismón (anagrama de Cristo), los panes y peces (la eucaristía) y el divino pastor…

El arte paleocristiano podemos distinguir dos etapas: la que se desarrolla en los Siglos I, II y III, cuando los cristianos son perseguidos por el emperador y deben celebrar sus manifestaciones rituales de manera clandestina (en catacumbas que hablábamos antes).

Y la de los Siglos IV y V: después del Edicto de Milán 313 d. C. cuando el emperador Constantino permite la libertad de cultos religiosos en todo el Imperio. El segundo paso será la conversión del Imperio en un Imperio cristiano, que creo recordar que llegó con Teodosio I (Y esto enlaza bien con uno de los programas que haremos más adelante donde nos meteremos en la Edad media Europea y que nos llevará al arte románico y el gótico. Aunque entre medio, está el arte islámico y, lógicamente la influencia que tuvo en el arte, sobre todo en el sur, en Andalucía).

Catacumbas Priscila

Vamos a ver como fue la arquitectura antes del edicto de Milán:

Existían una pequeñas iglesias en el exterior muy austeras, para no despertar sospechas de rituales cristianos que llamaban “Tívolis”. Por otra parte, las Catacumbas: lugares de enterramiento que después hemos podído descubrir que se encontraban por todo el territorio del imperio. Éstas, consisten en una red de galerías en las que se excavan los lugares de enterramiento (nichos o sarcófagos) y en las que también encontramos “criptas” como espacios cubiertos con arcos de medio punto bajo del cual se sitúa un altar que permite desarrollar la liturgia cristiana.

Por nombrar algunos de estos lugares, quizá los más importantes son los que se encuentran en  Roma, (San Sebastián, San Calixto, y Santa Domitila).

Después del Edicto de Milán los emperadores regalan a los cristianos edificios paganos que serán reutilizados como templos (por eso os decía, que no es que tengan una característica de estilo concreto, más que la temática, y que podemos distinguirlas por las decoraciones interiores).

Las “basílicas romanas” son las que mejor se adaptan a las necesidades de los rituales cristianos. A lo largo de esta segunda etapa del arte paleocristiano se utilizan dos modalidades de plantas que continuarán siendo los modelos a lo largo de la edad media:

Plantas longitudinales: las basílicas tenían un valor simbólico ya que reproducían la cruz. Las obras más importantes son: San Pablo Extramuros, Santa Sabina, Santa María la Mayor…

Plantas centralizadas: aquellas que además de un espacio-camino, un foco central, pueden tener diferentes formas: circular, poligonal, o en forma de cruz griega. Normalmente estos espacios estaban destinados a dar el bautismo. La obra más importante es el Baptisterio de San Juan de Letrán. En Roma.

En esta etapa usan también el mosaico, pero lo dejo para más adelante porque tiene más representación en el Arte Bizantino. Y vamos con ello, vamos a pasar a ver cuáles son las características del arte bizantino.

El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI fuertemente enraizada en el mundo helenístico y es un claro continuador del arte paleocristiano oriental.

Igualmente, como digo, no hay cosas demasiado características, más que la decoración de los capiteles… aunque sí que los expertos y expertas, destacan la nueva concepción dinámica de los elementos y un novedoso sentido espacial. Nos hablan de que quizá su aportación más importante, es el empleo sistemático de la cubierta abovedada, especialmente la cúpula sobre pechinas, es decir, triángulos esféricos en los ángulos que facilitan el paso de la planta cuadrada a la circular de la cúpula.

Iglesia de Santa Sofía

La obra cumbre de la arquitectura bizantina es la Iglesia de Santa Sofía, iglesia de la divina sabiduría, dedicada a la Segunda Persona de la Santísima Trinidad, construida por los arquitectos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto, entre los años 532 y 537, siguiendo las órdenes directas del emperador Justiniano I.

Ahora sí, vamos a hablar del mosaico bizantino, que tuvo más relevancia que su anterior, el paleocristiano. De hecho, es una de las manifestaciones más conocidas del arte bizantino.

Se usaba para la decoración de paredes y techo, y no de suelos como era habitual en el mundo romano. El mosaico, bizantino fue el vehículo idóneo para transmitir el mensaje religioso de esta cultura y, a la vez un instrumento de propaganda del poder imperial, con lo que refleja fielmente el espíritu cesaropapista que caracteriza el arte bizantino.

La tendencia al horror vacui (horror al vacío) encontró en esta técnica decorativa un filón que la llevo a una de sus más altas cotas artísticas.

Como sabemos, del audio de Historia del Arte, Arte Romano, el mosaico se construye usando pequeñas piezas de mármol, cristal, esmalte, de diferentes colores y que van a dar forma a la imagen representada. Estas pequeñas piezas, como dijimos, reciben el nombre de teselas y pueden tener unas dimensiones inferiores a un centímetro.

En la iglesia de San Vital de Rávena, en el ábside nos encontramos con los mosaicos más destacados del estilo bizantino, en los que aparecen, a la derecha, el retrato de la emperatriz Teodora con su séquito y a la izquierda el del emperador Justiniano con el suyo. La propia localización de los mosaicos, en el ábside, justo debajo de la bóveda en la que se representa a Cristo sobre la bóveda celeste, es un claro indicativo de la jerarquización del espacio del mundo bizantino, en el que se pretende dejar claro en todo momento el poder religioso y político de los mandatarios.

Vamos a ver las características de esta disciplina en el arte bizantino:

a.- isocefalia: repetición de las mismas cabezas en todos los personajes.

b.- frontalidad: las figuras aparecen de frente al espectador.

 c.- pies en “V”.

d.- horror vacui: se pretende cubrir de ornamentos todo el espacio representativo.

e.- movimientos reiterativos en todos los personajes.

f.- hieratismo: inexpresión y rostros indefinidos en el séquito.

g.- colores planos.

h.- perspectiva “Ptoloméica”: de líneas divergentes; impenetrabilidad de los rostros.

i.- mayor canon de Teodora y Justiniano, como símbolos de autoridad y de importancia personal en la corte.

j.- ausencia de movimiento, como si se hubieran petrificado las figuras.

Y por último, y para terminar este texto vamos a hablar brevemente de la pintura bizantina:

Se decoraban las iglesias con pinturas o bien de Cristo o de la Virgen. Estas son muy repetitivas y normalmente se exponen de la misma manera.  Después esta forma será muy utilizada en el gótico.

Los tipos iconográficos se adaptan simbólicamente a las diferentes partes del templo: el Pantocrátor (Cristo en Majestad bendiciendo) en la cúpula, el Tetramorfos (cuatro evangelistas) en las pechinas, la Virgen en el ábside, los santos y temas evangélicos en los muros de las naves… En fin, siempre usaran esta misma forma y estos mismos espacios.

Espero que este texto haya sido de tu interés.

Jorge Barroso “Bifu”

Formato Audio: 1×39 HISTORIA DEL ARTE 7 (Arte Paleocristiano y Bizantino) en La Habitación Semihundida en mp3(17/05 a las 17:31:49) 24:00 70121406 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 6: ARTE CLÁSICO 2 (Roma)

Hoy nos vamos a adentrar en esta segunda etapa dedicada al arte clásico. Si ya hablamos en el texto 1×33 Arte Clásico 1 (Grecia), ahora nos vamos a centrar en su otro gran imperio. Uno que construyó su arte en base a la utilidad y que por ello sus mayores logros y exponentes se encuentran sobre todo en la arquitectura civil, a la que denominan “Edilicia” por venir de la palabra Edil, que quiere decir; municipal. Aunque, lógicamente, su escultura también es digna de nombrar. Y el mosaico, algo que englobamos en la pintura, pero que casi tiene que ver con la artesanía, con la manualidad.

Como en su coetáneo, el arte griego, existe una pretenciosidad de lo colosal, del arte perdurable y que podemos contemplar en sus muchos restos hallados por toda Europa, oriente medio, y toda la costa mediterránea, África… No hablamos de otro que el Imperio Romano.

Quizá, para ponernos en contexto, lo primero que debemos saber, como normalmente ocurre cuando queremos entender la historia del arte, es que también debemos saber su historia propiamente dicha; la sociedad, las órdenes de gobernanza, religión… Así que vamos a empezar por dividir el periodo de la civilización romana en tres. Puesto que fueron tres sus sistemas de gobiernos; Monarquía, república e imperio.

La monarquía comienza desde su inicio, en el año 753 a.C. e irá hasta el 510 a.C. Cuenta la leyenda, que fue una ciudad fundada por Rómulo y Remo. (Estos dos personajes característicos, representados amamantando de una loba. Que esto también lo cuenta la leyenda). Posiblemente todo este periodo, del que poco se sabe, esté envuelto en un velo ambiguo, entre la realidad y la ficción.

Rómulo y Remo Amamantados por una Loba

Cuentan que en el mismo acto de la fundación de Roma, Rómulo, mató a su hermano Remo. Y esto será una constante en la historia de Roma; los asesinatos de magistrados y emperadores, por las luchas de poderes.

Sea como fuere, la ciudad va creciendo y cogiendo influencias de las civilizaciones etruscas y griegas.

El Sistema Republicano, o sea, la República (que en latín significa literalmente Cosa Pública), comienza en el año 510 a.C. Cuando fue expulsado el último rey etrusco Tarquinio el Soberbio.

Las instituciones básicas que formaban parte de este tipo de gobierno, eran las asambleas, los magistrados y el senado.

Las asambleas estaban integradas por el pueblo romano y tenían como función, nombrar los magistrados y aprobar las leyes.

Los magistrados, eran nombrados por el pueblo y en cada cargo ponían a dos personas para evitar la tiranía. De los cargos más importantes, encontramos los cónsules, que eran magistrados que dirigían el ejército y el poder ejecutivo.

Por último, nos encontramos con el senado, que estaba formado por exmagistrados y que, normalmente, eran personas de cierta edad.

Mapa República Romana

En todo este tiempo que duró la república, Roma se expande exponencialmente por toda la península Itálica y el mar mediterráneo (lo conocían como Mare Nostrum y  mediterráneo significa mitad de la tierra). Por su gran organización política y las legiones romanas, consiguen dominar todo el resto de la península, pero llega un momento en el que, queriendo seguir con las conquistas, se encuentran en el norte de África con el pueblo Cartaginense y éste hace que entren en tres guerras consecutivas, llamadas las Guerras Púnicas. Finalmente, el ejército romano vence al cartaginés y, podríamos decir, que es aquí donde comienza el periodo del Imperio, propiamente dicho.

El Imperio abarca desde el año 27 a.C. al 476 d.C. Todo esto nace de un intento de Julio Cesar por reconvertir Roma en un estado monárquico. Cesar es asesinado y esto hace que estalle una guerra civil en el año 44 a.C. Su sobrino nieto, Cayo Octavio (más tarde Augusto) coge el poder absoluto, vence en la guerra civil y lleva a cabo la idea de su tío abuelo, no sin antes asegurarse plenamente de que él sería el rey del principado. (Bueno, nosotros lo denominamos como emperador).

En toda esta etapa del imperio, las instituciones siguen existiendo pero carentes de poder. Se crea una monarquía hereditaria, así, se van sucediendo una y otra vez las dinastías y emperadores.

Roma se comienza a cristianizar, y continúan con sus construcciones arquitectónicas y obras artísticas de enorme calidad.

En el año 476, Odoacro, un caudillo bárbaro, destituyó al joven emperador Rómulo Augusto y asumió el gobierno de Italia. Los visigodos saquean todo lo que pueden de Roma y crean una conmoción general al pueblo. Quizá, sea aquí, donde podemos dar por finalizada la etapa del Imperio Romano.

Vamos a pasar al arte Romano, que en realidad, hay mucho que contar y muy interesante.

El Arte Romano se inicia en íntima conexión con el Arte Etrusco (Que era un pueblo de la Antigüedad, asentado en la toscana italiana) y las colonias griegas de la Magna Grecia (Que estuvieron al sur de Italia). Podríamos decir que el Arte Romano es un claro heredero de estas dos expresiones artísticas y es el resultado de la mezcla de diferentes órdenes griegos, la utilidad del arco y la bóveda etrusca, la estética de la belleza… Cogen lo más interesante de cada cultura y la hacen suya. Este periodo abarca desde el Siglo III a.C. hasta el Siglo V d.C.

Una cosa fundamental en el Arte Romano, es su arquitectura. Y vamos a comenzar por aquí. El espíritu práctico del pueblo romano le hace entrar en un concepto de obras arquitectónicas útiles. Además, debían tener grandiosidad, orden y permanencia, que eran cuestiones que regían la política romana. A esta arquitectura, se la conoce como “Edilicia” que viene de la palabra Edil, que significa municipal.

Foro Romano

Vamos a ver los elementos y construcciones más características de la arquitectura romana:

El Foro. Un elemento característico de esta cultura eran los foros. Roma tenía dos grandes avenidas principales y el foro se situaba donde confluían éstas. Era donde se realizaban los edificios importantes, como la Curia, los principales templos, las basílicas, las termas, los arcos del triunfo… Era donde se realizaban las reuniones políticas, administrativas… y como cada emperador quería uno, en Roma, podemos ver hasta cuatro foros en un mismo complejo; el foro de César, el de Augusto, el de Nerva y el de Trajano.

Como edificios públicos tenemos hasta siete elementos importantes:

  • La Curia: era el lugar donde se reunía el senado.
  • El Templo Romano. En él, cogen el modelo etrusco, sin embargo utilizan los órdenes griegos. Como templos importantes están el Templo de la Fortuna Viril, la Casa Cuadrada… pero nos vamos a detener un instante para hablar del templo, desde mi punto de vista, más singular e impresionante; El Panteón de Agripa.

Es singular por su planta redonda y su gran cúpula que crea un nuevo concepto de espacio diáfano. En este caso, no se uso como lugar funerario, sino que era un templo dedicado a todos los dioses. (Aunque ahora sí que están enterrados antiguos reyes de Roma e incluso, el pintor renacentista Rafael).

Se realizó en el año 27 a.C. por Agripa. Sufrió un incendio en el año 80 d.C. y éste fue restaurado por Adriano, manteniendo en su entrada la inscripción de Agripa.

Está realizado en hormigón y ladrillo y cubierto su interior por placas de mármol. Sobre el entablamento se sitúa la cúpula de media naranja de 43 metros de diámetro y en su zona más alta tiene un hueco de 9 metros de diámetro que deja pasar la luz. Este hueco está bordeado en bronce.

Este magnífico edificio, está precedido por un pórtico octástilo (que como vimos en el programa anterior, quiere decir que tiene ocho columnas), estas son de orden corintio y las acompañan otra fila de columnas detrás.

  • Otro elemento público importante son las Basílicas. Este lugar se usaba para transacciones mercantiles, o sea, comercio y también los litigios, las disputas… Pues allí se arreglaban, en las Basílicas. Normalmente eran como tres naves cubiertas por bóvedas y es de donde cogen el modelo los cristianos para sus templos en el futuro. Una basílica  importante, podría ser, por ejemplo, la Basílica de Majencio.
  • Llegamos a las termas. Elemento igualmente importante para el pueblo romano. Las termas o los baños, desempeñaron una función especial en la vida social romana, no solo como balnearios, sino además, como lugares de reunión y recreo, con lo que, a veces, cogieron unas dimensiones enormes. Tenían lugar para cambiarse de ropa, baños fríos, templados, calientes y muchas otras dependencias, como gimnasio, zonas de masajes, biblioteca y espacios abiertos de paseo.

Una de las más conocidas era las Termas de Caracalla, que tenían capacidad para más de mil personas. Todo lujosamente decorado con mosaicos en el suelo, mármoles, esculturas… (Aunque Caracalla, por lo visto, fue un emperador bastante ruin).

Panteón de Agripa

Vamos a seguir recorriendo Roma y nos vamos a encontrar con los edificios destinados al espectáculo; el Teatro, el Anfiteatro y el Circo.

El teatro romano, deriva directamente del griego, aunque con algunas diferencias. Por ejemplo, no aprovechan el declive del terreno, se construye sobre una estructura completamente abovedada de arcos y bóvedas de ladrillo y hormigón. Ahí estaba el graderío, con espacio escénico monumental y “Orchestra” semicircular. Al ser un espacio de eventos también decoraban el exterior y coge mucha importancia el arco y la columna, ya que en sus huecos intermedios, normalmente colocaban estatuas. Ya en interior había una serie de pasillos que nos llevaban al acceso y vomitorios, que eran pasillos bajo las gradas y estos pasillos llevaban a la cavea. La Cavea era como llamaban a las gradas. Lógicamente, tenían ima cavea, media cavea y summa cavea, que como habéis podido deducir, tiene que ver con los espacios de las gradas que se disponían por clases sociales. Como teatro importante en Roma está el Teatro Marcelo. (En España tenemos dos muy importantes, el teatro de Mérida y el de Segóbriga).

Los anfiteatros, realmente eran dos teatros unidos, con lo que hacían una planta ovalada. Y el ejemplo más monumental es el Coliseo de Roma.

Su construcción se inició con Vespasiano en el 69, lo continuó Tito y parece que fue terminado por Domiciano; es llamado coliseo, por sus proporciones, pero también porque se cree que había una colosal estatua de Nerón en sus proximidades.

Su fachada tiene cuatro alturas, con superposición de órdenes, la primera orden toscano, la segunda en jónico, la tercera corintio y en la parte superior cerrada, hay pilastras de orden compuesto.

Bueno, no sé si lo he dicho, creo que no; los romanos cogieron los órdenes griegos pero sustituyeron el dórico por el toscano e inventaron el orden compuesto.

El anfiteatro fue el más grande construido por el Imperio Romano, con 80 filas de gradas y cabida para 65.000 espectadores. Se tardaron unos 10 años en construirlo y su inauguración fue de 100 días.

Panteón de Agripa

Para terminar con estos edificios públicos, vamos a hablar del circo. Fue un lugar destinado a las carreras de cuadrigas principalmente, pero excepcionalmente, se realizaron otros eventos. Estos lugares alargados de enorme cabida de público igualmente, en sus extremos, colocaban alguna estatua, columnas o monumentos conmemorativos y eran los lugares donde los caballos tenían que girar en las carreras. El más conocido, y que en Roma, aún se puede ver cómo era más o menos todo este compendio, es el Circo Máximo.

Otro apartado importante, los monumentos conmemorativos.Que podríamos destacar dos; los Arcos del Triunfo y Las Columnas Conmemorativas.

Y por último, aparte de los edificios privados, que igualmente son importantes, por el desarrollo de la polis, me gustaría destacar las obras de ingeniería; como son los pantanos y acueductos, los puentes y las calzadas. Aquí, es lógico, subrayar el acueducto de Segovia, como obra magnánima. De los puentes, podríamos nombrar el puente de Mérida, por su extensa longitud. Y bueno, las calzadas, es porque es un invento que facilita el camino de todas las ciudades que enlazarían con Roma. Y por eso mismo se dice que todos los caminos llegan a Roma. Se construyeron más de 400 vías, unos 85.000 km para comunicar la capital con las provincias más alejadas, y todas terminaban en Roma. Uno podía empezar el viaje en un camino romano en el noroeste de África y llegar a roma por una de sus calzadas.

Escultura Ecuestre Marco Aurelio

Las esculturas, disciplina artística, igualmente importante. Ésta derivó de la griega, incluso, como ya sabemos, copiaron literalmente esculturas de Mirón, Policleto, Praxíteles, etc. Pero no debemos pensar que los romanos eran unos meros copistas, hay que reconocer su capacidad de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, fueron innovadores y especialmente originales en el retrato, parece que no buscaban la idealización de la belleza (como los griegos) y entran en un contexto más real, más dramático y incluso muestran los fallos.

Sólo voy a nombrar una escultura, porque creo que el texto se está alargando mucho. Y nombro ésta porque me parece que tiene una importancia que hasta ahora no se la habíamos dado. Es la escultura ecuestre del emperador Marco Aurelio.

Esta imagen tenía como finalidad mostrar al emperador como un señor de la tierra siempre victorioso y conquistador. Sin embargo, al no llevar armas o armadura, Marco Aurelio parece transmitir más una imagen de paz que de héroe militar, tal y como él se percibía a sí mismo y a su reino.

Y digo que es una escultura importante, porque es la única escultura ecuestre en bronce que nos ha quedado de ese tiempo. Otras civilizaciones, incluso los romanos lo hicieron con los griegos, fundían otras esculturas de bronce, de otras civilizaciones o de otros emperadores, pera hacer otras esculturas o armamento. Así que pocas quedaron.

Villa romana de La Olmeda

Y así vamos a pasar a otra disciplina muy característica del imperio romano; los mosaicos.

Los romanos construían los mosaicos con pequeñas piezas llamadas teselas. Éstas eran, normalmente, de roca calcárea, vidrio o cerámica. El artista las disponía sobre la superficie componiendo un dibujo que después armaba, o las fijaba con cemento.

Fueron muy importantes y muy usados para decorar los espacios arquitectónicos, llegando a decretarse un precio, según los grados de calificación previa. Esto lo hizo el emperador Diocleciano.

En un inicio, lo usaron para decorar paredes y techos y más tarde, cuando se dieron cuenta que las obras no se dañaban, comenzó una moda de utilizarlos en las decoraciones de los suelos. (Esto era algo muy lujoso en la época).

Como obras podemos citar el mosaico figurativo en la Villa romana de La Olmeda. O el de la Villa del Camino de Albalate (Éste se encuentra ahora en el Museo Provincial de Teruel)

Bueno y con esto, vamos a dar fin al texto de hoy. Espero que haya despertado vuestro interés.

Jorge Barroso “Bifu”

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Gordon Matta-Clark (El Arquitecto que “destruía” edificios”

La arquitectura es el arte por excelencia útil, con una finalidad muy concreta. Creo que durante un tiempo, por eso ha sido tan poderoso este arte; porque por muy extraño, estéticamente, que haya sido su diseño o que se hayan usado unos materiales u otros en su construcción, la finalidad concreta es que ese edificio construido no se caiga. Es el principal objetivo.

Podemos ver el Museo Guggenhein de Bilbao, que estéticamente es una locura y sobre el diseño, durante un tiempo, hubo mucho debate en Bilbao; si iba a romper con la armonía del casco antiguo, que ¿eso qué era? Otras personas pensaban que le daría carácter al entorno… De hecho, con el tiempo, hemos visto que esto último es lo que ha ocurrido. Ese edificio, ya emblemático, colocó a Bilbao en el mapa mundial.  Te podrá gustar más o menos la estética del edificio, entenderás mejor o peor el concepto tecnológico utilizado en su diseño y construcción, pero lo que todas las personas comprendemos es que el edificio ha cumplido su principal objetivo, y es; que se mantiene en pie.

Por eso pienso que han ganado otros oficios cuando han comenzado a introducir elementos estéticos, conceptuales, en definitiva, valores artísticos, a su fin. Por ejemplo la cocina; otro ejemplo evidente de evolución y de crecimiento al usar valores artísticos en sus elaboraciones o presentaciones, pero con un fin claro; su principal objetivo es que el plato esté bueno, bueno de sabor y que, lógicamente, no sea insalubre. Pero al introducirles estos valores artísticos, la cocina, desde hace ya un tiempo, ha entrado en otra categoría. Hace unos años hubiera sido impensable que un cocinero estuviera en la portada del Times. (No lo digo por nada, simplemente, no tenían relevancia. (Y eso, ahora, ha cambiado de una forma rotunda).

El arte por el arte, es más complicado de entender para otras personas, ya que su fin, durante un tiempo fue la belleza o la estética, cosa que no todo el mundo la entiende por igual. O el entretenimiento, cuestión que, desde mi punto de vista, se ha deteriorado, se ha banalizado, y en consecuencia, hoy día confundimos el acto lúdico mediocre con el arte. Quizá por esto, desde hace ya bastante tiempo, hubo otra vertiente de un arte más intelectual, en muchos casos, más conceptual y al igual que ocurría con la belleza o la estética, esto, no es entendible para todo el mundo. Igualmente, hay que sumar la especulación, el terrible mercado de lo absurdo.

Por ello pienso que ahora nos encontramos con diferentes tipos de artes (si eso puede existir). No todo es arte por igual, hay personas que están más interesadas en un arte más político o controvertido, este que sirve para cuestionar o visibilizar problemas sociales. Más reflexivo, aquel que nos hace pensar sobre diferentes cuestiones, por ejemplo, existencialistas. Hay personas que siguen admirando la estética, o que sólo les interesa el arte clásico. Otras que admiran la depuración de la técnica… pero finalmente todo es arte ¿no? (No lo sé, sólo lo digo porque son las preguntas que yo me hago).

Cada vez estoy más convencido de esta teoría que tengo; el arte lo encontramos en los valores con los que hagamos el trabajo más que en la disciplina. (incluso más que el fin).

Digo esto, porque hoy os voy a hablar del Arquitecto que “destruía” edificios. Y claro, os preguntaréis; ¿pero es esto arquitectura? si el fin de la arquitectura es lo contrario. ¿no? Bueno, digamos que entendemos que es su principal objetivo. Pero qué ocurre cuando utilizamos en esta actividad, en principio, tan clara, la deconstrucción. ¿Cómo se puede deconstruir la arquitectura? Romper, destruir, debilitar ¿son palabras que cuadran en este arte?

Hoy vamos a hablar de un señor que exploró diferentes modos de intervención arquitectónica; Gordon Matta-Clark. Un Neoyorquino que murió en el año 1978, bastante joven, sólo tenía 35 años, pero su obra está más vigente que nunca.

Obra Gordon Matta-Clark

Sus padres eran pintores y emigraron a Estados Unidos debido a la II Guerra Mundial. Como curiosidad os diré que su padre era íntimo amigo de Marcel Duchamp y que esos conceptos artísticos de las vanguardias de principios del siglo XX, pues Matta-Clark, los había visto y sentido desde muy pequeño. Tenía un hermano Mellizo, también artista; John Sebastian (quizá más conocido como Batán).

En el 62 Gordon Matta-Clark viajó a Francia para estudiar Literatura Francesa y ahí fue donde descubrió los filósofos deconstructivistas. Estos fueron los que desarrollaron el concepto de “desvio” o reutilización de elementos artísticos preexistentes en un nuevo conjunto. Finalmente, estos criterios fueron los que llevaron al artista Neoyorquino a contextualizar su trabajo artístico.

Cuando vuelve a Nueva York es cuando estudia arquitectura, aunque nunca ejerció como tal, si esto se puede decir, porque su trabajo así lo demuestra. Aunque él decía que era más deconstructor que arquitecto. Eso sí, os garantizo que sin conocimientos de arquitectura, el trabajo realizado por este señor, sería inviable.

Hacía intervenciones en arquitecturas, que documentaba. Jugaba con las texturas, conceptos espaciales, la deconstrucción la reconvertía en actuación… Usaba títulos donde jugaba con el lenguaje y el mundo físico, al final se convertían casi en un slogan de ideologías, como;

“AN ARK KIT PUNCTURE, ANARCHY TORTURE, AN ARCTIC LECTURE…”

Parece ser que todos estos conceptos vienen de la Manhattan desindustrializada de los años 60, donde existían una gran cantidad de viviendas abandonadas y en ruinas. Matta-Clark aprovecharía esta vivencia para redirigir su obra, integrarla, aprovechando el entorno hostil que vivía.

Splithouse Gordon Matta- Clark (Splitting 1974)

Lo que más se conoce de él, son los Cuttings: Cortes realizados en los edificios que ofrecían nuevos espacios, perspectivas y sobre todo extrañeza, porque claro, cuando vemos una imagen de ese tipo, no entendemos del todo bien lo que ocurre. Cuando este señor corta una casa por la mitad, lo que vemos es un edificio que se puede caer, pero no es del todo así; estos cortes o huecos los hacía a mano, con sierra o cincel, milimétricamente estudiados, ya que uno de los fines de su obra era que el artista pudiera intervenir dentro de ese propio espacio.

Al crear otras perspectivas del mismo, entradas de luz, juego de texturas… pues no queda claro si es un arquitecto que construye o destruye. Me parece inquietante ¿no? Una imagen insólita, tanto por fuera como por dentro.

Otra intervención de Matta-Clark es la “Conical Intersect” de 1975. Esto era un edificio que iban a demoler, pero en toda aquella imagen que entendemos como una demolición al uso; andamiajes, redes de protección, cubas de escombros… de momento, en una de las fachadas del edificio, aparece un corte circular enorme, ya no sólo en la fachada, sino en algunas paredes interiores… Es increíble, porque se mezcla la estética, lo sorpresivo, lo performático, lo arquitectónico… Para mí, algo que no sabría categorizar muy bien.

“Conical Intersect” de 1975

Compré un libro, el cual os recomiendo, que se titula “Gordon Matta-Clark entrevistas”, (Es barato, vale 15 euros, aunque la edición no es muy buena, la verdad, pero su contenido es maravilloso. El propio Matta-Clark hablando de su obra). De hecho él dice que su trabajo ha consistido “en una serie de acciones exteriores con una orientación tanto escultórica como performativa”. También nos habla de “implicaciones arquitectónicas”. Y nos dice que “Es una experiencia muy física. Cuando nos ves quitar una esquina de un edificio hay resoplidos, escalada y pequeñas acrobacias. Además, pasamos semanas enteras con herramientas en las manos, como una extensión de nuestro propio cuerpo. Es como una performance con casco de obra, produciendo una brutalidad de línea clara”.

La Crítica de Arte Gloria Moure, que fue comisaria de la exposición de Matta-Clark en el Museo Reina Sofía en 2006 y que ha realizado estudios sobre el artista, como el libro “Gordon Matta-Clark. Obras y Escritos”, que, por cierto, he intentado conseguirlo y de momento está agotado, a ver si puedo conseguirlo de segunda mano o lo reeditan. Bueno, el caso es, que nos viene a decir que “es un artista que utiliza el espacio en un momento de cambios paradigmáticos en la cultura occidental: hay una generación de artistas que entienden el arte como algo espacial, ya no está en el cuadro bidimensional”.

Food (1972)

Gordon Matta-Clark, también fue quien abrió, junto al colectivo Anarquitecture, en el barrio humilde del SoHo, el restaurante Food (1972), un lugar de encuentro artístico por donde pasaban todos los artistas de la época. Harold Berg nos dice; “recuerdo el ambiente relajado, lo extraño de la comida, de la forma de servirla… Era una experiencia diferente a lo que estaba acostumbrado. Fuera, las calles estaban desiertas”.

Por ahí pasaron artistas como Robert Rauschenberg y Donald Judd, bailarinas como Trisha Brown o músicos como Phillip Glass o John Cage.

Este señor, arquitecto, performance, cuestionador, pero sobre todo artista, (o al menos, ese es mi punto de vista), y que colaboró con artistas escénicos como Trisha Brown o el mismísimo Bob Wilson, murió en 1978 de un cáncer de páncreas a la edad de, tan solo, 35 años.

Aunque un artista que se fue joven, también nos dejó una obra y unos conceptos inmensos. Prácticamente, todos, documentados y recogidos en fotos y trabajos audiovisuales y que si es de vuestro interés, podéis deleitaros buscando más información por internet sobre este interesante y controvertido artista.

Sí os diré algo más; como concepto de idea artística, esto que hemos hablado otras veces, donde las vanguardias de 1920 nos decían que el arte ya no se encontraba en el objeto, sino en la idea, Matta-Clark realizó una acción muy interesante: se interesó por la idea de entropía, las brechas metafóricas y los espacios residuales y ambiguos y realizó el Fake Estates; un proyecto en el que jugaba con la idea de la propiedad de la tierra y el mito del sueño americano de que todas las personas pueden ser terratenientes, como dueño de la propiedad. Claro, él lo que hace es participar en ese sueño, pero compra 15 propiedades residuales y abandonadas con un coste de entre 25 y 75 dólares. Propiedades, las cuales, no quiere nadie, porque son solares imposibles de usar y por lo tanto, no tienen capacidad para ser construidos y en consecuencia especular con ellos. Así, Matta-Clark, se convierte en un propietario poco efectivo, quedándose con el concepto de la idea de propiedad.

Como me dijo Manuel León (pintor); no todo el mundo puede ser artista. No ha todo el mundo se le ocurre comprar un váter y exponerlo tal cual. Y sobre todo, no en ese momento concreto de la historia. Claro, que si lo expones ahora, no tiene el mismo concepto de ruptura, y por lo tanto, no tiene, ni el mismo impacto, ni la misma repercusión.

Al final, el arte, que es la capacidad creativa del ser humano, la pericia y habilidad de hacer algo, pues creo que no se puede acotar en disciplinas concretas. Lo que fue arte hace unos años, hoy no lo es. Lo que no era, hoy lo es. Igualmente ocurre con los conceptos que van y vienen, pero creo que no pasa con los valores, que han aumentado, algunos valores se han sumado a estos iniciales, pero los primarios no han cambiado. Así que, para mí, Gordon Matta-Clark era un artista, que aprovechaba sus conocimientos arquitectónicos y filosóficos para realizar sus obras.

Pero, no sé, ¿cómo categorizaríais vosotros y vosotras a Gordon Matta-Clark?

Jorge Barroso “Bifu”

AUDIO IVOOX: 1×36 GORDON MATTA-CLARK (El Arquitecto que Destrozaba Edificios) mp3 en La Habitación Semihundida en mp3(26/04 a las 08:43:30) 26:27 69107911 – iVoox

HISTORIA DEL ARTE 5 Arte Clásico (Grecia)

Vamos a comenzar con otro de estos textos en los que recorremos de una manera cronológica las distintas épocas de la Historia del Arte. En este caso, llegamos a una época muy importante, pues quizá sea el momento en el que el arte de lo que posteriormente sería Europa, coge una base, de la que todas las vertientes posteriores se inspiraran.

Una civilización que se asienta en las costas e islas del mar Egeo, y que más tarde se expande por las costas meridionales del mar Adriático y el Tirreno. Más tarde, con el Imperio de Alejandro Magno, conquistaría gran parte del mediterráneo, Egipto, Mesopotamia, Persia…

Hablamos del momento en el que se crea el concepto de “polis”, como ciudades, como civilizaciones…

Para estudiar esta etapa de la Historia del Arte, lo mejor es dividir por tiempos y civilizaciones. Así debemos saber que a Grecia pertenecieron la civilización Minoica, la Micénica y la Civilización Griega propiamente dicha. Ésta, la civilización griega, igualmente, podemos dividirla en tres; época arcaica, época clásica y época helenística.

Es fácil de entender, porque aunque realmente vamos a hablar del periodo clásico, que viene a ser desde el año 1.000 hasta el 300 a.C. Grecia, tuvo una etapa anterior que podemos decir que abarcaría desde el año 6.000 hasta el 1.600 a.C. Es esta, la que conocemos como civilización Minoica, y fue la primera en aparecer en Grecia. Concretamente en la Isla de Creta. Esta civilización se fue expandiendo gracias al enorme comercio que tenía por la fertilidad de su suelo, de su tierra. (Cereales, aceitunas, vino…). De esta época se destacan los palacios junto al mar con bellas pinturas en sus paredes. Y por citar alguno, podemos decir que el más importante descubierto es el palacio de Cnosos.

Luego vendría este periodo de la civilización Micénica. (Del 1.600 al 700 a.C. Aproximadamente) Digamos que sería como una evolución lógica de las anteriores civilizaciones. Seguía siendo uno de sus mayores logros, el comercio marítimo. Lo curioso de este tiempo es que esos palacios característicos de la época, donde vivían los reyes y que también podrían valer como cuartel general del ejército, fueron desapareciendo progresivamente, en circunstancias que aún desconocemos.

De esta época, el rey más conocido fue Agamenón, considerado héroe de la Guerra de Troya.

Y ya, a partir del año 700 a.C. aproximadamente, entramos en la Civilización Griega. Como hemos dicho, para un mayor entendimiento de este periodo, vamos a dividirlo en tres; la época arcaica, la clásica y la helenística.

¿Qué nos ha deparado la época Arcaica?

Pues de momento, es donde aparece, realmente, el concepto de “polis” (Ciudad-estado independiente, gobernado por una minoría de personas de sangre noble, denominados Aristoi (que significa “los mejores”) de los cuales, a la cabeza, se encontraba el rey. Bueno, a esta forma de gobernar, se le llama o denomina “Oligarquía”, es decir, el “Gobierno de unos pocos”. Existían pocas personas libres, y sí que había muchos esclavos que servían a estos nobles.  

Este periodo también es crucial e importante para la historia de Grecia, ya que es el momento en el que comienzan a conquistar parte de las costas mediterráneas. 

Máscara de Agamennon

Pasaríamos ya a esta segunda etapa, la que llamamos Época Clásica y que correspondería a siglo V y comienzos del Siglo IV a.C.

Aquí podríamos decir que se consolidan dos grandes estados rivales entre sí; Atenas y Esparta.

Atenas pasó a ser una democracia y Esparta seguía siendo gobernada por una oligarquía. Es un momento de esplendor para Grecia, sobre todo Atenas, pero sucedieron dos grandes guerras que cambiaría estos estados para siempre; Las Guerras Médicas (del 500 al 479 a.C.) y las Guerras del Peloponeso (del 431 al 404 a.C.).

Las Guerras Médicas enfrentaron a los griegos y los persas. Tras años de lucha, los griegos vencieron de la mano de Pericles y llegó un apogeo político y económico hasta que la rivalidad entre Atenas y Esparta, estalló en lo que conocemos como las Guerras del Peloponeso. En este caso y después de muchos años de contienda, Esparta venció, pero dejaron ciudades arruinadas y debilitadas, incluyendo su propio estado. Quizá por esta debilidad, estas polis no pudieron hacer frente a la inminente crecida de Macedonia, estado situado al norte de Grecia y dirigido por el rey Filipo II.

Todo esto nos da paso a la época Helenística.

La época Helenística, abarcaría del siglo IV al Siglo I a.C. Grecia pierde su independencia y es conquistada por Filipo II de Macedonia. Éste era el padre de Alejandro Magno, que tras la muerte de su padre, se hará cargo del Imperio y es cuando comienza la imparable conquista que les llevará a colonizar Persia, Egipto y Mesopotamia, llegando a los confines de la India.

Alejandro Magno, tenía la idea de crear un gran imperio universal, pero tras su muerte en el año 313 a.C. a la edad de 33 años, los espacios conquistados son repartidos por sus generales y estos, se conocerán, como los reinos Helenísticos. Y que a su vez, tendrán su fin con el auge y conquista del Imperio Romano.

Columnas Griegas

En el arte griego encontramos los conceptos estéticos que van a predominar en la cultura occidental. La belleza se encuentra en la armonía de las medidas y proporciones, en la simetría, y es el cuerpo humano el elemento potencial que se escenifica. (A esto le llamamos antropocentrismo).

Bien, la arquitectura es fundamental si queremos hablar del Arte griego, y esta se basa, principalmente, en la Columna, como elemento esencial de la construcción.

Y para no hacernos mucho lio, vamos a ver de qué se componía básicamente una columna (porque así vamos a entender después mejor cuando hablemos de su aspecto decorativo).

La columna se compone básicamente de:

  • La basa, que sería la base de la columna.
  • El fuste, que se refiere al cuerpo de la columna en sí.
  • El capitel, que sería la parte alta de la columna y donde descansaría el entablamento. (Importante por su decoración)
  • El Entablamento que ya hablaríamos de la parte superior del templo. Y éste, a su vez, se compone de:
    • Alquitrabe, que es esa zona alargada que descansa como primera pieza sobre las columnas.
    • El friso es la zona que continuaría encima del alquitrabe como otro alquitrabe pero en este caso normalmente decorados con triglifos y metopas.
    • La cornisa de remate.
    • Y el techo a dos aguas que deja libre el frontón, como espacio triangular, de especial para la decoración y que a medida que el estilo evoluciona, se va recargando cada vez más.

Bueno, estas son las partes básicas de la columna y ahora vamos a hablar de los tres órdenes arquitectónicos fundamentales de la época; el dórico, jónico y corintio.

Vamos con las características del dórico:

Es el más antiguo de todos y lo encontramos en la Grecia continental, que sería toda la zona del mar Egeo y también podremos verlo en la Magna Grecia, que sería la zona sur de la Italia conquistada.

Las características son que no tiene basa, o sea, que la columna descansa en el suelo, el fuste es recorrido por estrías, el capitel está poco decorado y se compone de algunas molduras. Dentro del entablamento, el arquitrabe es liso, sin decoración. El friso alterna triglifos y metopas. Y bueno, el frontón es decorado, pero menos que en sus ordenes evolutivas siguientes.

El Jónico, lo encontraremos más en Jonia (Asia menor) o sea, la costa este del mar Egeo. Y es un estilo más elegante, más esbelto. Posee basa con molduras, fuste de estrías y su capitel, es muy característico por su collarín de perlas y las volutas enroscadas. El Alquitrabe, no está decorado pero se divide en tres bandas. El friso tiene una decoración corrida y el frontón más decorado que en el dórico.

Vamos con el último, que sería el orden Corintio:

Es el último en aparecer, y es una evolución clara del jónico. En este caso, todas las decoraciones son parecidas al jónico, excepto su característico capitel, realizado con una elaborada taya de hojas de acanto. Y en general, su decoración es más recargada. Pueden, a veces, existir columnas de figuras humanas. Las que representan a hombres se llaman atlantes y las que representas mujeres, se les llama cariátides.

El edificio por excelencia de la arquitectura griega es el templo. Quizá sea el más importante de la época; El Partenón.

Se construyó en torno al 447 a.C. Momento del esplendor de Atenas. Fue realizado por los arquitectos Ictinos y Calícrates y como escultor, el conocido Fidias.

Estaba dedicado a Atenea Parthenos, fundadora de Atenas. Es de orden dórico, octástilo (Que quiere decir que en sus dos fachadas principales tenía ocho columnas) y períptero (Que nos viene a decir que sus cuatro fachadas estaban rodeadas por columnas). Es que, claro, todo esto se diferenciaba, la arquitectura, si tienen en sus fachadas principales 4, 6, 8 columnas o si, por ejemplo dos de sus fachadas, digamos, no tenían columnas, eran paredes, y claro, estas formas de diferenciarlos, son nombres que nos suenan un poco raro. Así, que de momento, no nos vamos a liar más, y nos vamos a quedar con la forma del Panteón de Atenea. Como ya he dicho, de orden dórico, octástilo (o sea, ocho columnas en sus fachadas principales) y períptero (Rodeado por columnas).

Es curioso, que dentro, hay otras filas de columnas, igualmente dóricas, pero la parte que del opistodomo (Opisto = detrás. Domo = Casa) O sea, que el opistodomo era la parte posterior del templo. Y esta zona, está rodeada por 4 columnas, en este caso jónicas. Y es la primera vez que se conoce de un edificio griego que haya entremezclado dos estilos. Bueno, en esta zona es donde estaba la escultura dedicada a Atenea. Ésta realizada por Fidias, en marfil, oro y plata.

Partes del Templo Griego

Una cosa curiosa de esta arquitectura, era que las columnas, no están totalmente rectas. Ya se construían, digamos desde la base al capitel, en aros decrecientes, pero en sí, están como inclinadas hacia adentro. Y las columnas de los ángulos, o sea, de las esquinas, son ligeramente más gruesas que las demás. Y esto, al parecer, lo hacían, para que no se creara una ilusión óptica, que pareciera que el edificio se fuera a caer. (No sé, curioso ¿no?)

Para terminar con la arquitectura, podríamos hablar de la Acrópolis, que sería el recinto sagrado de la polis de Atenas y que después de la invasión persa, Pericles, reconstruyó en la segunda mitad del siglo V a.C. Y bueno, el edificio principal era el Partenón. Pero existen otros edificios, igualmente interesantes como el Propíleos, Templo de Atenea Niké o el Erectión.

1- Kourós de Anavyssos 2- Doríforo 3- Apoxiodomo

Vamos a ver la escultura griega. Que aquí también hay bastante de lo que hablar y haremos lo mismo que antes, dividir la temática por épocas. Volvemos a la época Arcaica, la clásica y la helenística.

En la arcaica ya podemos encontrar las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra y con dos tipos característicos; Los Kouroi, que eran fundamentalmente figuras de atletas desnudos y las Korai que eran figuras de mujeres vestidas que hacían ofrendas. Dos esculturas a destacar; la Dama de Auxerre y Kourós de Anavyssos.

De la época clásica, ya hay un poco más que decir. La idea de esta época, era plasmar una belleza ideal, aunque de estilo naturalista, se entiende como idealización de la belleza. O sea, que no representaban el o la modelo en sí, sino que se basaban en este para desarrollar la pieza pero llevándolos a un arquetipo de belleza de la época.

El verdadero protagonista es el desnudo masculino, donde se consigue un dominio importante de la anatomía.

Mirón era uno de los destacados escultores y su obra más conocida es discóbolo. Aunque la que se conserva es una copia romana realizada en mármol, la original era en bronce. Esta figura es la conocida del lanzador de disco, donde se puede observar un concienzudo estudio de la anatomía. En este caso, se intentó dar movimiento, y aunque bastante valorable, aun se ve más como una pose, que como esfuerzo de movimiento.

Policleto, otro conocido escultor, también broncista. Pero de igual manera, lo que nos ha llegado son copias romanas. Este escultor es importante porque es que impone un “kanon” establecido de simetría y proporciones. Como que el cuerpo debía medir siete veces la cabeza. Sus obras más representativas son Doríforo, Diadumeno y Amazona herida.

Praxiteles, es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza. Él hace que sus figuras tengan más inclinación en la cadera, ofreciendo un poco más de movimiento a sus figuras, aunque aún continúa el quietismo. Sus obras más conocidas son Hermes Olimpia (uno de los pocos casos que se conserva la escultura original), Apolo Sauróctono y Afrodita Cnido.

Lisipo, fue otro importante escultor, además muy conocido porque estableció el nuevo canon de belleza, haciendo que el cuerpo humano fura proporcional a ocho cabezas, aunque ésta, más reducida. Esto hizo que la figura se estilizara. Como curiosidad diré que era el escultor preferido de Carlo Magno. Sus principales obras son Apoxiomeno, ejemplo claro del nuevo canon y del dominio de la tercera dimensión, al tener la figura un brazo extendido hacía delante y Hércules Farnesio, con un extraordinario e studio de la anatomía y la fortaleza física.

Y ya para terminar, como última evolución escultórica griega me gustaría hablaros de la obra La Victoria Samotracia y Conjunto de Laoconte y sus Hijos, que podrían ser obras que rozan lo colosal, que buscan el movimiento y la expresividad.

La Victoria de Samotracia

La Victoria Samotracia, que mide 2,70 metros de altura. (ahora en el museo del Louvre de París) pertenece a la Escuela de Rodas en el Siglo II a.C. Y representa a la diosa Niké. Se piensa que fue mandada a hacer para celebrar la victoria de Antíoco III Megas, en la época helenística. El cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento, que recuerda a la denominada técnica de “paños mojados” atribuida a las obras de Fidias.

Laoconte y sus Hijos

La otra obra, y con la que damos fin a esta hermosa etapa del arte, es la de El Conjunto de Laoconte y sus hijos. Una escultura de 2,42 metros de altura en forma piramidal. Igualmente es de estilo barroco helenístico y juega con el movimiento y la expresión. Está tallada en mármol blanco y se trata de un grupo escultórico con tres figuras humanas y dos serpientes enormes. Representa el momento exacto en que las serpientes marinas se enroscan en el cuerpo del sacerdote troyano y sus dos hijos, al cual castigaron por dudar del Caballo de Troya. Siguiendo los rasgos característicos del arte helenístico, la obra hace gala de un gran dinamismo y virtuosismo.

Bueno, hemos llegado al final de esta época, más pronto que tarde, compartiré otro programa en el que hablaré sobre el arte Romano, completando así, el periodo del Arte Clásico. Espero que haya sido de tu interés.

Jorge Barroso “bifu”

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