HISTORIA DEL ARTE 10 (Renacimiento)

Hoy nos adentramos en lo que conocemos como Edad Moderna. Concretamente iniciamos en el siglo XVI.

El siglo XIV fue una época de carencias económicas y de epidemias que harían que hubiera un decrecimiento del poder de los señores feudales.

Sin embargo, el Siglo XV, fue un momento de expansión económico debido al aumento demográfico y de productividad agrícola.

De lo que hablaremos hoy, es de un movimiento, uno de los más importantes en toda la Historia del Arte, que comenzó en Italia y que se expandió por toda Europa. Convirtiéndose en un movimiento universal, pero no será uniforme y homogéneo, en cada país la tradición local condicionó su desarrollo y lo llenó de matices. Incluso el desarrollo cronológico no se hará de forma paralela: el estilo reinante durante el siglo XV será el Gótico; hay que esperar hasta el siglo XVI para atisbar la nueva estética; El Renacimiento.

Entramos en un momento de la Historia en el que los reyes, por todo el aumento económico, debido al aumento geográfico, de invasiones y conquistas, aprovecharán el momento para implantar, de nuevo, una Monarquía Autoritaria. Para ello se servirán de 6 puntos:

  1. Unificación territorial por conquistas militares y alianzas matrimoniales.
  2. Crean ejércitos permanentes, comandados por la nobleza.
  3. Centralizan la administración, creando funcionarios como consejeros o jueces que representan el poder real.
  4. Crean tribunales Superiores de Justicia que ejecutan sentencias, en nombre del rey.
  5. Crearan nuevos impuestos, para mantener a los funcionarios y el ejército. (Por supuesto, la nobleza y el clero están exentos de estos impuestos).
  6. Y crean la diplomacia como vehículo de relaciones internacionales.

Por ejemplo, en España, el matrimonio entre Fernando de Aragón e Isabel de Castilla, conocidos como los Reyes Católicos, unen ambas coronas creando un estado más grande y poderoso. Portugal inicia su expansión por África y el sur de Asia. Francia, continúa su expansión con la anexión de Aquitania, Bretaña y parte de Borgoña. En Inglaterra se asienta la nueva dinastía Tudor. Alemania, dividida en varios principados, recae el poder imperial en Habsburgo, que mantienen la hegemonía hasta principios del siglo XX…

Y una cosa muy importante, es que el Imperio Bizantino, es conquistado por los Otomanos. Y esto hace que la conocida Ruta de la Seda quede intransitable por el asentamiento de este nuevo Imperio.

Europa, necesitan entonces, buscar nuevos caminos para seguir con el comercio de Asia y es el momento de los descubrimientos y de las grandes expediciones marítimas.

Todo ello fue posible por los adelantos técnicos como la brújula, el timón móvil y la invención de los portugueses de la Carabela; un barco que combinaba velas cuadradas para la velocidad y triangulares para las maniobras. No utilizaban remos, con lo que en la bodega había mucho espacio para almacenar mercancías. Y otra cuestión importante, es que estaban provistas de cañones, resistiendo así, los ataques piratas.

También es el momento en el que se desarrolla de una forma más exacta la cartografía, y esto hace que se creen mapas más exactos de los recorridos y vientos.

El descubrimiento más importante de la época, fue sin duda, el del continente americano (Descubrimiento, colonización, no sé muy bien como decirlo, incluso invasión, ¿no? El caso es que para Europa, descubrir ese nuevo continente supuso un crecimiento económico brutal).

Lo que me resulta muy interesante es como ocurrió todo esto; Cristóbal Colón intento que Portugal le financiara la expedición, que en un principio se trataba de buscar una ruta alternativa a la Ruta de la seda (Pensando que la tierra era redonda, proponía ir hacia al oeste en vez de al este). Portugal ya estaba realizando sus propias expediciones por las costas africanas y esto hizo que Colón, pidiera ayuda a España.

Tras varios intentos, obtuvo el beneplácito de los Reyes Católicos. Así, partió en búsqueda de la India, pero el 12 de octubre de 1492 se topo en su camino con un nuevo continente. (Colón estaba convencido de que había llegado a Asia. Más tarde, Juan Caboto y Américo Vespucio demostrarían que se trataba de un nuevo continente. (Visto desde el punto de vita Europeo de la época, claro).

Las expediciones de Hernán Cortés, que conquistaron e invadieron centro América y parte de América del Norte, derrotando así, al Imperio Azteca. Y las de Francisco Pizarro, América del Sur, derrotando y conquistando el Imperio Inca.

Esta etapa (1522, o sea, 30 años después del descubrimiento de América) también recoge el momento en que Núñez de Balboa descubriera el mar del sur; ese tránsito que luego llamaríamos estrecho de Magallanes y que unía el Océano Atlántico y el Pacífico. Por esta ruta, el propio Magallanes llegaría hasta Filipinas y tras su muerte, el viaje se concluyó, al mando de Juan Sebastián El Cano, consiguiendo así, dar la primera vuelta al mundo. (En la que se tardó casi 3 años).

Primera Vuelta al Mundo

Las consecuencias de estos viajes, supusieron el asentaron de las bases de la futura hegemonía de Europa; mestizaje, trata de esclavos negros del nuevo continente e intercambio de enfermedades que contribuyó al descenso de la población indígena.

Se desplazó la actividad comercial a puertos como Sevilla, Lisboa, Londres y Amberes. Y el comercio creció en mercancías como metales preciosos, trigo, café, caña de azúcar, maíz, patatas… Y la importación de oro y plata estimuló la economía española, que se alzó durante un tiempo como centro de la política mundial.

Metiéndonos en el Renacimiento como estilo artístico, debemos decir que nace en Italia. Y esto tiene bastante sentido, cuando es uno de los países que en ese momento y por todas estas cuestiones históricas que hemos hablado antes, pues es uno de esos países que desarrolla una nueva economía, lo que da lugar a una nueva sociedad, y ésta, a unos nuevos intereses artísticos.

Italia nunca perdió, de alguna manera, su espíritu clásico, que incluso perduró en el Románico y el Gótico. Su gestación, podríamos decir que comienza en el “Trecento” en pleno Gótico durante el siglo XIV.

En escultura los Pisano y en pintura los Primitivos Italianos de la Escuela de Florencia y de la Escuela de Siena nos permiten ya hablar de un ProtoRenacimiento. Como centro artístico destacan las ciudades de Pisa, Florencia o Siena.

La capilla Scrovegni de Padua (Giotto)

El «Quattrocento» – Se desarrolló en el siglo XV, todavía experimental.

Surge una nueva estética, un nuevo sentido de la belleza, un nuevo estilo, el Renacimiento (término acuñado por Vasari en el siglo XVI), debido a que «renacen» los ideales de la antigüedad clásica, la cultura grecorromana, pero no es una imitación, sino un punto de partida para el nuevo espíritu y para las nuevas creaciones. La capital artística de este primer Renacimiento es Florencia.

La Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores, en Florencia, de Filippo Brunelleschi

Y por último el «Cinquecento», en el siglo XVI, que es el momento del pleno Renacimiento. Y como centro del arte, se asentará en la ciudad de Roma.

¿Cuáles son sus características?

De momento, podemos decir que nace una nueva concepción del arte y tiene varios procesos:

El Manierismo – Hacia la tercera década del siglo XVI, donde se produce una reacción anticlásica que ponía en cuestión los ideales de belleza del Renacimiento vistos antes.

El origen del concepto de Manierismo está en la expresión italiana «allá maniera di…», es decir siguiendo la línea de Miguel Ángel, Rafael, Leonardo. La época del Manierismo es de cambios políticos (Italia campo de batalla entre España y Francia, «Sacco di Roma» en 1.527) y religiosos (la reforma protestante pone en entredicho la supremacía de Roma), terminando con el optimismo humanista.

Otra cuestión de este estilo, El Renacimiento, es que se convertirá en un estilo universal, extendiéndose desde Italia al resto de Europa. Pero no será uniforme y homogéneo, en cada país la tradición local condicionó su desarrollo y esto hizo que fuera un movimiento lleno de matices.

Incluso, como he dicho al principio de este texto, el desarrollo cronológico no se hará de forma paralela.

El Jardín de las Delicias (El Bosco)

Nace el Humanismo, que cambia la concepción medieval del hombre. Ahora, éste, vuelve a ser el centro de todas las cosas, e introducirá cambios en todas sus manifestaciones, sobre todo en la cultura y el arte, como veremos más adelante y si lo comparamos con el arte románico, por ejemplo, donde todos los temas eran religiosos.

Igualmente es el inicio del Racionalismo, donde la realidad es comprendida a través de la razón. Se investiga científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura, antes de llevar a cabo las obras finales.

Y con respecto a los artistas y las artistas, es el momento en el que cogen protagonismo. Desaparecerá el anonimato artístico y la historia del arte comienza a basarse en la autoría, más que en la obra en sí. De estos, aparecen los mecenas, que normalmente eran personas adineradas que promocionan a los artistas que les gustaban y solían ser coleccionistas, realizando una gran cantidad de encargos. Se toma más en serio las figuras de los críticos y biógrafos. Se estudia de una manera sistemática los prototipos artísticos clásicos…

El Renacimiento supuso también el descubrimiento de la naturaleza, que se hace patente en los fondos de la pintura o el esfuerzo por representar la anatomía. Pero, igualmente, que en el arte clásico, se trata de un naturalismo idealizado, o sea, se representa más la idea perfecta de cada ser. No se representan las imperfecciones o deformidades.

Pasando a la Arquitectura Renacentista Italiana, concretamente en el Cinquecento (Siglo XVI) la capitalidad del arte pasa de Florencia a Roma, bajo el mecenazgo de los Papas Julio II, León X y Sixto V.

Para demostrar el poder creciente de la Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo: se utilizan con mayor rigor los órdenes clásicos; es un arte solemne y monumental pero se huye de todo colosalismo deshumanizado, predominando la medida, el equilibrio y la proporción; empleo de frontones triangulares y semicirculares en combinación; se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula símbolo del orden divino existente en el universo.

Proyecto de la Basílica de San Pedro (Miguel ángel Buonarroti)

Miguel Ángel Buonarroti, considerado como el iniciador del Manierismo en arquitectura, busca los grandes efectos espaciales. Por ejemplo, San Pedro del Vaticano. (Pero yo creo que de los artistas, al haber tanta información, lo dejaremos para el texto que viene. Supongo que de momento es mejor hablar a rasgos generales de los estilos, las formas, la geografía… y ya en el siguiente, me centraré en citar algunos nombres fundamentales para esta etapa del arte).

Por las intensas relaciones de España e Italia, e impulsadas por Fernando el Católico, que su corona tenía dominio sobre Cataluña – Aragón y a su vez, sobre Nápoles y Sicilia, hay un intercambio de artistas que hace que a finales del siglo XV se vaya expandiendo el Renacimiento por España y ya se extenderá paulatinamente a lo largo del Siglo XVI.

Las características sociales de la España del momento eran un tanto diferentes de las que se habían observado en Italia en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto en que se desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, a principios del siglo XVI el fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña y Valencia; al mismo tiempo, si en Italia la aparición de la burguesía y su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en España eran la iglesia, la nobleza y la monarquía las que seguían ostentando el poderío económico; sin embargo las circunstancias políticas del momento, profundamente marcadas por la consecución de la unidad nacional y por el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del siglo XV, hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la penetración de Renacimiento.

Todo esto explica que el Renacimiento en España se mantenga bajo la tutela de la nobleza, la Corte y la Iglesia, quienes establecerán cuáles son las necesidades que debe satisfacer el arte.

Volviendo a la Arquitectura Renacentista, en este caso en España, se puede estructurar en tres fases o períodos: Estilo Plateresco, Estilo Purista o Clasicista y Estilo Herreriano. No obstante, es preciso hablar previamente de la evolución que sufren las formas arquitectónicas a lo largo del siglo XV para llegar a lo que se considera propiamente arquitectura renacentista y comprender cómo se ha ido gestando el lenguaje artístico del nuevo estilo.

La Puerta de la Pellejería de la Catedral de Burgos, de Francisco de Colonia.

Digamos, en el primer Renacimiento o en el estilo Plateresco, se desarrolla cronológicamente en la primera mitad del siglo XVI, correspondiendo con el reinado de Carlos I de España y V de Alemania, y geográficamente se ubica principalmente en Castilla, concretamente en las ciudades de Burgos, Toledo, Guadalajara, Salamanca y Valladolid; posteriormente, la primacía artística pasará sobre todo a Sevilla.

Se trata de un estilo ornamental que abarca desde las últimas obras del Gótico Flamígero hasta la consolidación de las formas plenamente renacentistas libres de pervivencias góticas y platerescas, es decir, hasta lo que se denomina Estilo Clasicista por su clara influencia italiana.

La característica fundamental que define el Estilo Plateresco es la profusión decorativa, que combina simultáneamente elementos de influencia italiana con otros hispanos: medallones, escudos, balaustradas y figuras humanas, animales o vegetales entrelazadas, los denominados grutescos, se conjugan con habilidad y cubren las superficies de los edificios hasta desdibujar sus originarias líneas puras. Esta característica le valió la denominación de “plateresco”, al comparar su minuciosa decoración con la tarea propia de los plateros y orfebres. A este estilo pertenecen: La Puerta de la Pellejería de la Catedral de Burgos, de Francisco de Colonia. La Escalera Dorada de la Catedral de Burgos, de Diego de Siloé. O La Fachada de la Universidad de Salamanca, de autor anónimo.

La Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, de Rodrigo Gil de Hontañón

El Clasicismo Renacentista: Digamos, el Estilo Purista, coexiste con el plateresco durante los años centrales del siglo. El Estilo Purista o Clasicismo Renacentista se caracteriza por un retorno a las formas clásicas, al gusto italianizante. Se imponen los arcos de medio punto, los almohadillados en los muros y los edificios adquieren un aspecto más sereno, armónico y equilibrado. En decoración, generalmente sólo cubre puertas y ventanas, limitándose a algunos elementos concretos, generalmente de inspiración clásica.

Las obras arquitectónicas y los artistas más significativos del Estilo Purista o Clasicismo son La Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, de Rodrigo Gil de Hontañón y El Palacio de Carlos V de Granada, de Pedro Machuca.

Monasterio de San Lorenzo de El Escorial de Juan de Herrera

Y bueno, vamos a pasar ya el estilo Herreriano, que de igual manera, lo llamaban arquitectura del Bajo Renacimiento. Este estilo ocupa el último tercio del siglo XVI, bajo el reinado de Felipe II.

El estilo anterior se ve interrumpido por la introducción de formas del Cinquecento italiano y los postulados del Manierismo, caracterizadas por una gran sobriedad decorativa, conectando perfectamente con la austeridad que propugnaba la Contrarreforma, debiéndose también su triunfo al hecho de ser un estilo propio y nacional.

El nombre que recibe el estilo deriva de Juan de Herrera, autor de la obra clave de este período, el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial: las obras comienzan bajo la dirección de Juan Bautista de Toledo, pero muere en 1567 y será sustituido por Juan de Herrera, el auténtico artífice de El Escorial; se caracteriza por el predominio de los elementos constructivos y la casi total ausencia decorativa, las líneas rectas y los volúmenes cúbicos, dominando las formas geométricas simples y la horizontalidad, rota únicamente por las torres de las esquinas y la cúpula de la basílica, de planta de cruz griega… en resumen, edificio monumental que representa la grandeza del Imperio español de la época.

El sentimiento clásico aparece antes en la escultura que en la arquitectura. Ésta utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce y los protagonistas son el hombre y la naturaleza, acentuándose el naturalismo, se busca la representación de la realidad, aunque a veces ésta se idealice, se intentan crear modelos ideales, que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento. También es importante la preocupación por la expresividad de las figuras.

En bulto redondo se realizan bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres…

Piedad del Vaticano de Miguel Ángel Buonarroti

Por último mencionar que la escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon; aunque continúa siendo fundamentalmente cristiana se subordina el simbolismo religioso a la consecución de la belleza, centrando su interés en la belleza formal de las figuras, estudiando así mismo la anatomía a través del desnudo y el retrato. También reaparecen los temas mitológicos.

Y es del Cinquecento, uno de los máximos genios de la Historia, que ya lo hemos nombrado, poeta, pintor, arquitecto y sobre todo, escultor; Miguel Ángel Buonarotti.

La escultura del Renacimiento en España llega gracias a artistas italianos, como Fancelli y Torrigiano, o a los españoles que viajaban a Italia a formarse, como el caso de Alonso Berruguete.

La escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Además de dar mucha importancia de la expresividad.

También es original por los materiales empleados: se utiliza mucho la madera policromada con la técnica del estofado, en la que se aplica una fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado. Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos.

No obstante, la plenitud de la escultura renacentista española llegará de la mano de la Escuela de Valladolid, concretamente de Alonso de Berruguete y de Juan de Juni.

Sacrificio de Isaac de Alonso Berruguete

Bueno, vamos a pasar a la pintura. ¿Cómo no? Sigue apareciendo en Italia, concretamente en Florencia, que en aquel momento continúa siendo la capital del arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor mecenas.

  • Mejor manejo del color, perdiendo su imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen dándoles mayor importancia que otras escuelas.
  • La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior.
  • Las formas son ya redondeadas, no con apariencia tan plana como antes, gracias al claroscuro de luces y sombras se consigue el volumen, junto con otros recursos (como poner el brazo en primer plano).
  • Ya no existe tanta obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo.
  • Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares…
  • Y por último, la composición es clara, con frecuencia triangular, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única escena o destacando claramente la principal.
Hombre Vitruvio de Leonardo da Vinci

Aquí aparece otro de los genios de la época, concretamente del tránsito del Quattrocento al Cinquecento y es Leonardo da Vinci. Que, bueno, se ha considerado siempre como arquetipo de artista del Renacimiento, por su pasión por tosas las formas del saber; científico, escritor y artista.

Bueno, y para terminar, sí nombraré, al menos, el pintor por excelencia de la pintura Renacentista, que no fue otro, que “El Greco”.

Pero bueno, como ya digo, y para que no se nos quede muy largo este texto, más adelante, realizaré otro, que nos sirva de complemento a este, en el que mencionaré los y las artistas del Renacimiento. Sí, porque esto es cierto; prácticamente, todos los libros de arte mencionan figuras masculinas como artistas del Renacimiento y creo que es absolutamente necesario, reestructurar la historia del arte, posicionando nuestras mujeres artistas. Así que el siguiente programa se lo dedicaré a estas figuras, donde mencionaré, de igual manera a, por ejemplo; Sofonisba Anguissola, Plautilla Nelli o Levina Teerlinc.

Espero que el texto haya sido de vuestro interés.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×10-historia-del-arte-10-renacimiento-audios-mp3_rf_78607080_1.html

PIEZA 4: Experiencia Escénica Sensorial (Dentro del Laboratorio Reestructurando los Métodos Escénicos. (Cocina y Escena).

CRÓNICA 1:

Reestructuración cuestiona el concepto de lo escénico desde el primer momento. Esta tabula rasa es la mejor manera de acercarse a esto del teatro. Cuando digo teatro, digo escena, cuando digo escena, digo encuentro en y con lo colectivo. Si embargo, la pieza tiene una estructura clara: prólogo, cuatro actos y epílogo; pero aquí se desprecian algunos de los recursos habituales de la escena (apagar la luz en el público y encenderla en otro lugar, disuadir a los espectadores de que hablen durante la función, los espectadores dejan de ser un todo indiferenciado y se dividen en pequeños grupos a razón de sus afinidades). A cambio, cada escena es un estímulo que se presenta para disparar la conversación en esas pequeñas pandillas. Esta conversación puede girar sobre la escena, dispararse a partir de ella o generar un paréntesis de silencio. No importa. La obra continúa con el peso de lo real, lo palpable.

Esas presentaciones le dan un tono brechtiano a lo que vemos: un maestro de ceremonias que no siempre es el mismo (tres personas comparten ese rol) nos informa de lo que va a suceder a continuación. Ese juego de anticipación sí que entronca con uno de los núcleos duros del drama, la ironía trágica. Cuento lo que es eso para las no iniciadas: el público sabe más que todos o algunos de los personajes. Es el recurso de todas las pelis de miedo en las que nos enseñan dónde está escondido el asesino para que luego suframos cuando la víctima se acerca a ese lugar.

Más allá de ello, esta pieza me lleva inevitablemente a las primeras preguntas, esas que siempre nos acompañan, aunque las respuestas que les damos vayan cambiando: ¿qué es teatro?, ¿qué estoy realmente seguro de que no lo es?, ¿para qué sirve si es que aún sirve para algo? Me acuerdo de unas palabras de Pedro G. Romero que me he tenido que aprender hacer poco: “Recuerda a Ángel González diciendo que el único arte, la última situación que nos queda es una buena comida y unas copas con los amigos.”

He sido intencionadamente ambiguo con este espectáculo. En la próxima entrega de este diario os cuento más de él y os desvelo alguna sorpresa.

Restaurante ABANTAL (Julio Fernández)

CRÓNICA 2:

Es este lugar de espectador que soy yo, y trato de usar mis herramientas lectoras en aquello que decido analizar. En este caso, se trata de una invitación de Jorge Barroso a participar como comensal en un almuerzo en Restaurante Abantal de Julio Fernández. Y la propuesta es tratarlo como si fuera un espectáculo teatral.

Qué es teatro. Y qué no lo es.

Al llegar, como en cualquier espectáculo, nos reciben con amabilidad y vamos al lugar que nos corresponde. Hablamos entre nosotros y esperamos que empiece la función, o sea, el almuerzo. Este rato equivale a los momentos previos a una representación escénica al uso: la espera antes de que comience la función, en la que se comparten o se piensan expectativas.

El momento en que aparece el primer camarero (“intérprete”) y nos ofrece un aperitivo equivaldría a la levantada de telón. Estamos atentos a lo que dice y, sobre todo, tratamos de adivinar en ello los códigos que se desplegarán durante el resto de la pieza. Cada propuesta escénica es un juego, también cada interacción, y al principio todos intentamos entender sus reglas para jugarlo bien. Esto podría calificarse de prólogo. Lo curioso es que la persona que nos explica lo que vamos a degustar en este aperitivo, es decir, nos anuncia lo que va a pasar para predisponernos. Hay algo brechtiano en la propuesta: dentro y fuera, la representación y el distanciamiento para no perder la capacidad crítica. Lo que pasa es que Brecht lo utilizaba para que el público apreciara las contradicciones del capitalismo y aquí nos ayudan a concentrar nuestra atención en los detalles (sabores, texturas, etc).

Otro elemento que me llama la atención es que, una vez que nos quedamos solos y degustamos esos aperitivos, vamos comentándolo a la vez. Si esta comida es la escena, no es imprescindible nuestro silencio, por lo que la recepción y la crítica son simultáneas.

Uno de los comensales se pregunta qué parte hay de necesaria y qué parte de litúrgica en el servicio.           

Esa estructura: presentación de la escena por quienes nos sirven la comida (descripción exhaustiva de lo que nos van poniendo como invitación para degustarlo mejor) se repetirá en los siguientes platos (escenas). Dibujando una estructura en actos:

  • Prólogo: aperitivo.
  • Primer acto: entrantes.
  • Segundo acto: Pescados.
  • Tercer acto: carnes.
  • Cuarto acto: postres.
  • Epílogo: chupito y dulces de obsequio final.

En un cierto momento, pedimos permiso para salir a fumar. No lo haríamos en u restaurante “normal”, pero la precisión y el control que se aprecia en cada detalle nos hace sospechar, con razón, que es mejor comentarlo y no darlo por hecho. Efectivamente, nos dicen que avisan a cocina para detener el proceso de elaboración y que lo retoman cuando terminemos de fumar. Hablamos, otro de los comensales es arquitecto e inevitablemente presta más atención al espacio, de cómo hacer de la entrada al restaurante parte de él. Volvemos y todo sigue. Recuerdo una anécdota que viví cuando fui ayudante de dirección de la versión teatral de una temporada de la serie televisiva Amar en tiempos revueltos. El director y el productor debatían sobre si hacer descanso o no hacerlo (la obra duraba 120 minutos) y la previsión de edad media del público era alta, por lo que no era seguro que sus próstatas aguantaran tanto tiempo sin una visita al baño. Mientras escribo, recuerdo que cada acto de las obras en el teatro clásico francés duraba lo que tardaban en consumirse las velas que iluminaban el teatro. Y pienso que los alrededores de las representaciones y los elementos materiales son la respuesta a muchas de las preguntas sobre sus mecanismos.

La comida-representación prosigue y, a ratos, nos pedimos silencio mutuamente para disfrutar mejor y más profundamente la sensualidad de lo que ingerimos (olores, texturas, sabores, temperaturas). Quizá por eso, en mitad de la comida, uno de los comensales cita ZAT (wikipedia dixit): Zona temporalmente autónoma un ensayo escrito por Hakim Bey en que describe la táctica sociopolítica de crear espacios temporales que eluden las estructuras formales de control social. (…) Para conseguirlo, hace humildes sugerencias: usar sólo “medios íntimos” (zines, ruedas de teléfonos, BBSs, radio libre y mini-FM, TV de cable de acceso público, etc.) y evitar actitudes confrontacionistas de macho fanfarrón –no necesitáis cinco segundos en el Telediario (“policía asalta secta”) para dar sentido a vuestra existencia-. Nuestro eslogan podría ser: “Búscate la vida, no un estilo de vida”. No sé si este oasis de placeres y sensualidad que nos están regalando julio Fernández y su equipo son o no ZAT, pero algo de la rebelión fugaz se respira en esta mesa. Por un momento sueño que todas las mesas son ZAT´s y que aquí empieza la revolución. Inmediatamente después, pienso que este restaurante es a la comida como la ópera a la escena: un lugar exquisito para sentirte privilegiado.

Aparece una pregunta en la mesa que quedará flotando en ella durante toda la comida y, aún ahora, tres semanas después, sigue rondando por mi cabeza: ¿Es necesario el marco para la obra? ¿Qué le aporta? Esta pregunta entronca con la que se formuló más arriba, qué parte hay de necesaria y qué parte de litúrgica en el servicio, y señala el intento por separar lo esencial de lo accesorio, no para eliminar lo accesorio (sin lo accesorio no seríamos humanos) sino para mejor analizar y valorar. Y uno de los comensales cuenta su experiencia en un restaurante en Japón, en el que elegías el pez vivo con el que querías que te prepararan el sashimi y el cocinero le cortaba lo justo para que el pez siguiera vivo mientras tú te comías su lomo hecho sashimi. Esta escena cruel y terrible me recuerda a la secuencia de El silencio de los corderos 2 en que Hannibal Lecter se está comiendo los sesos de su víctima, mientras ésta drogada lo contempla. Obviamente, en estas crueldades rituales está claro dónde termina lo necesario y dónde empieza el ritual (macabro, pero ritual).

Estas conversaciones también son la obra porque en este espectáculo somos al tiempo público y ejecutantes.

El espectáculo en total duró tres horas y media. Pocas veces he disfrutado tanto en un teatro como en ésta durante tanto tiempo (recuerdo un Marthaler y un Strehler), así que igual hay algunas estrategias que deberíamos copiarle la gente de la escena.

Restaurante ABANTAL (Julio Fernández)

Para terminar, hago balance de si esto que hemos vivido, más allá de los paralelismos señalados con la teatralidad, es o no un espectáculo en vivo. Es cierto que hay un público y unos ejecutantes que compartimos espacio y tiempo. Estamos claramente diferenciados. La cosa es que el público es también ejecutante por ratos (al menos, en mi manera de vivir la velada). También observo que, frente a los espectáculos en vivo, en los que los ejecutantes están siempre ante el público, a no ser que haya un intermedio pactado (el entreacto de una obra de teatro o el descanso de un partido de fútbol), aquí los ejecutantes llegan, sirven el plato o la bebida y se van. Lo que queda son las obras en forma de viandas que degustamos: ¿se trata de presentaciones de escenas que consisten en instalaciones de arte objetual efímero?

Tras terminar, pasamos a la cocina acompañados del chef, Julio Fernández. Esa visita a la cocina se parece mucho a la de un neófito a lo que no se ve de un teatro: Peine, hombros, cabina técnica son lugares diseñados concienzudamente para hacer todo el trabajo invisible que necesita la representación. Julio nos cuenta que él está intercomunicado con todo su personal de cocina y les va dictando (de acuerdo con las indicaciones del Personal de sala) el ritmo exacto de preparación de los platos, ya que cada pieza tiene un tiempo de cocción exacto y una temperatura a la que tiene que ser servido. Si algo falla, el plato no es el que se quería que fuera. Esa exactitud y control por parte del artista y su equipo me recuerda a la figura del regidor en el teatro: coordina a todo el equipo técnico y artístico para que el espectáculo salga exactamente como se concibió. Así que Julio Fernández sería dramaturgo, director y regidor de su propia pieza.

Más allá de todas estas consideraciones a vuelapluma sobre la relación cocina-escena, se me quedan dos ideas de fondo: cada vez tengo menos claro qué es teatro y qué no, y creo que mucho de ello está en la actitud de quienes asisten a ello; los espacios de interacción entre espectadores y la inserción de la vida en los procesos artísticos son tan necesarios como inevitables.        

Julio Fernández (Restaurante ABANTAL)

Textos publicados por David Montero en el Diario.es

LABORATORIO Reestructurando los Métodos Escénicos (Cocina y Escena)

A lo largo de su historia, las Artes Escénicas, su funcionalidad, su forma y estilo han cambiado con el tiempo, y no podemos ser obtusos en intentar definir el teatro de hoy día.

Quizá, podemos ser más objetivos con el que fue, con el teatro pasado, ya que viéndolo desde la distancia que nos da el tiempo, podemos estudiar la sociedad del momento, para qué era utilizado, que elementos participaban… pero hoy día este gremio ha abierto su abanico y quizá sea más complejo. Pero a su vez, existe una contradicción en todo esto, ya que vemos un avance en la estética y el lenguaje, la temática y los elementos, pero se sigue manteniendo la estructura básica de hace más de 2.000 años.

Esto me dice que su evolución ha sido lenta, en comparación con otras disciplinas, por ejemplo la cocina, que es de lo que va esto de lo que os hablaré hoy; el Laboratorio que he realizando y que titulé; Reestructurando los métodos escénicos, donde pretendo adquirir los valores heterogéneos de otros gremios para aplicarlos a las Artes Escénicas. Y en concreto, esta primera parte, a la llamé “Cocina y Escena” es donde he centrado mi energía en este mes que ha durado la residencia.

Este Laboratorio lo he podido realizar gracias a la participación del ICAS dentro de su banco de proyectos, Interreg Magallanes ICC. Y que su fecha de exposición fueron los pasados días 4, 5 y 6 de Noviembre de 2021.

Proceso 1 Laboratorio RME (Cocina y Escena)

La cocina ha sabido codearse con físicos, químicos, diseñadores, artistas… pero manteniendo su funcionalidad primaria y objetiva. Por ello, creo que su evolución en los últimos 30 años ha sido abismal.

A diferencia de otras profesiones, en la cocina se trabaja con productos vivos; animales, vegetales… últimamente, también con productos químicos… Podríamos decir que uno de sus valores más evidentes es que ese producto no sea insalubre. Además de que comer, es una imposición biológica necesaria para nuestro organismo.

Por otra parte, la gastronomía, de alguna forma, es tratar ese producto para obtener eso mismo, que ese producto sea comestible. Existen alimentos que no podríamos comer si no estuvieran, de alguna manera, cocinadas. Por ejemplo, hervir a ciertos grados centígrados algunos productos, mata bacterias perjudiciales para nuestra salud.

Y supongo, que a partir de este acto, el tratamiento del producto se convierte en un proceso creativo. Entrando así en otro de los valores heterogéneos de la cocina; el sabor.

Éste se obtiene aplicando técnicas como freír, batir, tostar, hervir, mezclar, combinar… sin que la elaboración que realicemos desmejore el producto que, incluso, pudiera llegar a hacerlo perjudicial para la salud. Por ejemplo, si un pan lo tostamos demasiado tiempo, no sería bueno comerlo. Pero pensar y tomar la decisión de tostar el pan, donde se busca el sabor, la textura, el crujiente, experimentar con el tiempo de tostado, el grosor del pan, el tipo de harina… todo eso tiene que ver con un acto creativo.

O sea, de momento tenemos que la cocina primordialmente tiene que ver con la salud, después con el sabor. Aunque éste, ya sería un valor prescindible. En principio, debemos valorar antes, las cualidades para la salud de esos alimentos; calorías, hierro, vitaminas, proteínas… Como ya he dicho la cocina es una necesidad física.

El otro fin claro, es el sabor. Es decir, que esté bueno, que esté rico. Potenciar los sabores, entremezclarlos para obtener otros…

Ambos puntos, ambos fines primarios, tienen un pequeño grado de subjetividad; existen personas alérgicas a algunos productos y con respecto al sabor, sí que hay un grado de subjetividad más amplio, porque depende del gusto personal. Pero ¿podríamos afirmar que la cocina tiene estos 2 puntos básicos fundamentales, salud y sabor?

¿ALIMENTACIÓN O GASTRONOMÍA? ¿QUÉ ES COCINA?

  1. La alimentación es la satisfacción de unas necesidades físicas.
  2. La gastronomía permite sublimar esta función y convertir el acto de comer en un placer para los sentidos y para el intelecto.

Entonces, el cocinero o cocinera es aquel que partiendo de un valor primario, como es la salud y necesidad biológica, realiza una serie de procedimientos donde nos presenta la comida (ese acto que tenemos que hacer diariamente para el buen funcionamiento de nuestro cuerpo), pero obteniendo otras cuestiones. Aunque la primordial en este segundo punto, sigue siendo el sabor, a partir de aquí, todo lo demás son cuestiones que engrandecen el acto primario.

Esto le ofrece a la acción simple (la de comer o alimentarse), otros valores como la creatividad, la estética, la sorpresa, la sensibilidad, el placer, el disfrute, el entretenimiento, incluso la controversia, el juego… O sea, diferentes estímulos sensitivos e intelectuales.

Restaurante Abantal (Julio Fernández)

Desde mi punto de vista, está claro que la cocina puede ser arte, ya que mezcla a la perfección y de una forma evidente y clara, la sensibilidad, la técnica, la capacidad expresiva y la comunicación. (Imagino que todo tiene que ver según el grado de implicación, su forma y estilo).

Estas cuestiones, son evidentes en mi profesión, forman parte de las artes escénicas (en realidad de las artes en general). Entonces, ¿existen paralelismos entre ambas disciplinas? En las dos encontramos creatividad, sensibilidad, capacidad expresiva, técnica y comunicación. También otros valores heterogéneos, por ejemplo, los valores subversivos o los procesos.

Quizá estas cuestiones se aplican con fines un poco distintos, o se buscan de otra manera… así que lo que pretendo con este estudio es observar las diferencias, los procesos, e intentar aplicarlos a mi trabajo (y viceversa, si es lo deseado), sobre todo, por obtener nuevas fórmulas de creación y representación.

Este, no es un estudio en el que pretenda fusionar artes escénicas y gastronomía, mi intención es absorber modos de trabajar, de inspiración, de funcionalidad, para aplicarlos a mi trabajo. O sea, que no es un proceso de fusión, propiamente dicho.

PARALELISMOS A PRIMERA VISTA:

En un principio, he encontrado paralelismos obvios entre una disciplina y otra; en ambas existe un público, un espacio de representación, un tempo…

Público: A priori, podría decir que en ambas disciplinas existe un fin claro de muestra, con lo que necesitan de un público (en la cocina el o la comensal). El comensal es la última fase del proceso gastronómico, en las artes escénicas es el público propiamente dicho.

Espacio de representación: La cocina tiene un espacio llamado restaurante, pero finalmente puede ser servida en cualquier sitio (Catering), al igual que en las artes escénicas existe el teatro, pero la representación puede transcurrir en cualquier lugar.

Igualmente existe la cocina y la sala (jefe de cocina, jefe de sala. Incluso para el tempo del servicio, está el jefe de partidas), que podría ser comparado al camerino y al escenario, backstage, acomodador/a…).

Tempo: El tiempo en ambas disciplinas es fundamental. En la cocina es evidente porque, por ejemplo, entre otras muchas cosas, la sopa puede llevar fría, con lo que no cumple su objetivo final. En el teatro, existe el tiempo de la obra, el tiempo de acción y reacción, el tiempo de la estructura… todo eso puede hacer que la obra decaiga y aburra. (El Bulli llamaba a sus diferentes periodos de tiempo “actos”).

Restaurante Contenedor. Foto: Luís Castilla

PIEZAS:

En total, me ha dado tiempo a realizar 6 piezas. Aunque tenía pensada alguna más que no he podido terminar o por tiempo o porque el concepto aún no estaba del todo claro.

Algunas de las piezas que expongo son más complejas, otras, quizá, se han quedado en un apunte de la idea. (Lo que, igualmente, está bien, ya que el fin de estos estudios no es que terminen aquí, sino continuar con otras profesiones e incluso llegar a poner en práctica estas conclusiones con empresas profesionales del gremio tratado).

En fin, vamos por el principio.

Pieza 1: PATIO DE BUTACA “Tos y Oscuridad” (Instalación Escénica)

Pieza 1: PATIO DE BUTACAS; Tos y Oscuridad

Respecto al espacio escénico, me he querido centrar más que donde se actúa (o sea, el escenario) donde se ve, desde donde se observa la obra, es decir; el patio de butacas.   Antiguamente el espacio escénico se disponía como lo que hoy conocemos como espacio a la italiana.

El primer edificio destinado a teatro construido en piedra se remonta al año 500 a. de C. en Grecia, donde se diferenciaba el espacio de la orchestra o espacio circular (escenario) del hemiciclo o theatron (gradas o patio de butacas).

En Roma, el espacio escénico volvió a ser desmontable, construido en madera, y no fue hasta el año 55 a. de C. cuando se construyó el primer edificio en piedra. Igualmente, era semicircular y también diferenciaba el sitio de actuación y el de público. Aquí ya comenzaban a realizarse decorados muy realistas.

El teatro medieval, sobre todo, se desarrolló en edificios religiosos, sirviéndose de espacios amplios y grandes estancias para las representaciones que, normalmente, eran ejecutadas por sacerdotes.

Poco a poco la introducción de elementos profanos fue desplazando estas representaciones fuera de la iglesia y es aquí, donde comienza un nuevo tipo de espacio escénico: En Italia construyen escenarios inclinados y juegan con la caja escénica para buscar otras perspectivas. En Inglaterra se comienzan a construir edificios destinados a ser teatros de una forma poligonal o circular, donde también plantean escenarios a doble altura. Y en España, en el Siglo de Oro, la representación cogió un espacio bastante singular, pues se desarrollaba en las casas de vecinos (así nacieron los Corrales de Comedia).

Todo esto evolucionó a lo que hoy día conocemos como un teatro (edificio), un espacio clásico de representación donde podemos encontrar diferentes formatos como el ya citado “a la italiana” o “a la alemana”.

Hoy incluso podemos ver espacios de representación denominados “espacios insólitos” o “espacios singulares” cuya intención trata de realizar una actuación con alguna disciplina no natural para dicho espacio. O vemos, como en los primeros trabajos de La Fura dels Baus, una integración del espacio escénico y la zona destinada al público, en las cuales ya no encontramos diferencia entre patio de butacas y escenario.

Si decimos que el espacio escénico es el lugar donde se realiza y se materializa la propuesta, y es el lugar donde se encuentran todos los puntos pertenecientes a la dramaturgia, o sea, la convivencia de la luz, con el texto, el objeto, el o la interprete… el patio de butacas será, por esa regla de tres, donde se coloca el público para observar la obra.

El caso, y aunque hay propuestas un tanto distintas que no cumplen esta regla, es el patio de butacas el que reina y, sigue siendo el mismo desde los inicios de lo que denominamos teatro, o sea, desde Grecia. Sí, sillones más cómodos, pero el mismo formato.

Este edificio como tal, estamos viendo que comienza a tener problemas en su funcionalidad. Las personas que nos dedicamos a este gremio y las personas aficionadas al mismo, vemos una decadencia en su uso. Y puede ser por varias cuestiones; lo que se expone no es interesante, no es de calidad, no existe una buena difusión del producto, incluso, y esto es lo peor de todo, si las personas responsables de la programación, o sea, los programadores y las programadoras no tienen un criterio y cuidan aquello que programan, y sobre todo, no cuidan al público, éste, se va.

Y estamos sufriendo una desbandada totalmente palpable en los últimos tiempos. De hecho, la Junta de Andalucía, en su momento dio subvenciones para que diferentes municipios construyeran teatros. Pueblos de 8.000 habitantes, realizaron teatros con una cabida para 500 personas, que en su mejor función han podido llegar a 50. Esto, es un ejemplo claro de que algo estamos haciendo mal. (Quizá los teatros deberían convertirse en espacios multifuncionales).

Así que esta primera pieza, (sin querer reflexionar más sobre esto), lo que planteo es un patio de butacas abandonado y obsoleto. Un espacio lleno de basura y que para hacer un paralelismo con aquello de lo que va el laboratorio, es la basura de un restaurante. Digamos que es una imagen del patio de butacas clásico, decadente, en contraposición del esplendor que vive hoy día la gastronomía.

No deja de ser una instalación escénica un tanto controvertida, donde a la vez que un foco va perdiendo intensidad y se crea la oscuridad, se van escuchando toses en el ambiente (Es lo que recuerdo). Por ello, la pieza numero 1 la he titulado “Patio de Butacas – Tos y Oscuridad”.

Pieza 2: COMPOSICIÓN I: KANDINSKY; Forma, Color y ¿Sabor? (Catering / Happening)

COMPOSICIÓN I: Kandinsky; Forma, Color y ¿Sabor?

De la segunda pieza que titulé Composición I: Kandinsky; Color, Forma y ¿Sabor?   (Ya hice una reflexión más amplia que que podéis escuchar en el programa 2×6 titulado de la misma forma: https://www.ivoox.com/2×6-kandinsky-forma-color-sabor-audios-mp3_rf_76936093_1.html ) o podéis leer en el Blog: https://lahabitacionsemihundida.com/2021/11/08/kandinsky-forma-color-y-sabor/ pero resumo un poco la propuesta por si no os apetece leerla completamente)  

Kandinsky, el pintor expresionista ruso, precursor del arte abstracto, decía que había una relación intrínseca entre la forma y el color. Entre las figuras geométricas básicas y los colores primarios. Decía que el triángulo era amarillo, el cuadrado rojo y el círculo azul. Igualmente decía que se podía romper la mimesis introduciendo otros colores o formas y que esto daría mensajes diferentes. O sea, lo que quería decir es que estos colores, y en consecuencia, el mensaje, se intensificaban por las formas.

De igual manera, vi experimentos donde el color influia directamente en el sabor. De hecho, la experta nutricionista Patricia Esquivel, nos asegura que para tener una buena salud, es recomendable comer 5 colores al día.   Y por esa regla de tres, pensé que si eso era de esa manera, la forma también debía cuestionar dicho sabor.

Así que realicé un experimento y construí 3 escenografías en forma de mesas altas, cada una intensificada por la fórmula que planteó Kandinsky. En ellas realicé una cata de vinos y le pedí a los comensales, o sea, al público, que fuera valorando el sabor, la textura, la densidad, la intensidad…

Salieron puntos muy diferentes entre un espacio y otro, y lo sorprendente de todo esto, es que, finalmente, descubrí a los comensales, que estábamos probando el mismo vino en todas las mesas. (Y es cierto que según el lugar y la ambientación, el vino sabia diferente).

Cuadrante vinos. (Happening / Catering) Pieza 2: Composición I: Kandinsky; Forma, Color y ¿Sabor?

Todo esto, no dejó de ser una especie de cátering, y por ello le puse el subtítulo Cátering/Happenig.

Una de las cosas que me planteaba en esta pieza es que en la gastronomía se aplican los cinco sentidos y en las artes escénicas, potencialmente 2 (la vista y el oído). Y esto podemos cambiarlo con este tipo de experimentos, que no dejó de ser, desde mi punto de vista, un acto escénico.

Y a su vez, me pregunto; ¿Hasta qué punto tenemos en cuenta en las artes escénicas la psicología de la forma y el color para potenciar el mensaje?

Enlace Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=YyyJR-0MAHI

Pieza 3: ESTRUCTURA DRAMÁTICA “Entrante – Primer Plato – Postre” (Collage).

Pieza 3: Estructura Dramática

Pasamos a la tercera pieza donde hablamos de una estructura dramática. Todo esto comenzó por las charlas que tuve con el Chef José Burgos y el Pastelero Ricard Martínez, donde hablamos de los paralelismos que existían entre cocina y teatro. Que ya he enumerado algunos al principio de este texto.

Pero había una que me parecía especialmente quisquillosa, que es la dramaturgia. No simplemente porque aquello que se exponga cuente una cosa, sino que tiene sus propias reglas, su propia estructura y composición. Entonces ¿Cómo podemos encontrarla en estos actos lúdicos?

Me pregunté si la estructura de un menú podría ser una estructura dramática. Está claro que podría ser un acto escénico, eso sí (porque, bueno, cualquier cosa, en principio, puede ser un acto escénico), pero una estructura dramática, si no hay historia, incluso con su métrica, no sería dramaturgia ¿no?

Así que le pedí a mi amigo Javier Berger (dramaturgo) que me acompañara a una comida, donde habría unos comensales y que analizáramos dicha comida, como si tuviera una estructura dramática. También, invité al fotógrafo de la escena sevillana por excelencia, como es Luis Castilla, para que igualmente, realizara fotos de los momentos de la comida, que él viera como, por ejemplo; principio, nudo, conflicto, acento, aria, prólogo… una serie de terminologías que usamos en el teatro, y que aquí, en estas acciones, debíamos encontrarlas.

Así, finalmente, lo que nos quedó fue algo que titulé: “Estructura Dramática: Entrante /Plato Principal/ postre” Haciendo una alusión clara, a la composición clásica de principio, nudo y desenlace. Y no deja de ser un collage que colocamos en la pared donde trabaja un dramaturgo, donde se plantea las tramas, el detonante y todas estas cuestiones que va señalando como si de una pared de un proceso de investigación policial se tratara.

Bueno, no quiero extenderme con esto, pero  si diré una cosa más sobre la dramaturgia, y es que llevamos años y años con las mismas fórmulas. Y esto me suena a cuando decían que el postre debe ir al final y que debe ser dulce, cuando Ferran Adriá rompió con absolutamente todos estos conceptos y fue lo que renovó exponencialmente la cocina.

No sé por qué existe tanto miedo a la hora de plantear algún concepto nuevo. Entiendo que es difícil, pero el arte, por naturaleza, es evolutivo y no podemos ser nosotros/as los que paremos drásticamente el avance de esta actividad que existe desde los inicios de la humanidad.

Pieza 4: UNA MUJER QUE PASA Y OTRA QUE OBSERVA (Instalación fotográfica)

Pieza 4: Una Mujer que pasa y otra que observa.

La cuarta pieza, consiste en 2 secuencias fotográficas; aparentemente, una mujer desayunando y otra bailando. No deja de ser un juego a la pregunta de cuál de ellas es un acto escénico. Haciendo una alusión a la descripción que realizó Peter Brook en su libro “El Espacio Vacío”, donde intentó describir, desde su punto de vista, qué era el teatro.

En definitiva, hay una frase al inicio de este libro que he citado al principio de este texto:

“Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro le observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral”.

La pregunta que le realizaba a las personas que acudían a la exposición era, que ¿cuál de estas secuencias creían que era un acto escénico? La mayoría de las respuestas señalaban la secuencia de danza. Al preguntar ¿Por qué? Todas respondían, que porque se trataba de una mujer bailando y la danza es una disciplina escénica.

Después les rebelaba que a la bailarina (María José Villar) yo le había pedido que jugara (ella jugó bailando) y en la secuencia donde una señora desayuna, lo que podría parecer un acto cotidiano, o sea, la realidad y no una reinterpretación de la misma, le pedí que interpretara el acto de desayunar. Con lo que realmente, el acto escénico se encontraba en la secuencia donde la señora desayuna.

Finalmente, esto no dejaba de ser un juego sobre una tesis que desarrollo, en la que planteo que el Arte no se encuentra en las disciplinas con las que trabajemos, más que en las cualidades que se aplique aquello que hagamos.

Pieza 5: CRÓNICA; UNA EXPERIENCIA ESCÉNICA SENSORIAL

Pieza 5: Crónica: Experiencia Escénica Sensorial

Para la quinta pieza, vamos a comenzar diciendo que la nueva gastronomía, la tendencia a la que llamamos “Alta Cocina”, transmite el mensaje de que ya no ofrecen, simplemente, una degustación de alimentos, sino una experiencia sensorial, como si de un show se tratara.

Partiendo de esta idea, y estando de acuerdo en que esta rama de la gastronomía está, desde mi punto de vista, más cercana al arte que otras propuestas, que por el simple hecho de ser disciplinas escénicas, entendemos que es arte, invité a David Montero (Dramaturgo, Director Escénico, actor, pero también crítico teatral) ha realizar una crítica en el periódico Diario.es sobre esta especie de espectáculo.

El restaurante es el Abantal de Sevilla, único restaurante con estrella Michelin.

Muy bien lo hizo cuando describió las tres actividades escénicas que presenció esa semana, metiendo entre medio la descripción de esta experiencia, sin revelar de qué espacio y actividad se trataba. En las siguientes semanas, volvería a escribir en ese mismo periódico, desvelando de qué se trataba ese show de descripción ambigua.

Así lo hizo y recapacitó sobre todas estas teorías y cuestiones que hablamos en el Laboratorio. Y que él mismo, comenzó a entender y cuestionarse los cambios y avances de lo que podríamos considerar teatro.

Poco más he de decir de esta pieza, más que si estáis interesados e interesadas, podréis ver las dos críticas en la web de La Habitación Semihundida. AQUI. Quizá también le proponga a David Montero, realizar un programa que nos sirva de complemento a la memoria de este Laboratorio.

Pieza 6: POSTRE (Acción Escénica)

Pieza 6: Postre (Ricard Martínez)

Y para finalizar, y continuando con el cuestionamiento de lo escénico, le planteé a Ricard Martínez (Cocinero Pastelero, que ha trabajado, entre otros, con Dani García (3 Estrellas Michelín) y que actualmente trabaja en el Espaisucre de Barcelona), si alguna de las actividades que realiza podría convertirse en un acto escénico que pudiéramos ver en un escenario.

Convenimos que el acto de emplatar podría ser aquello que buscamos. Viendo esta actividad, me planteé que dicha acción era más plausible que otras que veo normalmente en escena. Una acción más interesante para ser “observada” que otras, que damos por hecho, que son creadas para ser “observadas”.

El modo meticuloso de emplatar, su explicación coherente e intelectual, composición para manipular al comensal… todo ello, simbología y estudio sobre cómo, cuándo y por qué da el mensaje y la experiencia sensorial al público.

En esta pieza, que se grabó y compartiré próximamente en youtube, (Enlace AQUI), se realizó una intervención con el espacio, cogiendo un pequeño trozo de pan de oro, que había en la pared, resto de exposiciones anteriores, y con este elemento, terminó de decorar el plano, lo que hizo definitivamente, que la acción dejara de ser, de alguna forma cocina, para convertirse en un performance. Y como digo, muchísimo más interesante escénicamente, que las últimas propuestas teatrales que he visto. (Es una opinión personal, pero es una realidad).

Lo interesante de todos estos análisis y actividades es que existe una intención clara, con estos grandes profesionales, de continuar la experiencia. Incluso las personas del ayuntamiento vieron de enorme interés la continuación del trabajo de investigación. Así que creo, que el fin del laboratorio fue bastante gratificante.

Espero que haya sido de vuestro interés.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×8-laboratorio-reestructurando-metodos-escenicos-cocina-y-audios-mp3_rf_77920776_1.html

Kandinsky: Forma, Color y ¿Sabor?

Para Kandinsky existían dos tipos de arte: un arte estable, material, que no se transforma, y un arte abstracto, figurativo, que es susceptible de transformación y de evolución. El dominio de las formas abstractas permite al artista guiar al espectador.

Esto decía este señor, al que se le atribuye la invención de lo abstracto. Aunque, si escucháis este podcast, ya sabréis que años antes a Kandinsky, existió Hilma Af Klin, que sí podríamos decir que fue la primera persona que comenzó a pintar abstracto, aunque, por una serie de cuestiones, sus cuadros se descubrieron más tarde. Esto lo podéis ver en el texto dedicado a Hilma Af Klin.

Desde mi punto de vista, Kandinsky fue quien teorizó y de alguna manera dio a conocer este estilo. Por los estudios, o sea, el laboratorio que estoy realizando ahora, una cosa que llamo “Reestructurando los valores escénicos” y que divido esta primera parte en 4: Cocina y Escena, Pintura y Escena, Arquitectura y Escena y Convivencia y Escena. Lo que pretendo es extraer los valores de otros oficios y gremios para aplicarlos al campo de las Artes Escénicas.

Bien, como me encuentro en este primero; el de Cocina y Escena, que ya me he reunido con personas interesantes como Ricard Martínez (Espaisucra), José Burgos (Restaurante Los Arcos), Julio Fernández (Único restaurante en Sevilla con una estrella Michelin El Abantal)… en fin, todos Chef creativos que su tipo de cocina, su forma de entender la gastronomía, podríamos decir que está muy cercana al arte, incluso podría afirmar que, efectivamente, se trata de arte.

El caso es que estoy experimentando sobre cómo afectan los colores a los sabores, porque sí, afectan. Y todo esto me ha llevado a retomar la figura de Vasily Kandinsky, quien realizó un experimento con sus alumnos de la Bauhaus para determinar que relacionamos las figuras geométricas básicas con los colores primarios. Así que de ello vamos a hablar; Vasily Kandinsky; Colores y Formas.

Kandinsky

Vamos a comenzar por el principio; ¿quién es Vasily Kandinsky?

Kandinsky fue un pintor Ruso, aunque también obtuvo la doble nacionalidad francesa, que, como ya he dicho, está considerado como el precursor del arte abstracto. Fue teórico y pintor sobre este concepto. Muy conocido por sus clases en la Escuela Bauhaus desde el 1922 hasta que la cerraron los nacis en el 1933, que fue cuando se trasladó a Francia donde residió el resto de su vida.

En 1910 este pintor sugirió una relación «inevitable» entre las formas geométricas básicas, o sea, triángulo, cuadrado y círculo, y los colores primarios, es decir, amarillo, rojo y azul.

De esta manera, determinó que el triángulo es amarillo, el cuadrado rojo y el círculo azul. Pero, ¿cómo llegó a este contexto?

En su libro “De lo espiritual en el arte” defiende que la forma es la delimitación de una superficie interna por una superficie externa; puede referirse a un objeto real o a una entidad abstracta como, por ejemplo, el triángulo.

El color, por su parte, se imagina primero de manera abstracta y, en cuanto queda delimitado por una superficie, adquiere un tono determinado. Éstos pueden ser realzados por las formas.

Así, entiende que el color amarillo es agudo y por ello calza mejor con una figura aguda, como es el triángulo.

Pero, igualmente, esta sicología del color puede ser mitigada por las formas, o sea, su regla se puede romper según en qué forma lo apliques.

Esto, puede ser un poco difícil de entender. Pero no me cabe la menor duda, que existe una relación entre colores y formas. Al igual, (que es a lo que voy), la relación entre color y sabor. Y si esto es así, debe existir una relación entre forma y sabor.

En su libro “Punto y línea sobre plano”, de 1926, Kandinsky desarrolló esta relación entre formas y colores.

Me resulta super interesante que una persona se empiece a cuestionar estas cosas; quiero decir, Kandinsky comenzó a analizar un punto (un simple punto) y terminó escribiendo un libro.

Punto y Línea Sobre el Plano

Esto me dice que el conocimiento profundo de una materia, puede hacernos desarrollar ideas maravillosas, como en este caso el concepto abstracto.

Vamos a ver; el punto es el elemento básico de toda obra pictórica; (esto dice en el libro Wasily Kandinsky), materialmente, surge del contacto de un instrumento con una superficie. (Hasta aquí todo esto es entendible, pero vamos a entrar en cosas un poco más ambiguas)

El punto está en reposo, o sea, un punto está en reposo, hasta que, al moverse, surge la línea. Si el punto se mueve en una sola dirección hace surgir la línea recta, pero si dos puntos chocan desde diferentes direcciones generan líneas quebradas o angulares.

Estas líneas quebradas las esquematiza en tres grupos: líneas quebradas con ángulo agudo (45º), líneas quebradas con ángulo recto (90º) y líneas quebradas con ángulo obtuso (135º). Estos ángulos son la transición necesaria antes de llegar a las formas básicas: el ángulo agudo se resuelve en triángulo, el ángulo recto en cuadrado y el ángulo obtuso en círculo.

Y ahora ¿por qué los relaciona con colores? Dice que por extensión. Nos comenta que el ángulo agudo está más cerca del máximo decalor y tiene por tanto coloración amarilla; el ángulo obtuso está más cerca del máximo de frío y tiene entonces color azul; entre estos dos extremos se encuentran el ángulo recto y el color rojo.

El hecho de que Kandinsky lo vea así, ha llevado a pensar a expertos que el pintor padecía sinestesia. La sinestesia es una condición neurológica en la cual el individuo recibe un estímulo en la modalidad de un sentido (o sea, gusto, vista, olfato, tacto, u oído) y lo experimenta en otro. Por ejemplo, hay personas que escucha una tonalidad musical y la relacionan con sabores, o una acaricia con un aroma.

Pero claro, Kandinsky no llega a estas conclusiones sólo, sino que realiza experimentos con sus alumnos, para determinar si está en lo cierto o no.  Y en un tanto por ciento muy elevado, las personas coinciden en estas relaciones.

Por ello, en la evolución del pintor hacia lo abstracto, existe una cercanía en todo esto que estamos hablando, con el resultado que vemos en los cuadros.

Relación entre figuras geométricas básicas y colores primarios

Kandinsky separa el mundo espiritual y el material. Para él, lo espiritual es un movimiento progresivo y ascendente, mientras que lo material es un movimiento de retroceso y descendente; pero no sólo de términos, sino también de formas, y representa el progreso de la vida espiritual como un triángulo que se mueve hacia arriba y hacia adelante, mientras que la decadencia de la vida espiritual la represente con un triángulo que se mueve hacia abajo y hacia atrás.

No quiero entrar en conceptos demasiado liosos sobre espiritualidad, forma, materia, contenido… pero sí debéis tener claro que el concepto de lo abstracto no se basa en hacer lo que uno quiera porque así le sale. La idea es más complicada, más compleja… El Arte Abstracto prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad distinta a la natural. Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Además intenta obtener con esa fórmula la máxima expresión.

Decía Kandinsky que el realismo tiende a suprimir lo abstracto del cuadro y la abstracción tiende a suprimir lo real.

Este señor solía exponer los temas a través de dualidades. Por ejemplo, decía que el problema de la forma se puede dividir en dos partes: la forma por excelencia y la forma por extensión. Respecto al color, también propone que sea estudiado mediante dos líneas de investigación.

Cada color y cada forma, como elementos individuales, deben estar subordinados a la construcción de una obra, es decir, a la composición.

De lo Espiritual en el Arte

La relación entre el color y la forma es tan estrecha para Kandinsky que en “De lo espiritual en el arte”, llegará a decir: “La relación inevitable entre color y forma nos lleva a la observación de los efectos que tiene esta última sobre el color. La forma, aun cuando sea completamente abstracta y se reduzca a una forma geométrica, posee en sí misma su sonido interno, es un ente espiritual con propiedades identificables a ella. Un triángulo (sin que importe que sea agudo, llano o isósceles) es uno de esos entes con su propio aroma espiritual. Al relacionarse con otras formas, este aroma cambia y adquiere matices consonantes, pero, en el fondo, permanece invariable, así como el olor de la rosa nunca podrá confundirse con el de la violeta. Igual sucede con el círculo, el cuadrado y las demás formas (24). Es decir, como en el caso del color, hay una substancia subjetiva en una envoltura objetiva. La relación entre forma y color se evidencia así claramente. Un triángulo amarillo, un círculo azul, un cuadrado verde, otro triángulo verde, un círculo amarillo, un cuadrado azul, etc., son entes totalmente diferentes y que actúan de modo completamente distinto. Determinados colores son realzados por determinadas formas y mitigados por otras. En cualquier caso, los colores agudos poseerán una mayor resonancia cualitativa en formas agudas (por ejemplo, el amarillo en un triángulo). Los colores que tienden a la profundidad, son resaltados por las formas redondas (por ejemplo, el azul por un círculo). Está claro que la disonancia entre forma y color no es necesariamente disarmónica sino que, por el contrario, abre una nueva posibilidad de armonía. El número de colores y formas es infinito, así como las combinaciones y los efectos. El material es inagotable.”

Del estudio que hace Kandinsky de la relación entre color y forma nace una nueva forma de comunicación entre el artista y su obra y de ésta con el espectador que, en definitiva, es la comunicación entre el artista y el espectador.

Su lenguaje pictórico abstracto comienza a interpretarse desde la relación entre color y forma. Las formas nos transmiten unos sentimientos, unas sensaciones, que adquieren diferentes interpretaciones dependiendo del color en que se pinten. Los colores cálidos y fríos se entremezclan con formas geométricas (líneas rectas, curvas, triángulos, círculos, cuadrados,…) y nos transportan a una nueva forma de sentir el arte y a una multitud de interpretaciones subjetivas, que provienen de  nuestro interior. Los abstractos cuadros de Kandinsky se interpretan mediante colores y formas, desde dentro hacia fuera. 

Y ahora bien. ¿A qué sabe el color rojo? Esto podría parecer poesía, pero no lo es.

Patricia Esquivel, Investigadora de Costa Rica, dice que “para tener una buena salud se recomienda consumir cinco colores al día”.

El sabor es el sentido que consideramos más importante cuando decidimos qué alimento vamos a consumir (aunque todo esto, en la alta cocina, ya hoy día, no lo tienen tan claro, no? Existen platos en los que se fomenta el tacto, sabores insípidos que adquieren valores por, por ejemplo, las texturas. Andoni Luis Aduriz, del restaurante Mugaritz, hablaba este concepto, por ejemplo, con las aletas de tiburón, que no saben a nada, son insípidas, pero tienen una textura interesante en boca. Y esto es lo que aprovecha este cocinero).

Esto nos viene a decir que en el acto de comer o beber, experimentamos una multitud de sensaciones que van más allá del sabor exclusivamente y de las que, a menudo no somos conscientes. Esto es algo que me atrae de la cocina, donde pensamos que el sabor es el único sentido importante, y por supuesto, hoy día esto ya no es así. De hecho, los restaurantes, hablan de ofrecer una experiencia sensitiva, ya no solo una comida. Y entenderéis que todo esto vino de la extrema investigación que realizó Ferrán Adriá con su equipo de El Bulli.

Lo que quiero decir, es que en las artes escénicas, por ejemplo, gremio al que me he dedicado, los sentidos más explotados son la vista y el oído. Aunque ya hubieron intentos de exponer estas experiencias sensitivas completas, por decirlo de alguna manera, en algo que llamaron el Teatro de los Sentidos. Pero como pudimos ver, fracasó, porque no ha sido una tendencia a seguir. No sé si porque el planteamiento era desacertado o porque la línea de investigación debe ir por otro camino… no lo sé. Pero lo que sí tengo claro, es que la cocina ha sabido, mejor que el teatro, adaptarse, involucrarse, crear sinergias, estudios y relaciones con otros gremios que, finalmente, le han hecho evolucionar de una manera mucho más rápida y palpable. Y eso, lo vemos hoy día claramente, no? Cuando el teatro es un gremio que sigue con la misma estructura desde hace 60 o 70 años y día a día va perdiendo adeptos, con lo que va perdiendo público, en pro (no sé si decirlo así) de otras disciplinas, como por ejemplo, la cocina, a la que le ocurre exactamente lo contrario. Cada vez tiene más personas que la siguen, que la practican, que la entienden… se han desarrollado nuevas técnicas, se investiga con productos, combinaciones… (Por eso, hago estas cosas, porque creo que debemos fijarnos y aprender de esos oficios que lo están haciendo bien).

Bueno, vamos a seguir con el sabor y los colores.

Cuando saboreamos por ejemplo, un helado, recibimos multitud de señales sensoriales diferentes a través de, por supuesto, el gusto, pero también la vista, el olfato, el tacto (por la temperatura) e incluso a través del oído cuando masticamos, por ejemplo, el cucurucho, y todas forman parte de la sensación de sabor que percibimos.

Incluso El Bulli hablaba de un sexto sentido que tenía que ver con la inteligencia, la memoria… y por ello, le funcionó conceptos como la invención de helados saldados, por la sorpresa, el contraste, la ruptura…


Sin duda, lo primero que percibimos del helado es su aspecto. Dentro del aspecto, el color en particular parece constituir la parte central de nuestra experiencia visual del alimento, debido a la información crítica que transmite sobre el sabor del mismo. De alguna manera, proporciona pistas sobre si ese alimento es comestible o no y sobre la identidad e intensidad del sabor.


Es decir, si vemos que la bola de helado es de color marrón, ya podemos hacernos una idea que el sabor de ese helado podría ser chocolate, pero algunas personas pensarían que es un helado de turrón o avellana. Esto tiene que ver, en función a nuestras experiencias previas, o sea, la memoria, y así podremos relacionar el color del helado a su sabor.

Por lo tanto, y de una forma general, (quiero decir, que no es una cosa universal, pero sí bastante extendida); el color verde se asocia a un sabor ácido como la lima o el limón. El color rojo se relaciona con el sabor dulce, en bebidas, por ejemplo ¿no?.

Estas cuestiones pueden ser debido a nuestra inteligencia, a nuestra memoria, ya que  por ejemplo, en las frutas, la madurez se detecta con una transición del verde al rojo y este cambio de color ocurre en paralelo con un aumento del contenido de azúcar de los frutos.

De estas cuestiones, se han realizado experimentos, de hecho en este Laboratorio del que os he hablado al principio yo quiero realizar uno como acción. Uno de esos experimentos, podemos verlo en una marca muy conocida de Ketchup, que a principio del siglo XXI lanzó un producto nuevo, concretamente un Ketchup de color verde. Lo hizo así para conseguir más mercado en el público infantil, pero fue un absoluto fracaso, y se piensa que fue porque se cree que asociamos el verde a las verduras, y entre los niños y niñas, no es un producto demasiado popular.

También la agencia Romance creó un experimento con yogures y helados sin colorantes y también con colorantes que le daban un aspecto diferente a lo que estamos acostumbrados, a partir de aquí, les pidió a los comensales que adivinaran el sabor. Las respuestas fueron muy variadas según el color del alimento. Los de color rojo y rosa los asociaron a sabores como fresa o sandía, los anaranjados a melocotón o naranja y los verdes a menta.

La sorpresa llegó cuando al final de la cata se les reveló que todos los yogures eran de vainilla y todos los helados eran de limón.

Composición I. Realizada en el Laboratorio Reestructurando los Métodos Escénicos (La Habitación Semihundida)

Aquí pasan diferentes cosas, ya podemos ver de qué manera nos afectan los colorantes a los alimentos, pero también y de una forma más creativa, podemos indagar en el ambiente en el que consumimos algo, la decoración de ese espacio, la luz… todo esto es lo que quiero llevar a cabo en la experiencia que planteo en el laboratorio.

Para que veáis hasta que punto esto es así, expertos del Departamento de Psicología Experimental de la Universidad de Oxford (Reino Unido) y la Federación Universitaria de Australia, concluyen que el color de la taza donde nos tomamos un café influye directamente en la percepción del sabor del café.

Aquí está el asunto, entendemos claramente que no vamos a tomar un café en una copa de coñac, o un vino en una taza de té. Se supone que estos diseños tienen una funcionalidad, por la comodidad, pero también para fomentar, por ejemplo, el olor. ¿Por qué no pensamos lo mismo con el color?

Si el color está directamente relacionado con el sabor, la forma también debería. Y volvemos a Kandinsky; si el color amarillo es agudo y se relaciona con la figura del triángulo, ¿podría un helado de limón intensificar su sabor, si se sirve en una copa de Martini, que tiene más o menos una forma triangular?

De esta manera podríamos hacer alimentos que por estas cuestiones se intensificaran los sabores pero, por ejemplo, con menos calorías, o sea, que fueran más sanos. Supongo que esto no me lo he inventado yo, pero sí quiero de alguna forma extrapolarlo a las artes escénicas. ¿Cómo? Pues ahora mismo no tengo ni idea. El experimento que quiero realizar de momento lo estoy enfocando en decoración (como escenografía) y la luz, que lógicamente, podría extrapolarlos a la escena… pero ya veremos, porque me gustaría ir más allá.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×6-kandinsky-forma-color-sabor-audios-mp3_rf_76936093_1.html

DIEZ COMICS DE ARTE (Parte 2)

Segunda parte de este especial del comic. Si en ese primer texto hablamos de 5 + 1 obras de arte de la novela gráfica, en este os presentaré otras 5 para terminar con esta lista de 10 comics imprescindibles que puedes leer sin haber cogido nunca antes un comic. Y si eres lector de comic, imagino que los habrás leído, pero si por algún motivo no, algunos de esta lista, posiblemente, te harán redescubrir algunos autores, estilos…

En fin, como siempre, supongo que esto tiene que ver con gustos. Pero lo que no cabe la menor duda es que son obras de arte, como hablamos en el primer texto.

Hablo de 10 comics imprescindibles, pero realmente hay muchos más… supongo, que la lista podría ser prácticamente interminable, pero he elegido estos porque creo que son bastantes representativos.

Sin más dilación vamos con el primero de esta lista, el sexto de la lista completa:

Los Combates Cotidianos

LOS COMBATES COTIDIANOS

Este comic me lo regalaron en las navidades pasadas y lo estuve reservando hasta tener un momento de relax, porque sabía que me gustaría, que lo iba a disfrutar y quería tener ese tiempo para no leerlo a cachos. En fin, en verano, me lo leí en un día.

Un comic que cuenta la historia de un antiguo fotógrafo de guerra que se retira a vivir al campo. El costumbrismo íntimo de las páginas hace que cada reflexión, cada cosa que transcurre en este álbum se nos quede grabado en las retinas en una obra sobre reconciliarse con nuestra propia vida. “Los Combates Cotidianos”

Marco, un fotógrafo de guerra que atraviesa una crisis personal, decide retirarse a vivir al campo. Allí, le ocurren diferentes cosas, llamemos triviales, (lo que nos podría ocurrir a cualquiera). Pero sobre todo se enfrenta a sus fantasmas, en definitiva, una búsqueda para poder seguir viviendo y conquistar un pequeño remanso de felicidad personal.

Es una historia bastante asequible, porque podría ser la historia de cualquiera de mi generación, o alguna anterior o posterior, pero más o menos de entre los 30 a los 50. Una historia que por momentos parece sencilla, pero el señor Larcenet, autor de este comic, hace que la fluidez de la narrativa, la sinceridad plasmada, el dibujo afable, todo esto vaya colando en una reflexión personal, que difícilmente podrás dejar de leer hasta que termines sus 264 páginas.

Aquí vemos un ejercicio verosímil. Contar una historia no debe ser tan complicado ¿no? O eso nos creemos. Si fuera fácil, seríamos todos escritores. Finalmente el arte tiene que ver con la comunicación y con qué es lo que cuentas, pero sobre todo, como lo cuentas. Y aquí nos encontramos con una historia sencilla, como ya digo, pero de compleja planificación. Larcenet nos propone una camino conocido, que nos hace reflexionar sobre nuestro propio estado. Una historia que influye, que despierta sensaciones, bien estructurada, que cuando nos damos cuenta, estamos totalmente inmersos en ella.

Voy a citaros una frase de un diálogo que mantiene el protagonista con un recién jubilado de los astilleros: “A partir de este segundo, el mundo te pertenece… Te lo cedo oficialmente. Ahora te toca a ti apañártelas con él”.

Si de algo trata Los combates cotidianos es de la necesidad del individuo de reconciliarse con la vida, de hallar un lugar en un entorno hostil e intentar legar un mundo un poco mejor del que nos encontramos.

La relación con sus padres y amigos, con su hermano, la vejez, el tiempo que pasa, conocer a su pareja, el legado de una hija, la evolución de su trabajo… estos son los combates cotidianos a los que se va enfrentando Marco y que poco a poco va solventando. Pero, igualmente, creo que existe un paralelismo del estado del personaje principal y el de su propio país: Un protagonista en crisis que intenta encontrarse a sí mismo y en paralelo, un país que intenta encontrar una nueva identidad; momentos de lucha obrera, de racismo, los nuevos discursos políticos y empresariales… Pero tampoco os quiero desvelar demasiado.

Diálogo fluido que se alternan con silencios, con miradas y gestos que revelan mucho más que las palabras; No cabe duda que existe una buena narrativa visual. Con un estilo del dibujo cartoon o caricaturesco, que pronto, comenzamos a ver como algo normal, real. O sea, que sin darnos cuenta el dibujo nos comienza a parecer algo más realista. No sé si esta es la intención del autor, pero a mí me parece muy curioso, muy atractivo. No sé si es que nos vamos acostumbrando al dibujo o qué, pero me gusta la sensación de que comenzamos a leer el tebeo como un comic de estética, casi infantil, y terminamos la historia con una reflexión muy profunda.

Leí del crítico Víctor Palomeque, en la web de comics especializada Zona Negativa, una frase que me pareció muy acertada y que quizá resuma perfectamente la esencia de este comic, dijo: “Los Combates Cotidianos puede leerse desde muchos puntos de vista, pero sin duda el nivel más profundo, como en todo arte, es aquel, en que aquélla trasciende su medio y penetra en la realidad. Si dejamos que nos llegue, Los combates cotidianos consigue hacer con nosotros lo mismo que con Marco: hallar victorias en todas las derrotas, reconciliarnos (si bien temporalmente) con la vida”. Me parece una conclusión para esta reseña acertada y que engloba bien su esencia.

Guión, dibujo y color Manu Larcenet, en formato cartoné, 264 páginas, por Norma editorial. Es un tomo integral, aunque, en su inicio, en Francia, se publicó como cuatro tomos. En España, como ya digo, Norma editorial lo sacó en formato integral, con una edición bastante buena.

Los Surcos del Azar

LOS SURCOS DEL AZAR (DOCUMENTAL)

Ahora nos vamos a quedar con un comic de un autor, que cualquiera de sus obras podría recomendar. Es hoy día el autor español más reconocido internacionalmente y por algo será. Yo os aseguro, que todos los comics que he leído de él me han gustado.

Hablo del señor Paco Roca y de “Los Surcos del Azar”.

Como ya digo, cualquiera de sus títulos es altamente recomendable; “Arrugas”, “Memoria de un Hombre en Pijama”, “La Casa”, “El Tesoro del Cisne Negro”, o su último trabajo “Regreso al Edén”. Temáticas distinta, pero un mismo denominador común; una calidad en el lenguaje del tebeo que no tiene parangón.

Nos vamos a quedar con este título, “Los Surcos del Azar”, por muchas razones, pero creo que la primordial es que es uno de esos trabajos en los que la documentación previa es fundamental para el desarrollo de la historia y que nos dice mucho sobre el compromiso del autor con su propio trabajo.

Este hombre tendrá bastantes estanterías Billy llena de comics, pero puede que tenga el mismo número de estanterías para los premios que se le han otorgado. Como he dicho Paco Roca puede que sea nuestro autor de novelas gráficas más conocido y cotizado de nuestro país.

Pero vamos con la historia que nos compete. ¿Qué nos vamos a encontrar en “Los Surcos del Azar”?

A través de los recuerdos de Miguel Ruiz, republicano español exiliado en Francia, vamos a conocer la historia de “La Nueve”, una compañía de la segunda división blindada, formada mayoritariamente por republicanos españoles.

Es una historia olvidada sobre la contribución española en La Segunda Guerra Mundial. O sea, que hablamos de una historia basada en hechos reales.

En la página de Astiberri  (editorial de este comic) Nos resumen bien el argumento:

“La mayoría de los hombres que componían La Nueve tenía menos de 20 años cuando en 1936 cogieron las armas por primera vez para defender la República española. Ninguno sabía entonces que los supervivientes ya no las abandonarían hasta ocho años después, y que en la noche del 24 de agosto de 1944 serían los primeros en entrar en París. Los carros de combate llevaban, en el morro, nombres sorprendentes: Madrid, Don Quichotte, Guadalajara, Ebro o Guernica. Los soldados se apellidaban Granell, Campos, Fábregas, Royo, Pujol… Ellos encabezarán el desfile de la victoria del día 26 de agosto por los Campos Elíseos. Sin embargo, no lograrán su máxima meta de ver España libre del franquismo”.

Es tal y está tan bien documentada esta historia que después de su primera publicación, el autor valenciano Paco Roca, volvió a revisar todo este material con el hispanista estadounidense Robert Coale, para sacar en la nueva edición, 24 páginas más, en las que incluye voces, por ejemplo, de la alcaldesa de París Anne Hidalgo y la anterior alcaldesa de Madrid Manuela Carmena. (que en el momento de publicación era la actual alcaldesa de Madrid, y por ello, ese diálogo).

Bocetos, fotos, nuevas páginas dibujadas, e incluso una carta de uno de los protagonistas de esta obra capital de Paco Roca, es lo que nos vamos a poder encontrar en la última edición de este comic, que es la que recomiendo, porque ya puestos, cuanto más contenido, mejor.

Bueno, a las personas que les gusta el rollo superheroico, hablan de la simpleza del dibujo de Paco Roca, lo que me parece un análisis simplista. Porque el dibujo empalagoso de los comics de superhéroes, no tiene nada que ver con esta historia. Lo interesante de un dibujo de comic es su narrativa, como acompaña al guión y de eso Paco Roca es un maestro.

No lo digo yo, lo dice el favor de los lectores y la crítica nacional e internacional.

Y que, bueno, como siempre digo, una buena canción no tiene porque ser una buena banda sonora. La buena banda sonora es aquella que acompaña la acción dramática de la película o de la escena. Por ello la llamamos música incidental. En el caso del comic, para mí, el buen dibujo, es aquel que acompaña bien a la historia. Y sí os diré, que por muy sencillo que os parezca, la sutileza de las líneas, y el hecho de que en pocos trazos puedas entender a la perfección el estado del personaje, es de ser un portento.

Cuando empezamos a aprender a dibujar, tenemos al “horror vacui” quiero decir, horror al vacío, y tendemos a rellenar todo, a recargar el dibujo (quizá, intentando esconder los fallos). Cuando dominas la técnica, normalmente, se tiende a la esencia, a la simpleza. A que con la menor muestra, demos la mayor información). Y como digo, Paco Roca, eso lo hace a la perfección.

Me quedo con la crítica del escritor Javier Pérez Andújar que nos dice: “Los surcos del azar va más allá de estar formidablemente dibujado y dotado de una capacidad narrativa apabullante. Paco Roca lo ha transcendido. Ha escrito un libro necesario, y no sólo por lo que tiene de recuperación de nuestra memoria histórica. Eso también lo ha transcendido. Es necesario porque nos ofrece algo en que creer; nos ofrece nuestra parte de la historia que nos arrebataron, que hemos perdido preocupándonos de un día a día alienante. Su libro nos devuelve a nosotros mismos”.

Aquí os dejo esta publicación de Astiberri, de 352 páginas a color, en formato cartoné. (Oye, y que va por la décima edición) “Los Surcos del Azar”.

Lo que más me gusta son los monstruos

LO QUE MÁS ME GUSTA SON LOS MONSTRUOS (Entrevista???)

Ahora nos vamos a quedar con un comic de Emil Ferris, una de las autoras más relevantes en el mundo del comic, a pesar de tener una sola obra publicada. Pero ¿por qué esto es así? ¿Qué tiene ese comic, esa obra, para estar en esta lista y considerar a su autora como una de las más relevantes?

Bueno, ahora lo entenderéis. La obra de la que vamos a hablar es “Lo que más me gusta son los Monstruos”.

Esta autora no ha tenido una vida fácil; pobre, víctima del bulling y la homofobia… Con solo dos libretas para poder estudiar, es aquí donde refleja su creatividad y expone lo que veremos en este peculiar comic. Aquí no termina su periplo; En el año 2001 una picadura de mosquito le produjo la (tan de actualidad) Fiebre del Nilo, por lo que perdió la movilidad de cintura para abajo, así como el movimiento de su mano derecha, con la cual dibujaba. Aún en silla de ruedas decidió matricularse en el Art Institute de Chicago y allí comenzó a gestar “Lo que más me gusta son los monstruos”, obra que vería la luz 15 años más tarde.

48 editoriales le negaron la publicación de esta novela gráfica. The Other Pressaccedió a publicarla pero, tras cinco años, el proyecto se paró, por la dimensión que estaba tomando. Y fue finalmente Fantagraphics quien realizó una tirada de 10.000 ejemplares. Fue publicada en 2017 cuando su autora tenía 55 años.

¿Y cómo entró de esta manera tan rotunda a ser una de las mejores novelas gráficas del siglo? Mejor novela gráfica, mejor artista y mejor coloreado en los Eisner, dos premios Ignatz, premio fauve D’Or en el Salón de Angouleme, premio Gran Guinigi en el Festival de Lucca, premio al mejor Cómic Internacional del Salón Internacional del Cómic de Barcelona… y así continua la lista.

Una obra autobiográfica. Su protagonista, Karen Reyes, que no deja de ser ella misma y aunque de concepto ficticio, su historia no puede ser más verosímil y emocional. Digamos que es una realidad poética.

En un barrio de Chicago es donde transcurre esta fase tras fase de esta especie de investigación; una adolescente que tratará de descubrir si la muerte de su vecina fue en realidad un asesinato o un suicidio, como aseguran la fuentes oficiales.

De esta forma, Ferris utiliza el viejo recurso de contar una historia dentro de otra. Sin embargo, su principal virtud es cómo lo lleva a cabo. Karen va recogiendo sus vivencias mediante dibujos y anotaciones en un cuaderno que hace las veces de diario y es esa, la estética que nos encontramos en el comic, como si fuera un cuaderno típico de anillas

No quiero desvelar mucho más, ni de su historia, ni de su forma, ya que creo que este comic, hay que descubrirlo sin más. Ir, comprarlo, o que te lo presten, pillarlo de la biblioteca… abrir sus páginas y comenzar a leer.

Vais a disfrutar de su historia, pero el dibujo, también os sorprenderá, ya que está realizado con bolígrafo y el concepto de composición es muy curioso e innovador.

Otra curiosidad de esta obra es que Ferris, planteó un crowfunding mientras iba realizando la novela, así ofreció, como incentivo incluir dentro de los dibujos y personajes a los patrocinadores más potenciales. Lo que fue una iniciativa novedosa y exitosa al mismo tiempo.

En España editada por Reservoir Books, tapa blanda, 416 páginas.

En definitiva “Lo que más me gusta son los Monstruos” es una obra artesanal, distinta, conmovedora, extraña y sobre todo, es una obra para degustar varias veces, ya que a cada lectura descubres simbolismos y detalles nuevos.

Como dijo Sergio Fernández Atienza; “Una obra que pone en relieve diferentes tipos de abusos, así como la situación de las minorías. Un relato sincero que se ha convertido en un clásico contemporáneo y cuyo único hándicap es que desconocemos su resolución. Hasta entonces, esta joya del noveno arte oposita para entrar en un Olimpo ávido de autoras”.

Es cierto, parece ser que nos queda un segundo comic como resolución de este. Cosa que incluso es más estimulante si cabe, porque nos deja con ganas de más. Mientras tanto, y si aún no lo has leído, aquí te dejo este título imprescindible; “Lo que más me gusta son los Monstruos”

Berlín

BERLÍN

Vamos con el cuarto de esta lista, noveno de la lista completa. Y bueno, ahora sí, y tras 22 años de espera, ha tenido conclusión esta aclamada historia, que además podemos disfrutar ahora en un solo tomo. No me refiero a otra que la obra cumbre de Jason Lutes; Berlín.

Esta novela gráfica ha sido categorizada por la revista Time, como uno de los 10 mejores comics de todos los tiempos. Cinco Eisner, dos Ignatz, un Harvey y lo que le queda.

Fue en  1994, cuando Jason Lutes comenzó el proceso de investigación para la serie Berlín, cuyo primer número, de los veintidós que la componen, vio la luz en 1996. Pero claro, la puedo meter en esta lista porque, como ya he dicho, este mismo año la historia salió recopilada en un solo tomo.

En esta historia, vamos a poder introducirnos en los últimos días de la República de Weimar, destruida por el imparable ascenso del nazismo en la ciudad de Berlín. No nos cuenta la guerra en sí, sino el día a día de sus protagonistas y de cómo las distintas facciones políticas se enfrentaban entre sí, ajenas a lo que se les venía encima. La serie acaba en Enero de 1933 cuando Hitler es nombrado canciller.

Quizá lo que podemos ver en esta obra es las dos caras de la República de Weimar y de cómo se desvanecen hasta un punto sin retorno.

Sus dos protagonistas, Kurt, que representa la esperanza política contenida por la experiencia y Marthe, la ingenuidad de la cultura y la libertad. Por una parte con Kurt podremos introducirnos en la clase alta, políticos, periodistas… y por parte de Marthe, conoceremos la cultura, la noche… Ambos serán arrastrados y destrozados por la marea del nazismo que arrasará todas sus esperanzas de libertad.

Todo esto se va entremezclando con personajes secundarios que en algún momento creamos que puedan dificultarnos la lectura, pero nada más lejos de la realidad, ya que, realmente, la enriquece, mostrándonos la realidad desde distintos punto de vista y amplía los temas tratados.

Entremezcla personajes ficticios con reales, pero todo se sitúa en acontecimientos que transcurren en la historia. Como el del uno de Mayo de 1929, donde vemos cómo se produce la ruptura entre los socialdemócratas y los comunistas que allanará el camino al nazismo. O “La noche de los cristales rotos”, así como otras fechas y sucesos.

Una obra, que al igual que Los Surcos del Azar, comic que recomendé en el programa anterior, está muy bien documentada. Pero me gustó mucho, como los lo cuenta. Como nos cuenta la vivencia en la ciudad de Berlín en aquella época, por ejemplo, poniendo bocadillos de pensamientos de personas que pasean por la calle, y que en ningún caso son protagonistas, incluso ni secundarios del comic. Pero es una información necesaria, y para mí, sobre todo, interesante, pues nos hace pensar en la situación de la ciudadanía de una manera amplia.

En lo que se refiere al dibujo, es en blanco y negro, lo que siempre no da una sensación de seriedad, de estilo europeo, con un control del tiempo y la narrativa muy acertados.

Ediciones Astiberri, año 2020, en un solo tomo, 592 páginas, en rústica. (Aunque su edición primaria fue en 3 tomos en tapa dura). Para mí lo interesante del integral es que es barato.

Nos dice Marc Pastor i Sanz, de Le Monde Diplomatique, que ésta, es ”Una obra de amor al cómic, a la literatura realista, a la historia y a la propia humanidad. Pese a la crudeza de los hechos, se respira ternura y compasión por unos personajes cuya vida se ve atravesada por los conflictos de aquella capital europea de la modernidad. Lutes desarrolla un relato de delicada minuciosidad, en cuya riqueza se sustentan distintas capas de lectura”. BERLÍN.

El Roto

EL ROTO

Bueno, y ahora me voy a algo que normalmente no metemos en estas categorías, pero sin embargo, para mí, son absolutamente necesarias; la tira cómica o la viñeta gráfica.

No os voy a recomendar un comic en concreto, sino a su autor, del que cualquier libro que haya publicado, me parece digno de nombrar. Por ello, os nombro a su autor y ya decidiréis vosotros y vosotras, a qué obra os gustaría echarle un vistazo. Hablo, como no, de Andrés Drábago García, más conocido como El Roto.

Pero ¿Quién es este señor? Andrés Rábago es más conocido en el mundo de la historieta como Ops o El Roto. Dibujante satírico e historietista, considerado como uno de los humoristas gráficos españoles más importantes del gremio.

Comenzó en 1968 publicando viñetas en la revista Hermano Lobo bajo el seudónimo Ops y que se encontraba en plena dictadura franquista. Pasó por la Estafeta Literaria, La Codorniz, Triunfo, Cuadernos para el Diálogo, El Independiente o Ajoblanco.

En su momento, no tuvo la misma repercusión que otros historietistas de la época, aunque por sus colegas de profesión, era considerado como el más brillante.

Pasó por El Jueves, El Cuervo, Totem… y bueno, actualmente, y desde hace años, es dibujante de viñetas en el periódico El País.

Con un estilo sarcástico, de estética austera y seria, juega a ofrecerlos la reflexión de la notica.

Lógicamente, a parte, de todas sus apariciones en revistas y periódicos, ha publicado numerosos libros, comics, ya sea en solitario o como colaborador. Y eso vengo a recomendaros; cualquiera de sus libros podría ser un reflejo de la sociedad actual.

Os nombro alguno de sus últimos trabajos, por si os despierta interés:

  • El libro de los desórdenes (Reservoir Books, 2006).
  • Vocabulario Figurado 2 (Reservoir Books, 2007).
  • Viñetas para una crisis (Reservoir Books, 2011).
  • Camarón que se duerme (se lo lleva la corriente de opinión) (Reservoir Books, 2011).
  • A cada uno lo suyo (Reservoir Books, 2013).
  • Oh la l’art. (Libros del Zorro Rojo, 2013).
  • El libro verde (Reservoir Books, 2014).
  • Desescombro (Reservoir Books, 2016).
  • Antitauromaquia (Reservoir Books, 2017). con Manuel Vicent
  • Contra muros y banderas, (Reservoir Books, 2018).

Este último, por ejemplo, nos muestra una España confusa, debilitada y empobrecida, viejos fantasmas regresan bajo falsos ropajes identitarios y narcisistas para ocupar mentes y voluntades. “Este librito es un modesto intento de evitar ese engaño”. Nos dice el propio Roto.

«El núcleo esencial de la sátira es poner de manifiesto aquello que consideras que son falsificaciones o mentiras, las formas en las que se presentan las cosas para ser más digeribles. Arrancar esa careta es justamente lo que hace la sátira.»

Y con respecto a la obra de “De Contra muros y banderas” Antonio Muñoz Molina, dijo:

«No falla nunca, y nunca deja de ser admirable. Cada día hay una nueva descarga eléctrica, un fogonazo igual de vívido de claridad, un golpe de risa que revela lo grotesco o lo ridículo o lo inmundo debajo de las proclamas solemnes o de las sinrazones o las estupideces que por repetirse tanto ya nos parecen normales. El Roto, literalmente, no deja títere con cabeza, y además nos hace ver hasta qué punto son títeres los figurones y los figurantes de la actualidad diaria, y qué semblantes de capricho de Goya o caricatura de Grosz o pintura negra se esconden debajo de las máscaras sonrientes de la publicidad política -en la política ya queda muy poco que no sea publicidad- y las informaciones financieras.»

El Roto.

Damos fin, tanto a este texto, como a la lista final de esos 10 comics + 1, desde mi punto de vista, obras de arte.

¿El comics puede ser arte? Pues claro. Al igual que el cine, la pintura o la escultura… dependerá de cómo esté hecho. Estos que os he presentado, desde mi punto de vista, lógicamente, son obras de arte.

Y bueno, obviando el debate, que se planteó al principio del anterior programa, lo que no cabe duda, es que estas novelas gráficas son un estímulo para el alma, un entretenimiento “no contaminante o contaminado”, son historias reflexivas, capaces de extrapolarte a diferentes emociones y sensaciones, temas que te harán cuestionar la historia, la vida, la política… ninguna te dejará indiferente y posiblemente, si no eres lector o lectora de comics, vas a descubrir una disciplina más muy reconfortante y estimulante. (O al menos, eso espero haber conseguido con estos audios).

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×5-diez-comics-de-arte-parte-2-audios-mp3_rf_76306408_1.html

10 COMICs DE ARTE (Parte 1)

Hoy vamos a tener un texto que llevaba tiempo queriendo hacer, porque el año pasado, (la temporada pasada) surgió un debate, sobre un comentario que realizó Nuria Enguita la actual directora del IVAM (Instituto valenciano de Arte Moderno), en una entrevista que le realizaron por su nuevo nombramiento, en la que le preguntaron si el cómic, como medio de expresión artístico, merecía tener presencia en este museo. A lo que ella contestó “que primero deberíamos valorar si el comic es arte o no”.

Concretamente dijo: “La misión de este museo es el arte contemporáneo. La pregunta sería si es el cómic un arte. A mí me interesaría mucho que hubiera lugares donde se investigara sobre cómic, sobre diseño, fotografía, etc. Debe haber instituciones donde eso sea posible. ¿Va a estar el cómic en este museo? Tendré que verlo en el contexto de la programación y de la colección”.

Esto provocó un gran revuelo entre los profesionales y aficionados del comic, entre los que se cree, por diferentes declaraciones que este gremio ha expuesto, que éste, ya era un dilema resuelto.

“Este es un debate ya superado” dijo, por ejemplo, Paco Roca, autor de “Arrugas” o “Memorias de un hombre en pijama”, “Los Surcos del Azar”, entre muchos otros títulos que tiene este reconocido autor y que precisamente, expuso en el IVAM en 2019, un proyecto titulado “EL Dibujado”.

Museos como el Prado, el Louvre, el Reina Sofía e incluso el propio IVAM, han realizado exposiciones en torno al mundo del comic. De hecho y casualmente, en el Museo Picasso de París, prácticamente ha estado un año, hasta el 3 de junio de 2021, la exposición “Picasso et la bande dessinée”, que se centra en las conexiones entre el artista y el cómic, y de cómo el autor utiliza códigos específicos del llamado “noveno arte” en algunas de sus obras.

Pero me parece interesante destacar la declaración que realizó Tomeu Seguí, dibujante de la obra “Tatuaje” o “Pepe Carvalho”. Dijo que no creía que se le tuviera que prestar demasiada atención a ese comentario y añadió que el comic es un arte indiscutible, eso sí, no todos los comic son arte, al igual que no todo lo que está representado en un lienzo es arte tampoco.

Y para mí, es aquí donde está el quid de la cuestión. Porque parece que seguimos valorando, o considerando arte, a gremios determinados, profesiones determinadas y como ya sabéis las personas que leéis este blog, para mí el arte tiene que ver más como su heterogeneidad que con una disciplina en concreto. Y me da la sensación que esta directora, Nuria Enguita, pretendía decir eso mismo.

Enguita asegura que su intención es seguir trabajando y colaborando con el sector del cómic, y afirma que “el museo ha de ser catalizador e impulsor de sinergias a partir de la diversidad, complejidad y riqueza de las prácticas artísticas”.

Pero, ¿Cuáles son esas prácticas artísticas?

Desde mi punto de vista, el comic es arte, según de qué manera esté realizado y, por supuesto, según los valores heterogéneos de los que se componga.

Por ello, hoy, me gustaría hablaros de 10 comics (el texto lo he dividido en dos, para que no sea excesivamente largo), entonces en este texto tendremos 5 comics, en realidad 5 + 1, que para mí, (Que esto también hay que dejarlo claro, pues esta lista es, totalmente, subjetiva), indudablemente, pertenecen a la categoría de obra de arte.

Primeramente voy a aclarar, que esta lista , es totalmente subjetiva, tiene que ver con mis gustos y lo que yo mismo leo. Y como veréis, no hay mucho de superhéroes aquí, porque no suelo leerlo, no han sido temáticas que me interesaran demasiado. Pero, oye, claro que existen algunos comic de superhéroes interesantes, y que igualmente, se podrían considerar obras de arte.

Muchas personas admiran el dibujo, otras el guión. Desde mi punto de vista, el dibujo tiene que estar al servicio del guión, y el guión debe ser interesante. Creo que muchos comic mainsteam, tienen un buen dibujo, incluso una buena narrativa visual, pero el guion es bastante flojo. Incluso a veces, ese dibujo usado arquetipizado no me termina de convencer, quizá, incluso, sea demasiado empalagoso. Oye, que no digo con esto que no dibujen bien, pero a mí me chirria.

Pero ya os digo, haber, los hay. Y por diferentes razones, por ejemplo, año uno de Batman, Watchmen o Daredevil: Born Again, o La Broma Asesina, podrían ser obras de arte.

Alan Moore, que escribió, por ejemplo Watchmen o La Broma Asesina, en esta lista, propongo un comic, pero en realidad es un guionista a seguir, porque en muchas ocasiones le ha dado la vuelta, con sus obras al paradigma del comic del momento; paso con la Cosa del Pantano, V de Vendeta, Providence, Wachtmen…

Concretamente Wachtmen por ejemplo, no lo tengo incluido en esta lista, porque aunque para un amplio sector del comic, éste es el comic por excelencia, creo que antes de leer esta obra, hay que leer mucho comic para realmente admirar la destreza de todo lo que planteó este señor aquí, y el juego psicológico que introdujo a los superhéroes. Pero claro, para realmente admirarlo, entonces, antes, tendrías que haber leído mucho de superhéroes, si no, puede que lo veas como una historia más (bien contada, pero una historia más) Y en realidad no es así.

En fin, lo que propongo en este texto, es una lista de diez comics, (en este caso 5 + 1, porque dividiré el texto en dos) estos comics, en todos los casos son auto-conclusivos y no tienes que haber leído nada con anterioridad para disfrutar y admirar estas obras. Y os garantizo que, algunos de esta lista, os harán pasar un buen rato, os harán preguntaros y cuestionaros algunas cosas, os conmoverán y os despertaran diferentes sensaciones y emociones… en fin, lo que suele hacer una obra de arte.

Maus

Vamos a comenzar con uno, que de hecho, es el único que ha recibido el Premio Pullizer. Un comic que muchas personas rechazan por lo que hemos hablado antes, por el dibujo, por parecer simplista, o incluso sucio, pero nada más lejos de la realidad; la narrativa visual que derrocha, acompaña perfectamente al guión. Hablamos, naturalmente de la obra cumbre del norteamericano Art Spiegelman; MAUS.

Una de las obras más impactantes y trascendentes a día de hoy.

Muchas cosas de este comic son importantes, y todas hacen que sea una gran obra artística, pero pienso que la historia que nos cuenta es fundamental, ya que se trata del testimonio real del propio padre del autor, el señor Vladek Spiegelman. Judío que sufrió las terribles infamias de la Segunda Guerra Mundial y del régimen nazi.

La cuestión es, que no solo nos cuenta eso, es cómo nos lo cuenta. Cuando nos presenta al personaje principal, nos hace dudar de su personalidad, nos lleva a sentir la desesperación que el propio autor siente dentro de la relación con su padre; diferentes comportamientos que no llega a entender, secuelas psicológicas que su hijo, por supuesto, no puede ni vislumbrar… pero poco a poco, nos va desvelando de donde viene todo esto. Y es cuando comienza a contarnos la horrible historia.

Creo que es, prácticamente, imposible, que al leer este comic, no entres en una sensación de absoluta tristeza y desesperación, al ver las atrocidades que el ser humano ha sido capaz de hacer. Y a la vez en una comprensión del estado del Vladek.

Maus, no es una historia más sobre judíos y el Holocausto. Umberto Eco, nos reseña:
«Lo cierto es que Maus es un libro que no se puede dejar de leer, ni siquiera para ir a dormir. Cuando dos de los ratones hablan de amor, te conmueven; cuando sufren, lloras. Poco a poco, a través de este pequeño cuento que incluye sufrimiento, humor y superar las pruebas de la vida cotidiana, quedas cautivado por el lenguaje de esta vieja familia del Este de Europa y atrapado por su ritmo gradual e hipnótico. Cuando terminas Maus te da pena haber abandonado este mundo mágico (suspiras por la secuela que te hará regresar…)»

Bueno, deciros que Art Spiegelman opta por utilizar un estilo de dibujo sencillo, utilizando el estilo  “funny animals” (nombre que se le da a los cómics o animaciones donde personajes humanos adoptan figuras de animales) Esto  simplifican el peso gráfico de la obra. La idea es que el ojo del lector/a se centre en la descripción de la viñeta y sea más receptivo a lo que está narrando el cómic.

Por supuesto, es en blanco y negro, con un enfoque “indie”, lo que nos da un tono serio, con trazos de plumilla y pincel que, en numerosos casos, donde la historia se vuelve dura y cruel, el acabado de la viñeta se vuelva casi opresivo, desmoralizante, como si el autor nos estuviera transmitiendo sensaciones más que información.

He dicho que los humanos adoptan figuras de animales, así, los judíos son representados como ratones, los Nazis como gatos, los franceses son ranas, los americanos perros y los polacos cerdos. De esta forma, inteligentemente, nos simplifica su lectura y vuelve más gráfico su despliegue argumental.

Deciros que “Maus” fue concebida a lo largo de los años 70 y 80, y se publicó en dos partes: “Mi padre sangra historia”, obra publicada en 1986 en Estados Unidos, nos narra los acontecimientos vividos por Vladek hasta su llegada al campo de Concentración de Auschwitz (Polonia) en 1944. El éxito mediático de esta primera parte fue arrollador.

Posteriormente, la segunda parte de “Maus” vio la luz en 1991 y lleva por título “Y aquí comenzaron mis problemas”, centrado fundamentalmente en los aterradores meses vividos por su padre Vladek en el campo de concentración de Auschwitz, hasta el final de la guerra en 1945.

Este comic, está editado en España, en un solo tomo, por Penguin Random House a través de su sello Reservoir Books, quien lo sacó al mercado en 2007 en una edición que tiene una presentación impecable, con encuadernación en cartoné y sobrecubierta. Y que no tendréis problemas en encontrarlo en cualquier librería especializada.

Un comic, que todo el mundo debería conocer y leer por lo menos una vez en su vida. Maus.

La Levedad

– A mí, después del 7 de Enero, de repente lo que me parece más valioso es la amistad y la cultura.
–A mí, la belleza.
– A lo que responde la amiga: Es lo mismo.

Esto es un diálogo que nos encontramos en la novela gráfica de Catherine Meurisse. También lo vemos en la contraportada de este comic ganador del premio Prix Wolinski de 2016

Catherine Meurisse es una autora de cómics francesa nacida en 1980, y que en 2005 se unió al equipo de dibujantes de la revista Charlie Hebdo.

El 7 de enero de 2015, la alarma del despertador de la dibujante Catherine no sonó, así que llegó tarde a la reunión del equipo de diseñadores de la revista. Este descuido le salvó la vida, pero no la libró de afrontar la violencia de un terrible atentado en el que perdió a amigos, maestros, mentores…

Para quien no esté muy puesto en el tema, recordaré que el atentado contra Charlie Hebdo, consistió en un tiroteo que se llevó a cabo en la sede de la revista, en la ciudad de Paris el 7 de enero de 2015, por unas caricaturas que publicó sobre Mahoma.

Dos hombres enmascarados y armados con fusiles de asalto, entraron en las oficinas de dicha revista, matando a 12 personas e hiriendo a otras 11. El grupo Al-Qaeda asumió la responsabilidad del ataque.

Bueno, pues como he dicho, Catherine Meurisse, dibujante de dicha revista, llegó tarde a su reunión de trabajo, y eso, le salvó la vida.

Pero las secuelas que te deja una vivencia así, son considerables. Tanto, que no pudo volver a trabajar ni a dibujar durante mucho tiempo.

Decidida a encontrar un nuevo punto de partida, la autora, emprende, en medio del caos y la aridez estética que siguió a aquellos días en Paris, un viaje en busca de su contrario: la belleza. Y de todo ello, trata el comic La Levedad.

De alguna manera este comic trata la sinrazón de no comprender el humor, la crítica, la ironía… y que lleva a una serie de fanáticos a cometer un acto terrorista, atentando despiadadamente contra las personas que trabajaban en esta revista satírica.

Este atentado ocurrió, como ya he comentado, por unas caricaturas de Mahoma, y me pregunto; ¿qué nivel de libertad tenemos si no tenemos libertad de expresión?

La historia del comic, podríamos decir que se divide en dos partes, la primera que se desarrolla en París donde vemos a Catherine víctima del shock postraumático que la ha convertido en una sombra incapaz de sentir y reaccionar. Una terrible depresión se ha apoderado de ella.

En la segunda parte, cuando ha decidido, acabar con toda esa oscuridad, con toda esa estupidez, y se embarca en un viaje con la intención de encontrar la belleza. Me parece precioso que lo haga desde el arte. Así nos traslada a Roma, intentando contagiarse del Síndrome de Stendhal.

Es un comic, una historia, que a pesar de todo, el humor sigue presente, un humor de iguales características que la revista donde trabajaba. Su dibujo, igualmente, sigue ese estilo. (Digamos que esa revista es como El Jueves en España), y es ese el tipo de dibujo que tiene; es caricaturesco, espontáneo, pero en realidad, muy técnico, porque con pocos trazos te lleva a la sensación que va pidiendo el guión, a la que siente el propio personaje.

Pero no dejéis engañaros por lo que digo de su estilo, hay viñetas que son absolutamente preciosas, poéticas… y que, como digo, nos hacen viajar por un cúmulo de sensaciones y emociones, que de alguna manera, nos acercan al estado por el que está pasando su autora y protagonista.

Por último os diré, que el comic, para mí, es una reflexión sobre el dolor y su curación a través de la belleza. (Me parece maravilloso). Y no deja de ser un homenaje a sus compañeros de Charlie Hebdo.

En España está editado por la Editorial Impedimenta, en cartoné tapa dura, 136 páginas.

Precioso “La Levedad”.

V de Vendeta

El 5 de noviembre “la Bonfire Night (la Noche de las Hogueras) en el Reino Unido. 

Esta fiesta conmemora al personaje Guy Fawkes que fue quien quiso volar por los aires el Parlamento Británico. Quería realizar este atentado porque el catolicismo sufrió, de la mano de la monarquía, una represión, convirtiéndolos en enemigos para los protestantes. 

Fawkes llego a introducir en el sótano del parlamento sacos de pólvora, pero antes de cumplir su cometido fue detenido y ahorcado. De esta manera se convirtió en villano nacional, pero nadie olvidó su hazaña y cada 5 de noviembre se le recuerda con hogueras y fuegos artificiales.

Esta acción real, ha cogido diferente simbología, y ya no en defensa del catolicismo simplemente, sino de la propia libertad del pueblo. Muchas personas que celebran esta fiesta hoy día, han readaptado y se han apropiado de esa acción para exponer su queja ante los gobernantes.

De igual manera, Alan Moore, el autor de este fantástico comic, creo su personaje V. Así, está claro que vamos a hablar del comic V de Vendetta.

Este comic sitúa su historia en 1997. En el momento de su publicación, esa fecha era un futuro inmediato, y nos mostraba un mundo inundado por el fascismo, la violencia, la opresión… ¿Y quién nos dice que la historia no era visionaria? Hoy día existe un gran desacuerdo de la ciudadanía ante los políticos, nos vemos arrastrados por una dictadura de mercados, pero finalmente, como ha pasado a lo largo de la historia, tenemos “pan y circo”, quiero decir, que tenemos algunas, que no todas, las necesidades básicas cubiertas y elementos de distracción, y parece que con esto ya es suficiente. El pueblo se conforma, cuando los derechos fundamentales se están violando constantemente.

Leer V de Vendetta, de alguna manera, nos invita a abrir los ojos, a descubrir que los políticos se mueven por intereses del mercado y los bancos, o sea, poder, poder económico y, quizá lo más triste, la supuesta seguridad que nos ofrecen, a cambio de perder la integridad, bajo vigilancia, y una constante propaganda del miedo.

David Lloyd, que es el dibujante del comic, dijo que “V de Vendetta es para las personas que no apagan las noticias”

Por suerte, siempre queda gente que pretende luchar por nuestras libertades. Como este antihéroe romántico creado por Alan Moore.

Un personaje profundo, complicado, lo que no creemos que vamos a encontrar en un comic. Siempre pensamos que son historias más livianas, pero nada más lejos de la realidad, Moore nos presenta a un protagonista, que en un principio,  no deja de ser un terrorista, con cierta filosofía anarquista que lucha contra el fascismo. Pero claro, con un pasado tortuoso, como descubriremos en la historia. Pero profundiza más, el personaje es un intelectual, culto y todo esto lo veremos en las conversaciones que tiene con una chica (Evey), a la que salva de unos villanos nocturnos, y que en torno a todo esto girará esta monumental historia.

Finalmente no deja de ser una lección, para devolverle la responsabilidad de su existencia a cada ser humano. Quizá todo esto venga de la misma opresión que sufría Moore en Londres por el gobierno de Margaret Thatcher.

Es interesante porque la historia, por momentos nos hace pensar más en qué mundo vivimos nosotros y nosotras, más que en la propia historia o misterios del tebeo.

Respecto al dibujo, Lloyd era un gran amante de los cómics de corte similar al cine negro (nuar) y se nota en su dibujo, por su juego de luz y sombra, y que creo recordar, que su primera publicación en la revista Warrior, creo que fue en blanco y negro y que después en publicaciones posteriores, fue coloreado.

En la revista Warrior, no se completo la serie, porque cerró. Fue entonces cuando cogió los derechos DC y publica V de Vendetta. Y este comic tiene bastante culpa de que naciera el sello Vértigo, dentro de DC. Un anexo a la editorial que se decantaba más por comics adultos y quizá más experimentales.

También fue David Lloyd quién propuso a Moore que el personaje llevara la máscara de Fawkes. Y muy acertadamente, porque le da un toque de misticismo al personaje brutal.

Esta máscara, como sabemos, se ha convertido en un símbolo contemporáneo del desacuerdo con la política, la opresión y la represión, pero también y sobre todo, del movimiento de Hackers “Anónimus”.

Bueno, solo me queda deciros que este comic tiene una adaptación a una película, que desde mi punto de vista, no está del todo a la altura. Así que os recomiendo la historia en comic, que no tendréis problemas en adquirir en cualquier librería especializada. Lo tienen en dos tomos y últimamente salió uno conclusivo. O sea, que está en un solo tomo. Y no suelen ser ediciones demasiado caras.

«Eso es porque tienes miedo, Evey. Tienes miedo porque puedes sentir la libertad dentro de ti. Tienes miedo porque la libertad es terrorífica»

El Arte de Volar y El Ala Rota

Ahora le toca el turno a un comic que tiene el premio nacional, en España, a los que habría que sumar premio en el Salón del Comic de Barcelona, Premi Nacional de Catalunya, Premio Cálamo, Premio de la Crítica… y bueno, aunque yo no soy muy de valorar por los premios, pero cuando el rio suena…

Efectivamente es así, es indiscutible, la importancia de esta historieta para el gremio del comic a nivel nacional.

Su autor Antonio Altarriba. No hablo de otro que “El Arte de Volar”

Aquí ocurre un poco algo parecido a Maus, Antonio Altarriba, nos cuenta, de primera mano la historia de su padre. Un doloroso ejercicio de introspección personal.

No os quiero desvelar nada, pero por una situación familiar, parece que Antonio Hijo, no comprende la personalidad y las acciones de Antonio padre, hasta que encuentra unas notas que le muestran un ser humano distinto al que él creía conocer.

Así que este guionista zaragozano lo que realiza en este comic es una reconstrucción de la figura de su padre, desde el niño que se divertía y reía con la ilusión de poder volar, hasta el joven que pronto conoció la dura realidad de una guerra, del hambre de la posguerra y el horror de la dictadura.

Pero aún nos cuenta más, realmente, la historia también nos habla de ese difícil tiempo en el que personas exiliadas, que lucharon contra el régimen fascista, vuelven a su país como perdedores, y se encuentran con una realidad atroz. Nos habla de cómo tienen que sobrellevar tan traumática situación; una vida de ideologías y credos ajenos.

Editado por Norma Editorial, Cartoné, 224 maravillosas páginas en blanco y negro. Guion exquisito, narrativa visual, a cargo de Joaquim Aubert, más conocido como “Kim”, es perfecta, final impactante. Profundidad, emotividad, sinceridad y capacidad de llevarnos a una reflexión de nuestra propia historia como país… Sin duda, una obra maestra “El Arte de Volar”.

Esta obra fue publicada en 2009 y bueno, si os quedáis con ganas de más, en 2016, Antonio Altarriba, publica “El Ala Rota”. Si en el primer comic, vemos la visión de su padre, en este caso, y de igual calidad, nos muestra la historia y las vivencias, de ese tiempo incierto, de su madre.

Por eso tenía en el título de este programa 5 + 1, porque aquí está el uno más. No es necesario leer ninguno antes que otro. Se pueden leer por separado, pues ambas historias son autoconclusivas. Pero bueno, ya que estamos, yo recomiendo, encarecidamente, la lectura de los dos.

Persépolis

Creo que es imprescindible, en esta primer lista, poner este título. Una obra que nos habla, casi de una forma naif, de una situación inentendible para muchas personas. Pero que así ha ocurrido, y por desgracia, sigue pasando. No me malinterpretéis con el adjetivo de “naif”, no penséis que es infantil, todo lo contrario; su narración es técnica, es puntillosa, pero la visión de la temática está expuesta, desde el punto de vista de una niña.

Marjane Satrapi denuncia, en este comic, de forma magistral, la censura, el machismo, la falta de libertad…

Nos cuenta, de primera mano, su propia historia. Nos relata los cambios políticos en Irán desde 1979, cuando la caída del Sha de Persia, pasando por la Guerra de Irán e Irak y llegando a los años 90. Este conocido comic es; Persépolis.

Estas obras que os cito, y que algunas están basadas en las propias vivencias del autor o autora, para nada tienen un punto de vista victimista, tratan sobre momentos vitales en sus vidas. En este caso, el día a día de esta artista cuando era una niña de tan solo 10 años, de su visión sincera y arrolladora sobre el tortuoso cambio político de su país y de cómo va creciendo hacía un futuro incierto.

No es una historia cómoda para nadie, ya que critica a su país por el cambio sufrido, con una coartada de libertad y un fanatismo religioso sin parangón, pero también de los intereses occidentales de mantener al Sha de Persia, siendo corrupto y dictatorial, por sus propios intereses comerciales.

Igualmente hay algo doloroso en la visión que tenemos en el comic, cuando, desesperados por la situación, sus padres deciden enviar a su hija a Europa. Aquí veremos, claramente, el desamparo y la falta de identidad que sufren los y las inmigrantes al llegar a Europa y su inminente y arduo retorno a su país. Para, de nuevo, encontrarse con el velo, la insidiosa adulación constante a los mártires de guerra, los guardianes barbudos fundamentalistas, la esquizofrenia de una vida pública temerosa, en contraposición a la realidad en la vida privada.

Pero como ocurre en el comic La Levedad, esta trágica e incomprensible historia, no está carente de humor. Cosa que nos hará disfrutar de lo que leemos a cada instante, aunque a veces pensemos; ¿de qué me estoy riendo?

Bueno, respecto a la parte visual, el dibujo es sencillo, en blanco y negro, que acompaña muy bien a la historia y a su propio significado.

En un inicio, se publica en París en cuatro tomos, saliendo el primero a la venta en el año 2000. En España entre el 2002 y 2004. Ahora, lo tenéis en un solo tomo, tanto por Norma Editorial como por la editorial Reservoir Books, cartoné, tapa dura, 360 páginas… ya van por la séptima edición, creo…

Este comic tiene innumerables premios y una adaptación a cine, que no está nada mal, supongo que porque también participó en la dirección la propia Marjane Satrapi. El film también consiguió diferentes premios, por ejemplo el de Cannes, e incluso estuvo nominada a los Oscar y a los Globos de Oro.

Tanto comic, como película, tienen excelentes críticas.

Un comic que invita a la reflexión. Un comic que se abre de par en par, de una forma sincera, para mostrarnos una realidad difícil de entender. Un comic, que sin ninguna duda, hay que leer. Persépolis.

Hasta aquí este primer texto de 2 sobre 10 comics de arte. En este primero 5 + 1 imprescindibles:  Maus, La Levedad, V de Vendeta, El Arte de Volar (con esta especie de secuela o acompañamiento como es “El Ala Rota”) y Persépolis. Espero que lo disfruten.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×4-diez-comics-de-arte-parte-1-audios-mp3_rf_75978783_1.html

HISTORIA DEL ARTE 9: Arte Románico y Gótico

Hoy nos espera un programa de estos que llamé en serie, artículos que tienen una continuidad con algunos de los que ya salieron en la primera temporada. En este caso, vamos a seguir con la Historia del Arte, concretamente el número 9. Así que yendo de una forma cronológica, de lo que nos toca hablar es de la Edad Media Europea, lo que comprende el Arte Románico y el Gótico.

Este apartado del que vamos a hablar, se refiere a la Edad Media Europea, y podríamos decir que viene de cuando Teodosio I, emperador romano en el Siglo IV, hace del cristianismo la religión oficial del Imperio, prohibiendo el resto de culto. Así, la iglesia se institucionaliza y se dota de patrimonio y jerarquía.

(Como siempre digo, es interesante, (o bueno, más que interesante, imprescindible), saber el contexto histórico en el que navega el estilo artístico que queramos tratar, pues así, comprenderemos mejor su causa, su nacimiento, los valores que en aquella época tenía, para que servía en ese momento…)

En fin, pues nos encontramos en ese momento en el que oriente y occidente, a la caída del Imperio Romano, toman rumbos distintos; oriente mantendrá el Imperio Bizantino y occidente, a la caída de Roma, se divide en territorios con jefes militares.

En ese momento los poderes universales son el Imperio y el Papado, que aunque se respetan entre sí, ambos quieren ser la autoridad suprema del mundo cristiano.

Durante el Imperio Carolingio, Carlomagno (el día 25 de diciembre del año 800) recibe de la mano del Papa León III, la corona imperial que le acreditaría como Emperador de occidente. Su territorio, comprendía la Galia, Italia y Germania (y una parte de España), con lo que de alguna forma, quedó restablecido el antiguo Imperio Romano de Occidente. Y el Papado pudo alzarse como cabecera religiosa e ideológica en Roma.

Tras la muerte de Carlomagno, le sucede su hijo Ludovico Pio, que a su vez, divide el Imperio en tres y se los cede a sus hijos: Lotario (Italia), Carlos el Calvo (Francia) y Luis el Germánico (Germania), firmando el tratado de Verdún.

Tratado de Verdún

Podríamos decir que aquí, desaparece el Imperio Carolingio y entra un sistema político, social y económico, que conocemos como feudalismo.

Europa queda en manos de monarcas guerreros (Entre los siglos X y XIII) y tras la continua amenaza del pueblo musulmán, el papado y las monarquías se ven obligados a pedir ayuda a hombres de armas. Éstos, a cambio, recibieron rentas y tierras (feudos) de los monarcas y es cuando estos hombres armados, cogen poder, convirtiéndose en la nobleza de la época. Un sistema jerárquico que dependía de los terrenos y feudos que tuvieras. (Por ello lo conocemos como feudalismo).

En resumidas cuentas, podríamos decir que la economía era autosuficiente, con lo que el comercio decayó. La sociedad era estamental, o sea, se dividía en clases sociales. La nobleza se dedicaba a la guerra, el clero a la oración y los campesinos a la agricultura o la guerra. Ninguna persona podía cambiar de estamento salvo que fuera a la guerra.

El feudo se componía por el castillo, la extensión de tierra que lo rodeaba, donde se encontraban las tierras cultivables, los pastos del ganado y las viviendas de los campesinos. Normalmente también había bosques cercanos que usaban para la leña y la caza.

Es el momento en el que renace el concepto de CIUDADES. Algunas se restauraban de ciudades antiguas en decadencia, otras nacían nuevas alrededor de un castillo o un monasterio.

Rara vez, estas ciudades pasaban de 1.000 personas. Pero a partir del siglo XIII, ya podemos ver ciudades de entre 5.000 y 10.000 personas y las más grandes como París y Roma, podían pasar los 50.000 habitantes.

El crecimiento de las ciudades, dependía de las oportunidades de trabajo que ofreciera y de la libertad en la vida urbana. Y en este caso, es fundamental el renacer del comercio, se hacían ferias y mercados anuales, donde se comerciaba normalmente, ganado y herramientas. Algunas de estas ferias se conocieron en gran parte de Europa, como la de Medina del Campo en Valladolid.

Las ciudades estaban rodeadas por murallas y en sus entradas, había casetas donde se cobraban impuestos por las mercancías que entraban o salían. El poder de las ciudades se afirmaba por sus murallas. Una vez dentro, el centro lo dominaba una catedral, la plaza del mercado y el Ayuntamiento. Los nuevos barrios se organizaban en torno a las parroquias.

Las casas eran de madera, excepto la de los artesanos que la realizaban en ladrillo y adobe, y normalmente tenían dos plantas; la primera para vivir y la planta baja como taller (A veces tenían bodegas). Los palacios, las iglesias y los castillos, estaban construidos en piedra.

Nace un nuevo concepto; El Burgués, personas de cierta riqueza y poder, normalmente, dedicadas a ser mercaderes o maestros de los edificios más emblemáticos. Un poco más abajo en la escala social, estarían los artesanos y comerciantes más modestos. (Los artesanos de un mismo oficio se unían en lo que llamaban gremios, y estipulaban los precios). Incluso más abajo en la escala social, se encontraban los campesinos, que eran aún más podres y marginados. (Eran la mayoría de la población).

En algunas ciudades existía otra clase de marginación, por etnia o religión. También es el momento en el que aparecen nuevas órdenes que llamaban Mendicantes (Carmelitas, franciscanos, dominicos…) en las cuales se hacía voto de pobreza y vivían de la limosna.

Pero ¿Cuáles son las vertientes artísticas que surgen en esta época?

El Románico fue el primer estilo artístico de una Europa unida culturalmente por el Cristianismo. Las influencias romanas en él son innegables, de ellas procede el concepto de Románico, pero también hubo otras, paleocristianas, bizantinas, prerrománicas e, incluso, islámicas. Cronológicamente el Románico alcanza su plenitud en los siglos XI y XII.

La decadencia de la Iglesia Católica de la etapa anterior se vio detenida, cobrando nueva fuerza la institución del Papado y renaciendo la vida monástica. Y en ello, tuvo un papel importante el arte, pues su principal temática fue la difusión del mensaje religioso.

Iglesia de San Miguel en Foro, Lucca

La arquitectónica es fundamental en el Románico (sobre todo en las iglesias), supeditándose a ella la escultura y la pintura. En ella se generalizan las plantas de cruz latina y podríamos decir que casi todos los elementos (muros de sillares, columnas y pilares, arcos de medio punto, bóvedas de medio cañón y de aristas) pueden encontrarse en los estilos precedentes.

Las características más destacables (vamos a nombrar algunas rápidamente, pero si necesitáis más información, creo que hay que ir a un lugar o libro más especializado, porque románico, prerrománico, paleocristiano… todos estos estilos, pueden llegar a confundirnos, porque se parecen bastante en sus formas y, si no estamos familiarizados, puede ser complicado diferenciarlos). En fin, vamos a ver algunas características de la arquitectura Románica.

  • En las naves laterales de las iglesias suelen haber bóvedas de aristas formadas por dos bóvedas de medio cañón que se cruzan perpendicularmente. Las tribunas, galerías altas sobre las naves laterales, son frecuentes en las iglesias de peregrinación con la finalidad de aumentar su capacidad.
  • Los ábsides y absidiolas se cubren con bóvedas de cuarto de esfera.
  • En el espacio central del crucero suele disponerse una cúpula, sobre trompas si su base es octogonal o sobre pechinas si es circular.
  • Las portadas generalmente quedan formadas por una serie de arcos concéntricos que van disminuyendo progresivamente de tamaño conforme se introducen en el muro, las arquivoltas.
  • El acceso, propiamente dicho, suele ser adintelado, dando lugar así al tímpano, espacio comprendido entre el dintel y el arco, que es uno de los lugares preferidos para situar la decoración escultórica.

Los primeros edificios se construyen en Cataluña ya en la primera mitad del siglo XI (San Martín de Canigó, San Miguel de Cuixá, San Pedro de Roda, Santa María de Ripoll); y, posteriormente, desde mediados hasta finales del siglo XI, se irá extendiendo a lo largo del Camino de Santiago: Aragón (Catedral de Jaca), Navarra (San Pedro de Leyre, Iglesia-castillo de Loarre), Castilla (Santo Domingo de Silos), León (San Isidoro de León, San Martín de Frómista) y la propia Catedral de Santiago de Compostela, que podríamos decir, que es la meta de los peregrinos, siendo la culminación del Románico español y europeo.

Catedral de Santiago de Compostela

Las obras de esta iglesia se iniciaron en 1075 por el Obispo Diego Peláez y terminaron en 1105, siendo consagrada por el Arzobispo Diego Gelmírez. Encontramos el esquema de iglesia de peregrinación visto en las características generales (planta de cruz latina con girola y absidiolas, de tres naves, la central de medio cañón con arcos fajones y las laterales con bóvedas de arista, tribuna, etc.), por influencia francesa. También encontramos influencias musulmanas en la tendencia a la herradura y los lóbulos decorativos de algunos arcos, en la Capilla Mayor y la Fachada de las Platerías.

A finales del siglo XI se había extendido la idea de que todas las personas, todos los oficios y hasta los propios reinos tenían sus santos protectores, de esta manera, se veneraban reliquias  y esto atraía a numerosos viajeros y peregrinos. Pasó en Jerusalén, en Roma, y en Santiago de Compostela, a principios del siglo IX se creyó haber encontrado el sepulcro del apóstol Santiago, el más venerado de la Península y muy pronto, alentados por los reyes y por la Iglesia, llegaron a Compostela peregrinos de toda Europa, atraídos tanto por el espíritu religioso, o la necesidad de cumplir una promesa, como por el deseo de aventuras y la esperanza de encontrar fortuna.

San Clemente de Taull

La pintura románica continúa el estilo y características de la pintura bizantina, siendo esencialmente mural al fresco sobre paredes y bóvedas, de temas religiosos, por supuesto.

En España sobresalen las pinturas de San Clemente de Tahull, de principios del siglo XII. Perteneciente al conjunto de la decoración mural de la iglesia de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí (en Cataliña). En esta zona se encuentra la mayor concentración de arte románico de toda europa, con una iglesia por cada 25 km2. Actualmente, se expone en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

También podemos destacar el Panteón de Reyes de San Isidro de León, denominado la “Capilla Sixtina” de la pintura románica. Es de principios del siglo XII, y consiste en seis bóvedas decoradas con pinturas al temple de clara tendencia narrativa.

Relieve representando la duda de Santo Tomás. Monasterio de Silos

La escultura románica está profundamente ligada a la religión, como, prácticamente, toda expresión artística del momento.

Está subordinada a la arquitectura y sirven para crear una determinada atmósfera en las iglesias. Su espacio y talla, depende de la propia arquitectura, adaptándose a la superficie a cubrir. Se concentran principalmente en capiteles y fachadas y como deben adaptarse al espacio, pues podemos observar figuras plegadas, retorcidas o reducidas, según la función del espacio que ocuparan.

En cuanto a los materiales, suelen estar realizadas en piedra caliza, granito o mármol, pero también en madera o marfil. Son relieves planos de escenas con escasa complejidad. La figura humana es esquematizada, espiritualizada, y estática. Aunque a finales del siglo XII va evolucionando hacia el naturalismo y  podemos encontrarnos con figuras mucho más expresivas que van perdiendo su rigidez.

ARTE GÓTICO

Durante el Gótico que abarcaría desde el Siglo XII al Siglo XIV se va a producir una evolución del pensamiento; una tendencia que deja de obsesionarse sólo por Dios y descubre al “hombre” y a la “naturaleza” que le rodea. O sea, el arte gira en torno a la naturaleza, con lo que se hace “naturalista”, se produce el despertar del “humanismo”.

En primero de historia del arte, nos dicen que fue importante en el triunfo del humanismo y el naturalismo:

  • La vuelta a la filosofía aristotélica, gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino.
  • También importante, la Orden del Císter, que tras la reforma de San Bernardo, que será decisiva en la difusión del Gótico, se regula desde el principio la arquitectura de sus templos.
  • Otro factor importante fue el desarrollo de las ciudades, que se convierten en foco de atracción de la población rural y dan lugar a una nueva estructura social gracias a la expansión de los artesanos y comerciantes, que permitieron el triunfo de la burguesía, cuyas nuevas formas y estilo de vida repercutieron en un arte más rico y decorado.
  • Por último destacar el papel de la catedral, edificio más representativo de la arquitectura gótica, núcleo principal de la ciudad y centro de la vida medieval. Son arquitecturas enormes que se construyen durante largos períodos de tiempo.

Las dos obsesiones de los nuevos constructores son:

  • La verticalidad, la elevación, la gran altura e increíble esbeltez que simboliza el deseo de ascensión hacia Dios.
  • Por otra parte, la luminosidad. Con las innovaciones arquitectónicas del Gótico el muro pierde su papel estructural, siendo sustituido por las vidrieras, ya que el nuevo sistema constructivo concentra los empujes en puntos concretos, transformando los muros en cubrimientos exteriores, no en soportes.
Catedral de Milán, Italia

La catedral, como base de la Arquitectura Gótica, como he comentado al principio, preside las ciudades, contrastando claramente con la iglesia rural o los monasterios del Románico.

Esta se compone de:

  • planta de tres o cinco naves, principalmente.
  • El crucero sobresale poco y está más centrado que en la catedrales románicas.
  • En la cabecera debemos distinguir entre el presbiterio y el coro, la girola, que ahora puede ser doble, y las capillas radiales, generalmente poligonales.
  • En los elementos del Alzado destaca la gran altura de las naves, sobre todo la central.
  • El triforio sustituye a las verdaderas tribunas de las grandes iglesias de peregrinación románicas. Estrecha galería, abierta primero solamente al exterior y pronto lo hará también al exterior con vidrieras.
  • El claristorio es un tercer cuerpo recubierto de grandes ventanales con vidrieras, subrayando junto con el triforio la obsesión gótica por la luminosidad.
  • Las torres, ahora de elevación desmesurada, se dividen en varios cuerpos y culminadas por un remate agudo y calado con tracería gótica llamado chapitel o aguja.
  • El arco y la bóveda condicionan el resto de la obra en la arquitectura gótica.
    • El arco apuntado u ojival: Con menor empuje lateral que el de medio punto, generalmente aparece decorado con tracería calada en los vanos.
    • La bóveda de crucería, de nervios u ojival. Es un elemento principal del estilo, el que revoluciona la arquitectura y permitirá construir a alturas considerables.
  • Y bueno, tenemos también el Pilar baquetonado. Se trata de un pilar cuyos elementos se complican al multiplicarse los nervios de las bóvedas, ya que son su continuación. Son por tanto semicolumnas muy estrechas, llamadas baquetones, y están adosadas al pilar.

(Bueno, estas son las principales características, pero igualmente que he dicho sobre la arquitectura Románica, en este caso ocurre exactamente igual, es un tema complejo en el que si necesitas más información, te recomiendo acudir, lógicamente, a libros especializados. Bueno, digo en qué consisten 4 elementos fundamentales, para tener un poco más de información y continuamos con el tema de la decoración que es importante).

Las bóvedas de crucería son aquellas que las conforman bóvedas entrecruzadas, que a su vez, son atravesadas por arcos ojivales o de terminación en punta.

Y qué son los arcos ojivales, pues los que terminan en punta, normalmente de ventanales y puertas, con lo que dan una mayor sensación de altura. A veces este ornamento se repetía de manera decreciente hacia su interior, o sea, hacia los límites de la puerta o la ventana.

Lo otro muy característico son las vidrieras, que se refiere a extensas paredes de cristal, de diferentes colores e imágenes religiosas, que lo que hicieron fue darle mayor importancia a la luz, consiguiendo una experiencia emocional y expresionista que reforzaba el concepto de teocentrismo.

Y claro, por último os diré en qué consistían los arcos arbotantes, algo también muy característico, ya que son los medios arcos construidos en la parte externa de la edificación y que fue lo que hizo que esos edificios, por una parte, pudieran despojarse del muro e introducir las vidrieras, y por otra, le dio la posibilidad de estiramiento, de crecimiento. Por eso, las catedrales góticas son tan esbeltas.

Vamos a continuar, porque nos queda el tema de la decoración que es otra parte importante de lo que llama la atención de este estilo, por sus formas y recargamiento ornamental, las grandes vidrieras como hemos dicho, la escultura y el relieve, que aunque adquieren cierto valor en sí misma, sigue estando al servicio de la arquitectura, adornándola, o sea, que complementan la arquitectura como decoración, sobre todo en los tímpanos, arquivoltas, jambas, y parteluz en las portadas de catedrales e iglesias. Es decir, la parte de la fachada principal, o de las fachadas donde hubiera entradas.

Puerta Asunción Catedral de Sevilla

Los temas de figuras de santos, vegetales y animalísticos, que ornamentan capiteles, frisos o arquivoltas ahora poseen un fuerte naturalismo aunque siguen representándose seres fantásticos y bestias monstruosas.

Catedrales del gótico, tenemos  la Catedral de Notre-Dame de París (1163- 1250), y por ejemplo, catedrales españolas La Catedral de Toledo, (iniciada en el siglo XIII aunque las obras duraron hasta el XV), una de las más grandes de España. Tenemos también La Catedral de Burgos, ya del siglo XV, más homogénea por su rápida construcción. La Catedral de León, ésta, por lo que he leído, parece ser la que está más cerca del estilo gótico francés. Y por último nombraré La Catedral de Palma de Mallorca, (siglo XIV) de enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes y su escasa separación. Es la segunda más alta de Europa y una de las más anchas. De tres naves con capillas entre los estribos.

Matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck

La pintura Gótica fue reconocida como tal a partir del siglo XIV. Y bueno, en un principio, se continuaba con esa narración de escenas religiosas o bíblicas. Y, normalmente, se empleaban para decorar las imponentes construcciones arquitectónicas.

Entre sus principales características destaca la técnica de murales en fresco, la pintura sobre tabla al temple y al óleo. (Que ya en un programa anterior dijimos que es el momento en el que la pintura pasa de revoco a lienzo). En la pintura, se juega más con la luz, que coge protagonismo y eso hace que se comience a dar sensación de volumen y realismo. Y también es el inicio de un estudio más concreto de la perspectiva.


Representativa es La Escuela Italiana de Florencia (Siglo XIII) donde podríamos decir que puede ser la precursora de las innovaciones que cambiarán la marcha de la pintura occidental en el Renacimiento.

Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en la Pintura Europea. En sus obras , que se caracterizan por la evidente observación de la naturaleza, las planas y simbólicas figuras del Arte Bizantino dan paso a otras modeladas e individualizadas en perspectiva, además adoptó el lenguaje visual de escultores al darle volumen y peso a sus figuras. Por ejemplo, “La Virgen en el Trono”, obra en la que la composición y el fondo dorado hacen pensar en una concepción gótica de origen bizantino, pero el naturalismo y la monumentalidad de la Virgen nos muestran el personalísimo sello de Giotto.

Otro ejemplo podrían ser los frescos sobre la vida de San Francisco en la iglesia de Asís: plenamente naturalistas, donde las figuras cobran volumen y las escenas con pasajes de la vida del santo, se observan en perspectiva, disponiéndose en profundidad en diversos planos.

Giovanni del Biondo, (también italiano) Lukas Moser (Alemán), Michael Pacher (Austriaco). En España tenemos a Miguel Alcañiz, Fernando Gallego… pero nos vamos a quedar con una de las figuras más representativas de la pintura gótica; Jan Van Eyck.

Pero esto, será en el siguiente blog. Un saludo.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×2-historia-del-arte-9-romanico-gotico-audios-mp3_rf_75374336_1.html

ESTHER BEJARANO (De la Banda de Música de Auschwitz a Artista por la Paz)

El pasado mes de julio, concretamente el día 10, murió Esther Bejarano La rapera franco-alemana de 92 años superviviente del campo de concentración de Auschwitz.

Conocí la figura de esta señora, hace un par de años, un día que fui a un festival de música creado y en apoyo a personas refugiadas que se celebraba en un club de Hamburgo.

Llegó el momento del grupo Microfhone Mafia, y salieron al escenario unos chicos, con pinta de raperos, acompañando, cogiendo del brazo a una señora que apenas podía caminar (Claro, en aquel entonces Esther Bejarano tenía 90 años). Y allí, ella dio paso a que se iniciara la base musical y comenzó a rapear.

El público estalló en una rotunda ovación, por su puesto por su hazaña, pero también por lo elocuente y contundente de sus letras.

“Tuve mucha suerte de que una noche la Sra. Tschaikowska, una profesora de música polaca, buscara mujeres que pudieran tocar un instrumento en el bloque donde me alojé. Las SS le ordenaron que creara una orquesta de chicas. Yo dije que podía tocar el piano. Aquí no tenemos piano, dijo la Sra. Tschaikowska. Si puedes tocar el acordeón, te pondré a prueba. Nunca antes había tenido un acordeón en la mano. Pero tenía que intentar tocarlo para evitar tener que arrastrar piedras. Así que me ordenó que tocara la canción alemana “Mit Frauen hast du Glück“ (Tienes suerte con las mujeres), de Bel Ami. Por suerte, sabía ese tema con el piano, les pedí que tuvieran paciencia durante unos minutos… Fue como un milagro. Incluso toqué el hit con acompañamiento de acordes y fui aceptada en la orquesta. Eso me salvo la vida».

Esther Bejarano nació el 15 de diciembre de 1924 en Saarlouis, territorio al suroeste de Alemania, ocupado en aquella época por Francia desde el final de la Primera Guerra Mundial.

Fue registrada con el nombre de Esther Löwy, hija de un cantante Rudolf Loewy y de la profesora de Turingia Margarete Loewy. Ellos impartían clases en una escuela de la comunidad judía. Él fue quien la animó a interesarse por la música.

En 1934 comenzaron los primeros incidentes antisemitas en la zona del Sarre.

Esther Bejarano

El padre de Esther Bejarano es un claro ejemplo de la incongruencia del Reich de la época, ya que él se veía a sí mismo como un patriota e incluso sirvió como soldado en la Primera Guerra Mundial consiguiendo la Cruz de Hierro. (Reconocimiento que se concedía a militares que habían conseguido en la guerra alguna azaña. El mismo Hitler tenía una). Sin embargo, años después, era perseguido por el mismo país que había defendido.

En 1937 emigraron los dos hermanos mayores: su hermano a los Estados Unidos, la hermana mayor a Palestina. Un año después, su segunda hermana también fue a un campo preparatorio para la emigración a Palestina. Esther Bejarano se quedó sola con sus padres.

Viendo como sucedian las cosas, su padre perdió toda esperanza de que la situación volviera a la normalidad e intentó preparar una partida rápida, pero les fue imposible. Incluso fue detenido para llevarlo al Campo de Concentración de Dachau. Aunque 3 días después lo pusieron el libertad porque lo consideraban medio judio.

Y esto es muy curioso, lo consideraban medio Judío, porque impartia clases en una escuela judía, o porque parte de su familia era judía. Pero, en fin, creo que no es necesario hablar de todas las incongruencias de la guerra, de su estupidez y decisiones injustas e injustificadas.

Bueno, el caso es que comenzó la guerra y en 1941 Bejarano, a la edad de 15 años, intentó emigrar a Palestina, pero no lo consiguió. La SS arrestó a todo el profesorado y el alumnado de la escuela donde su padre impartía clases y fueros trasladados a un campo de concentración de Berlín.

Finalmente, sus padres fueron asesinados por los Nazis en Kovno en noviembre del 41 y su hermana en Auschwitz en diciembre del 42.

“Al principio no sabía cómo murieron mis padres; Solo me enteré más tarde. Encontré sus nombres en un libro que enumeraba los transportes de Wroclaw a Kovno. Los nazis registraron burocráticamente sus crímenes. Y cuando me doy cuenta de que mis padres tuvieron que desnudarse en un bosque, que estaban alineados con otras víctimas, luego simplemente dispararon y luego cayeron en una zanja, eso es lo peor y mucho más horrible para mí que cualquier cosa que haya experimentado en Auschwitz «.

En abril de 1943 fue deportada a Auschwitz con el número de prisionera 41948. Ese número, se lo habían tatuado en su piel. Años más tarde, en 1980 decidió borrar ese tatuaje.

Fue una etapa dura, donde tuvo que cargar con piedras, bueno, en realidad, como muchas personas, estuvo realizando trabajos forzosos.

Pero aprovechaba algunos momentos de tranquilidad para interpretarle a ancianos de su bloque, canciones de Schubert, Mozart o Bach. Fue por ello que estos ancianos sugirieron su nombre para que formara parte de la Orquesta de Mujeres de Auschwitz. Y esto, podríamos decir, que le salvo la vida.

Banda de Música de Austwistz

Como he citado, al principio de este texto, por suerte Bejarano tocaba el piano, y aunque no tenían ese instrumento en el campo de concentración, sí tenían un acordeón y, con un poco de suerte y al ser un instrumento relativamente parecido al piano, pudo ingresar en la orquesta con su directora Sofia Czajkowska, e interpretó temas junto a otras musicos como Hilde Grünbaum o Sylvia Wagenberg.

Aunque todo esto no facilitaba las cosas. Esther Bejarano contó en una entrevista que «Las SS nos ordenaron estar en la puerta y jugar cuando llegaban nuevos transportes en trenes en los que estaban sentados innumerables judíos de todas partes de Europa, conduciendo por las vías hasta las cámaras de gas y todas esas personas fueron gaseadas. La gente nos saludó con la mano, pensaban que donde se estaba realizando música, no podía ser tan malo. Esa fue la táctica nazi. Querían que toda la gente fuera a la muerte sin luchar. Pero sabíamos adónde iban. Jugamos con lágrimas en los ojos. No podríamos habernos defendido porque los matones de las SS estaban detrás de nosotros con sus rifles».

Esther Bejarano enfermo de fiebre tifoidea y fue trasladada a la enfermería. Cuando regresó cuatro semanas después, su lugar de acordeonista estaba ocupado. Pudo quedarse en la orquesta como grabadora y poco tiempo después los judíos de „sangre aria“ (un termino, cuanto menos, curioso) fueron trasladados al campo de concentración de Ravensbrück en noviembre de 1943.

Cuando Bejarano estaba en Auschwitz, la Cruz Roja Internacional buscó a los presos bastardos. Debido a que tenía una abuela paterna cristiana, los nazis consideraban a Bejarano una bastarda, una persona de ascendencia mixta judía-aria. Por lo tanto, de acuerdo con la ley nazi, no debería haber sido deportada a un campo de exterminio.

Sus amigos la convencieron de que se presentara ante la Cruz Roja como una bastarda porque le ofrecía la oportunidad de salir de allí. Así Bejarano con 70 mujeres más salió de Auschwitz.

En el campo de concentración de Ravensbrück se le asignó el número de prisionera 23139. Volvió a los trabajos forzados. Después de 2 años fue „arianizada“, es decir, le quitaron la estrella judía y le dieron el triángulo rojo, que marcaba a los presos políticos.

Esther Bejarano se vio obligada a participar en las infames „marchas de la muerte“. Así, en una de estas marchas, lejos del campo de concentración, concretamente entre Karow y Plau am see, consiguió escapar y el 3 de mayo de 1945, fue encontrada y liberada por tropas estadounidenses.

Ya, en el campo de personas desplazadas en Lüneburg, buscó oportunidades para salir de Alemania. El camino los llevó primero a Bergen-Belsen donde también se enteró de que sus padres habían sido asesinados.

No pudo encontrar parientes vivos en Alemania. Junto con amigos, hizo autostop a Frankfurt am Main e investigó la dirección de su hermano, que había luchado en el ejército de los Estados Unidos, estaba herido y en ese momento se encontraba en los Estados Unidos. Su hermana Tosca también había sobrevivido a la guerra y había conseguido llegar a Palestina donde vivía. Entonces decidió irse del país.

Esther partió hacía Palestina a mediados de agosto de 1945. Primero en Marsella consiguió papeles falsificados que le facilitaron el viaje y por fin llegó a Haifa el 15 de septiembre de 1945. Vivió un tiempo con su hermana Tosca.

«Queríamos desarrollar el país junto con los palestinos», recuerda. “En general, los palestinos nos ayudaron. No solo a nosotros, sino también los primeros judíos que vinieron al país. Queríamos trabajar la tierra juntos. Pero fue diferente con David Ben-Gurion y Golda Meir, (dice, refiriéndose a los líderes sionistas fundadores de Israel). Dieron la vuelta al sionismo y luego los sionistas dijeron ‘nosotros somos los dueños de la tierra’. Esa no era nuestra idea». Concluyó.

Conoció a Nissim Bejarano con el que se caso el 23 de enero de 1950. La familia se mudo a Ramat ha-Chajal y más tarde a Beer Sheva. Tuvo una hija en el 51 y un hijo en el 52 y a partir de entonces, se enfrentó al desafío de ser ama de casa y madre, ya que su esposo viajaba mucho como camionero.

“Mi esposo y yo no podíamos soportar la política israelí. Fue una catástrofe. La vida fue difícil porque no estábamos de acuerdo con las cosas terribles que se hicieron a los palestinos. Israel luchó contra ellos, echó a los palestinos; no se fueron solos, se vieron obligados a irse. Simplemente no podíamos soportar eso».

Ella dijo que había sido llamada antisemita por hablar en contra del tratamiento inhumano que Israel inflige a los palestinos. Pero Bejarano no tenía miedo y continuaba elevando su voz, calificando al Gobierno de Israel de «fascista» y diciendo que apoyaba el BDS, el boicot, la desinversión y las sanciones, si eso ayudaba a desafiar la persecución de Israel a los palestinos.

En fin, después de trabajar en varios lugares, comenzó sus estudios de canto en Tel Aviv con Emma Gillis. Pero en 1948 fue reclutada para el servicio militar en Jaffa, durante la Guerra de la Independencia.

“Fui soldado en la guerra por la independencia contra los británicos. (Decía Bejarano). Sentí que estaba justificado pelear”, pero su marido Nissim era pacifista y después de participar en dos guerras ya no quería volver a hacerlo.

Rechazar el servicio militar también fue difícil. «Habría terminado en la cárcel, así que no tuvimos más remedio que irnos» por lo que volvieron al país de su nacimiento.

«Fue muy difícil porque era el país de los perpetradores». Dijo.

Finalmente, pudo retirarse definitivamente del servicio militar. Trató de unirse a la Asociación de Artistas de Israel, pero debido a su trabajo para el coro de trabajadores, que también cantaba canciones comunistas, se le negó el acceso.

Así que, finalmente, decidieron emigrar, regresando a la República Federal Alemana. Primero en Saarbrücken, después Saarlouis y finalmente Hamburgo.

Trabajó en una lavandería, una discoteca, montó una Boutique y ahí fue cuando comenzó a tener conciencia política y eso le animó a investigar su propia historia y a documentar su vida.

Esther Bejarano

A partir de entonces tiene una larga carrera como activista política llegando a precidir la asociación de perseguidos por el régimen nazi, llegó a ser una de las 200 artistas que actuaron en el concierto celebrado por la paz en el Ruhrstadion de Bochum.

En 1986 Esther Bejarano fundó el Comité de Auschwitz para la República Federal de Alemania, que se reunía todos los sábados en su apartamento. (El comité, todavía existe hoy). Organizaba viajes educativos a campos de concentración, charlas presenciales en escuelas y eventos contra el olvido. El Comité de Auschwitz también publicó su biografía We live anyway: Esther Bejarano. De la orquesta de niñas de Auschwitz a la artista por la paz.

(Pero yo no he encontrado su biografía en español. No estaría de más que alguna editorial española la publicara, la verdad).

En 1987 lanzó el LP canciones de la resistencia. También funda el grupo Coincidence, con canciones del gueto y canciones judías y antifascistas. Bueno, y así varios LPs y discos.

Esther Bejarano

Me gustaría nombraros el trabajo que realizó con el grupo de rap Microfhone Mafia, que fue con quien tuve la suerte de verla actuar en Hamburgo. Con este grupo de Colonia, sacó dos álbumes „Per la Vita“ y „La Vita Continua“ con los que realizó más de 170 conciertos (esto hablamos de que ya esta mujer tenía unos 80 años largos). Uno de estos conciertos, se realizó en Cuba, y esta documentado y recogido en un libro ilustrado.

En 2015 formó parte de la serie de Spiegel Los últimos testigos , que documentó conversaciones con sobrevivientes de Auschwitz.

Y en junio de 2018, la obra de teatro musical The Children of the dead city,  fue lanzada como una obra musical y una obra sonora para radio; Basándose en su propia biografía como miembro de la Orquesta de Auschwitz. Esther Bejarano asumió el papel de pianista y oradora. El objetivo del proyecto era entender que es bueno realizar actuaciones en las escuelas con el fin de ofrecer enfoques didácticos alternativos a través de la música en el sentido de una cultura del recuerdo.

Esta señora recibió la Medalla Biermann Rajten en Hamburgo, y bueno, qué decir más; participó en infinidad de manifestaciones, defensora de la declaración de Berlin, fomentando una politica distinta para Palestina, ha realizado infinidad de conferencias a favor de los refugiados de Lampedusa.

Dijo: „las acciones policiales conta los africanos refugiados, son una vergüenza para la ciudad. Los controles de identidad a los que estan sometidos estos refugiados son tan inhumanos e inaceptables como toda la política europea de asilo“.

Esther Bejarano, murió el 10 de julio de 2021 a la edad de 94 años.

“No tienes la culpa de vivir este tiempo. Pero eres culpable de no querer saber nada de esta época. Tienes que saber todo lo que pasó en ese entonces. Y por qué sucedió». Esther Bejarano.

Jorge Barroso «Bifu»

Formato Audio: https://www.ivoox.com/2×1-esther-bejarano-de-banda-musica-audios-mp3_rf_75037055_1.html

CURSO Teórico/Práctico sobre Creación de Número Escénico

Pedagogía teatral y práctica creativa. Creación de método para el desarrollo de la personalidad creadora del alumnado. Impartido por Jorge Barroso «Bifu».

TEMA: Creo que es imprescindible, para la comprensión de esta temática, que la práctica sea prolongada, con un enfoque pedagógico coherente, sistemático, que enseñe al alumnado el manejo de herramientas y los procedimientos básicos para la creación de un número escénico. Sin acotaciones, con la intención de ampliar las visiones sobre dramaturgia, personaje, uso del elemento escénico, acento y equilibrio… y sobre todo, conocer y comprender qué es aquello que hacemos.

Curso anual: 2 cuatrimestres, de Octubre de 2021 a Junio de 2022. 1 clase por semana, con un total de 33 clases.

Desde mi experiencia, pienso que éste, es tiempo suficiente para la creación de un número, pero lo más importante, para la adquisición de herramientas que me ofrezcan fórmulas inspiradoras para llegar a la creación. O sea, métodos replicables que después podré utilizar en cualquier caso.

El curso es presencial en la ciudad de Sevilla (Espacio por determinar)

Jorge Barroso «Bifu»

PINTURAS NEGRAS 7 de 15 (La Romería de San Isidro)

Hoy, de nuevo, nos adentramos en la quinta del Sordo. Nos quedaremos en la planta baja y hablaremos y analizaremos otra de las pinturas de gran tamaño, concretamente la que se encontraba frente al Aquelarre; La Romería de San Isidro. Con este, son 6 las obras que hemos abarcado de esta colección. Una serie de pinturas enigmáticas, una época clara de transformación de su autor, que aunque no fue de golpe, es en este momento cuando podemos ver el cambio radical de su estilo pictórico, no sé si decir, de pinceladas más libres, o más rabiosas, desde luego y aunque lo parezca, para nada caprichosas… y que como hemos ido comentando en, prácticamente, todos los textos anteriores, hablamos de las pinturas que, posiblemente, abrieran las puertas a las pinturas modernas (Impresionismo y expresionismo).

Entramos en esa planta baja y a la izquierda, ocupando, prácticamente, toda la pared, vemos el cuadro Aquelarre. A la derecha, justo enfrente y entre las dos ventanas; La Romería de San Isidro.

Comparación cuadros «La Pradera de San Isidro» y «La Romería de San Isidro»

Esta obra, nos muestra una visión de esta romería hacia la ermita de San Isidro de Madrid. Lo que me parece curioso y que claramente nos cuenta la transformación de su autor con el tiempo… dicen que por la enfermedad que sufrió, la sordera permanente, pero quizá, también por una cuestión socio política, pues Goya veía como después del “2 de mayo” y la Guerra de la Independencia, sus valores e ideales, se evaporaban.

Lo que quiero decir, es que 20 años atrás, 20 años antes de la ejecución de esta pintura, Goya había pintado ya “La Pradera de San Isidro”. Y si trataba de reflejar las costumbres de un día festivo de los habitantes de Madrid y proporcionar una vista bastante fiel de la ciudad, ahora la escena refleja un grupo de personajes en la noche, al parecer ebrios y cantando con rostros desencajados…

La Pradera de San Isidro es un cuadro pintado en 1788, destinado a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo. En un inicio pretendía que midiera 7 metros de longitud, pero a la muerte de Carlos III, el proyecto de tapices, quedó inacabado, con lo que solo tenemos un minucioso apunte que mide 42 cm por 94 cm de longitud.

Claramente, aquí podemos ver a aquello a lo que Francisco de Goya quería pertenecer, ese mismo entorno burgués que describe. Con el paso del tiempo y el régimen absolutista de Fernando VII, la visión que muestra sobre este día festivo es bastante más desoladora.

Detalle de La Romería de San Isidro

¿Existe deshumanización o teatralización? Bueno, desde mi punto de vista, ambas cuestiones son acertadas. Creo que Goya en este cuadro juega con las clases sociales, que las entremezcla en la pintura. Aparecen, en primer término, un grupo de clase social humilde; más al fondo, sin embargo, se ven sombreros de copa y tocados de monja. Pero en primera instancia, nos muestra un ciego tocando la guitarra. Es como si nos viniera a decir que la sociedad del momento seguía a alguien que no ve.

Carlos Foradada, autor del libro Goya al descubierto en las Pinturas Negras y el Coloso, en este apartado, nos cuenta que esa escena tiene paralelismo con el cuadro “Parábola de los Ciegos” de Pieter Brueghel “como confirmación de lo incierto y del azar, cuyo destino es definitivamente ajeno al dominio de la razón”.

Y continua “España seguía poniendo de manifiesto su minoría de edad que la afirmación ilustrada pretendía superar, tal y como rebelan con especial crudeza las Pinturas de La Romería de San Isidro y el Aquelarre. España era un país atrasado cuya población vivía fundamentalmente de la agricultura y subyugada a los grandes propietarios y al clero, de manera que este contexto propició el advenimiento del absolutismo más extremo tras la Guerra de la Independencia, y presidido por Fernando VII. Finalmente, Goya, vivió un pequeño respiro a partir de 1820, cuando los Liberales dieron fin al primer periodo absolutista, tal y como se representa en Judith y Holofernes, para llevar a cabo el proyecto elaborado en la Constitución de Cádiz de 1812”.

Esto, como ya os he comentado en otros audios dedicados a las Pinturas Negras, parece ser que estas pinturas tienen un orden correlativo. Creo que igualmente complejo pero cronológico al fin y al cabo. Por eso nos habla de la consecución de Judith y Holofernes y también cita a Saturno Devorando a su Hijo. Todas estas pinturas pertenecientes a la planta baja de la Quinta del Sordo.

Un cuadro de tonalidades oscuras y terrosas, como siempre en esta serie de pinturas. Esa deshumanización de los individuos protagonistas. La textura y la forma de las pinceladas… todo ello, nos lleva a lo enigmático de esta serie, preludio de la ausencia de mímesis del arte contemporáneo.

Negativo Fotografía de La Romería de San Isidro (James Laurent)

Bien, como, prácticamente, todas las Pinturas Negras, éstas están realizadas sobre otras pinturas, que aún se debate si, igualmente pertenecieron a Goya o no.

Todas sufrieron una restauración, por su paso de revoco a lienzo, realizada por Martínez Cubels. Y por suerte, de todas ellas tenemos unos negativos de las fotografías que realizó en 1874 James Laurent cuando aún se encontraban en las paredes de La Quinta del Sordo.

Por ello, ahora podemos observar, sutiles y no tan sutiles cambios que sufrieron las pinturas en su restauración. En este cuadro en concreto una de las cuestiones que vemos más evidente, era la técnica que Goya usaba, que también la usaba Velázquez, la cual llamamos perspectiva aérea. Y es que entre medio de los protagonistas y el observador, Goya usaba una especie de veladura, como si pintara el aire que pudiéramos ver entre medio. Y, lógicamente, Martinez Cubells, parece ser que no lo tuvo muy en cuenta, a la hora de restaurar el cuadro, con lo que pierde técnica, expresividad…

En otros cuadros, ya hemos visto elementos que han desaparecido, o que por la forma de pintarlos, incluso cambia el sentido de lo observado. En este caso, y en primer plano, vemos el ciego tocando la guitarra, el trabajo casi detectivesco de Carlos Foradada, nos habla del cambio sufrido en esta figura, concretamente en su mantilla blanca.

En el cuadro, tal cual está ahora mismo, esa mantilla, realmente parece la camisa del personaje que tiene justo detrás, pero en los negativos, podemos observar que se crean una serie de juego de luz y sombra que finalmente nos hacen pensar que es una mantilla. Siendo así, y teniendo bastante sentido, pues los cómicos y buhoneros de la época parodiaban con este tipo de vestuario, nos da que pensar con el tema de la teatralización de la escena. Y la historia va un poco más allá; sobre el hombro derecho del ciego con guitarra, parece asomar la cabeza de lo que podría ser una marioneta o un títere, afirmando así esta cuestión y es coherente con la representación de actores cómicos que Goya ha puesto en escena en esta obra.

Detalle Pintura «La Romería de San Isidro»

La representación de estas celebraciones, que algunos autores han asociado con las Saturnalias romanas donde se subvertían las clases sociales, pasaban justo por delante de la Quinta del Sordo, muy cercana a la iglesia de San Isidoro. Por ello, se cree que Goya tuvo sus modelos cercanos, a los que pudo estudiar con serenidad.

Esta obra, limitaba en la casa de Goya con dos obras, ciertamente dramáticas; Judith y Holofernes y Saturno Devorando a su Hijo.

Ninguna de estas dos piezas las hemos analizado aún, pero vendrán ya en la segunda temporada.

Lo que sí tenemos son los programas siguientes (En Audio y texto):

Programa 1×3 Pinturas Negras de Francisco de Goya (Donde hablo de estas pinturas de una forma más genérica, pero creo que es interesante porque hablo de la etapa, del contexto socio político, de la propia vida de Goya… en fin, siempre recomiendo, si no lo habéis hecho, escuchar los programas anteriores, para una mayor comprensión del tema).

También tenéis el 1×8, el Perro Semihundido, 1×15 el Aquelarre, 1×19 Duelo a Garrotazos, 1×23 Leocadia y 1×30 Asmodea.

Jorge Barroso «Bifu»

FORMATO AUDIO: 1×43 PINTURAS NEGRAS 7 La Romería de San Isidro en La Habitación Semihundida en mp3(21/06 a las 19:33:00) 19:32 71713903 – iVoox

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